Modesto Fortuna

E NA CULTURA, NÃO VAI NADA?

2011-01-12T04:46:00.000-08:00

No dia 3 de janeiro o jornal Zero Hora publicou um texto do novo Secretário de Estado da Cultura, o emérito escritor Luiz Antonio Assis Brasil. Em sua pequena resenha ele compara a cultura com "um peixe na água translúcida, que devemos pescar com as mãos nuas", e mostra, num discurso tão empolado, quanto conectado ao linguajar pós-moderno, que pretende pensar:

...numa tríade operativa: a estética (consubstanciada no reconhecimento e na preservação dos elementos simbólicos, expressos nas chamadas belas-artes, mas também nas manifestações espontâneas das comunidades), a cidadã (em que o Estado a reconhece como direito de todos, transformando-se em agente estimulador da mais ampla circulação destes bens) e a econômica (na qual o agente público estabelecerá condições para que a cultura resulte na utilização desses itens para gerar emprego e renda).

O homem demonstra que entende do riscado, como ele mesmo diz "com uma mentalidade estritamente contemporânea, que é ampla e dialógica". Gostei do discurso do ilustre Assis Brasil. Senti firmeza.

Mas, no dia seguinte ele conseguiu estragar tudo. A mesma Zero Hora publicou uma matéria sobre sua posse à frente da Secretaria. A matéria tem o seguinte subtítulo: Secretário assume e promete diálogo. De minha parte sempre pensei que o diálogo fosse obrigatório. Inerente.

Segundo a matéria, Assis Brasil disse, em seu discurso de posse, que ele e sua equipe pretendem dialogar com o setor cultural, ouvir os expoentes da área para mapear as necessidades do mundo cultural do estado: "Será o primeiro passo para construir um plano estadual de cultura".

Ora, secretário, como o Sr. coaduna um discurso tão pós-moderno com um papo furado tão velho quanto a proclamação da república? Todos os secretários querem dialogar. Todos querem conhecer os problemas da cultura. Como assim? Para ser secretário não seria uma condição sine qua non que o sujeito já conhecesse os problemas de sua área? Para ser secretário será que o ocupante do cargo já não deveria ter um plano para o setor que vai assumir? Ora, secretário Assis Brasil, me desculpe, mas fazer levantamento de problemas ninguém aguenta mais.

Na minha opinião, até prova em contrário, o novo secretário é tão distante da cultura quanto um peixe que nada, seja na água translúcida ou não. É um homem que sempre foi ligado ao chamado setor do livro. Tal como o secretário municipal da cultura Sergius Gonzaga, que só vislumbrou que havia uma cultura além do livro quando assumiu o cargo na prefeitura de Porto Alegre, e aí sim, percebeu, como diz Assis Brasil, que "a cultura é múltipla e está em contínuo processo".

De qualquer maneira é bem melhor ter um intelectual como Assis Brasil dirigindo a cultura do estado, do que alguém vazio e sem conteúdo como a ex Mônica Leal. Se o Assis Brasil perder pra Mônica, vai ganhar de quem?

MINHAS MÃES E MEU PAI

2010-12-13T06:58:00.000-08:00

Em compensação este vale muito à pena assistir. Um roteiro muito bem acabado, que prende e interessa ao espectador do começo ao fim do filme. Personagens sensíveis, vivendo uma situação sui generis que tanto diverte, quanto faz pensar.

SKYLINE - NÃO CAIA NESSA

2010-12-13T05:16:00.000-08:00

Adoro filmes de ficção cientifica. Máquinas do futuro, alienígenas, robos, invasão da Terra e todas estas baboseiras. Assim, corri para assistir a mais esta invasão do planeta. Que frustração. O filme é uma droga.

Não perca seu tempo, nem seu rico dinheirinho assistindo esta porcaria. Legítimo caça-níquel hollywoodiano.

PRÊMIO PARA NOVOS DIRETORES

2010-11-25T06:46:00.000-08:00

Encerra hoje o prazo para inscrições no Concurso de Montagem Teatral para novos diretores. É a segunda edição desta louvável iniciativa da Coordenação de Artes Cências (Breno Ketzer e sua turma), e desta vez o prêmio é menos ridículo do que aquele oferecido no ano passado quando o novo diretor foi “incentivado” com 10.000 reais, sendo que deste valor ainda devia pagar os direitos autorais.

Mas não pensem que a precariedade diminuiu muito. O prêmio agora é de 15.000 e (acho) o Instituto Goethe é que vai pagar os direitos do autor. Melhorou. Mas, quando vão pensar em incentivar alguém de verdade? Um valor que não incentive o que todos aqui já sabemos fazer: teatro de baixíssimo custo. Um teatro semi-amador.

Quanto ao autor definido, penso que, apesar de toda importância que tem o Heiner Muller, seria mais interessante encenar autores alemães contemporâneos, desconhecidos do público porto-alegrense, como foi o caso do dramaturgo anterior, Marius von Mayenburg.

Agora, é aguardar para ver quem será o novo diretor que vai sentar na cadeira.

A SUPREMA FELICIDADE

2010-11-20T16:12:00.000-08:00

Quando dá pego um cineminha. Sempre é bom. Já fui muito mais ao cinema do que vou agora. Falta tempo. Não vou com a cara do Jabor. Não gosto da pose de inteligente de plantão, nem dos papos direitosos que ele emite na sua coluna da rede globo. Mas, vi o trailer do último filme dele e fiquei muito a fim de assistir. E fui, afinal de contas, o cara é um cineasta famoso.

O filme começa muito bem. Mas, fazia vinte anos que Arnaldo Jabor não filmava, e ele quis colocar coisa demais dentro do filme. Quer seguir várias histórias de seus personagens e não segue nenhuma. O filme é "do bem", Marcos Nanini está arrasando, mesmo superinterpretando um pouco, os atores são bons, mas tem uma coisa que não acontece. Os musicais são ótimos e o clima nostálgico que perpassa o filme é bacana. Bacaninha o filme do Jabor. Aliás, o Jabor é muito diferente nas entrevistas e no Jornal da Globo. no Jornal ele aparece maquiado, bem penteado e remoçado, como diria minha vó. Nas entrevistas, ele se encontra mais detonado, o cabelo amassado, olheiras profundas como de bebum. Quem te viu e quem te vê.

A ALEGRIA DE FAZER TEATRO

2010-11-20T15:42:00.000-08:00

foto de modesto fortuna; na foto denis gosch do elenco de Hotel Fuck

Festa na Usina. Denis Gosch dando uma aula sobre o Intenso Prazer de se Fazer Teatro, lidera seu grupo (Cia. Santa Estação da diretora Jezebel de Carli) e o povo do Teatro Sarcaústico (Daniel Colin, Wonderland) numa das coreografias do espetáculo HOTEL FUCK, que teve um trecho apresentado no Usina Polifônica, evento artístico mensal, que congrega todos os grupos sediados na Usina do Gasômetro através do Projeto Usina das Artes.

UM MONTE DE PEÇA BOA

2010-10-24T10:35:00.000-07:00

De propósito, bem na chamada ressaca provocada pela over dose de teatro do Porto Alegre em Cena, só pra contrariar, entra em cena uma fortíssima movimentação teatral.
A primeira estréia deste momento atípico foi A Lição, encenada pela Cia. de Teatro ao Quadrado, do Marcelo Adams e Margarida Peixoto. Mas, têm vários espetáculos estreando, e pelo menos alguns deles, na minha expectativa, prometem agitar a "crasse" e o público frequentador do teatro local. Wonderland do Sarcaústico, Hotel Fuck da Santa Estação e Clube do Fracasso da Cia. Rústica. Daniel Colin, Jezebel de Carli e Patrícia Fagundes são, respectivamente, os diretores dos espetáculos. Mas, tem muito mais: tem o TeatrOfídico, do Eduardo Kraemer e Renato del Campão que estreia "Pode ser que seja só o leiteiro lá fora"; tem estréia marcada de HYBRIS, novo espetáculo do Falos, do Marcelo Restori; tem o novo trabalho da Usina do Trabalho do Ator, da Celina Alcântara e Gilberto Icle, a peça se chama Cinco tempos para a Morte; tem o Animal Agonizante, peça dirigida pelo Luciano Alabarse com Luiz Paulo Vasconcellos protagonizando. Tem Vanise Carneiro estreando Nove Mentiras Sobre a Verdade. É muita peça. Tomara que eu consiga ver tudo.

Ontem (sábado) assisti a peça do Daniel. Maravilha, criativa, feérica, como manda o talento do Dani. Depois escrevo mais, ainda estou deglutindo todo o imenso conteúdo de provocação que a peça causa no espectador.

Hoje vou ver O Clube do Fracasso, peça da minha amiga Patrícia Fagundes. Assisti praticamente todas as peças que ela dirigiu. Nenhuma das vezes saí insatisfeito do teatro. Depois escrevo alguma coisa. Mas, se voce gosta de teatro, não perca tempo, faça sua escolha, compre seu ingresso e bom espetáculo.
foto: modesto fortuna; na foto: rodrigo shalako em Wonderland, ou...

UM POUCO DE POLÍTICA

2010-10-09T15:21:00.000-07:00

Saravá! A Era Ieda acabou! A Mônica não se elegeu. E o Tarso provou que é bom de voto e acabou com os sonhos de governador do Fogaça. Ganhar no primeiro turno é ruim porque o cara fica se achando. Mas é bom porque economiza um pouco do dinheiro público que é gasto nos anúncios do TRE. Que palhaçada nacional foi o supremo da Elen e sua turma, votar na véspera da eleição que não precisava levar o título. Depois de gastar uma nota divulgando que sem os dois documentos o cidadão não poderia votar. Cara dura esses ministros do supremo. Eles é que tão se achando.

Minha gurua, Enid Backes, disse que o melhor é ter um segundo turno pro Lula não acreditar que pode tudo, que pode eleger até um poste pra presidente. Além disso, não se economiza nada se não houver segundo turno, porque a grana já esta destinada e não vai voltar jamais para os cofres públicos haja ou não haja segundo round.

Voces já notaram que agora no segundo turno as propostas dos dois candidatos são as mesmas? Vou transcrever mais uma vez as palavras ditas em 1972 pelo artista plástico Joseph Beuys:

" Pergunto-me quanto tempo ainda pode durar tal jogo. Por quanto tempo as pessoas continuarão a votar em partidos e em seus representantes, ou melhor em conceitos vazios de significado e conteúdo"

Eu vou de Dilma a a Enid me confidenciou que não vai votar em nenhum dos dois candidatos. Mas como o voto é secreto ela pode mudar de idéia e ir votar ou simplesmente negar o que eu estou dizendo.

OS NAÚFRAGOS

2010-09-04T19:38:00.000-07:00

Quem viu, viu. Quem não viu, perdeu um baita dum espetáculo. Dois atores recriam a história de Dom Quixote e Sancho Pança. Imagens belíssimas, atores afinadíssimos, direção impecável. Lamentavelmente tinha pouco público na apresentação única em Porto Alegre. Se por acaso a peça voltar à cidade não deixe de assistir.

O TEATRO SEGUNDO YEATS

2010-08-27T13:33:00.000-07:00

"Quero criar para mim mesmo um teatro impopular e uma audiência que seja como uma sociedade secreta, onde a admissão seja por favor e nunca para muitos: ali uns poucos iniciados experimentarão a arte misteriosa, sempre evocando ou quase evocando, nos que o compreendem, coisas ternamente amadas, fazendo seu trabalho por sugestão e não por declaração direta, uma complexidade de ritmos, cores e gestos que permeia o espaço não como intelecto, mas como memória e profecia."

William Butler Yeats (1865-1939) citado por Marvin Carlson em Teorias do Teatro

SEGUNDO TEMPO: MADUREIRA 2 X ELES 2

2010-06-26T20:22:00.000-07:00

Na noite seguinte, segundo tempo: assisti ao outro espetáculo de João Pedro Madureira: Agora Eu Era, em cartaz na SALA 309 da Usina do Gasômetro. Eu já havia visto, na mesma sala, um ensaio aberto da peça. Obviamente, cresceu bastante. Ganhou em clareza, ficou mais limpa.

A peça também ganhou figurinos novos e uma nova ambientação cênica. Os figurinos criados por Francisco Macalão são de extremo bom gosto, têm plasticidade, são delicados e oferecem beleza à cena. Combinam com a ambientação cenográfica que segue pela mesma linha. Ambos não interferem no espetáculo, no sentido que não querem aparecer mais do que a própria peça. As intervenções em vídeo nada acrescentam, aparecem mais como um modismo incomodo do que como um recurso importante.

Os quatro atores estão bem afinados, apesar da substituição de um dos atores. O quarteto se joga com força e intensidade durante o tempo inteiro. Para o bem e para o mal. As interpretações são bastante convincentes e todos parecem defender com garra as propostas da direção. Diego Bittencourt, que eu conheço de outros carnavais, ainda tem que trabalhar seus problemas vocais, mas cresceu muito desde a última vez que o vi em cena. Lucas Sampaio, meu muito conhecido, exagera um pouco e representa até quando está simplesmente fazendo o giro-sufi.

Tudo é bem marcado, limpo e definido. Mas, mesmo assim o espetáculo não me tocou. E como o que conta são as sensações que um espetáculo produz no espectador, impossível não comparar uma peça com outra, e perceber que o problema está na fraca dramaturgia que fundamenta esta peça. Nitidamente, o “texto” de Agora eu Era não tem, nem de longe, a mesma potência que se encontra em Parasitas. As descobertas do filho Camilo são primárias, os problemas familiares são pueris e os sentimentos são óbvios. Resultado: 2X2. Se tiver que escolher, veja Parasitas. Se quiser conhecer as boas propostas de Madureira, veja as duas.

MADUREIRA 1 X ELES 0

2010-06-26T20:19:00.000-07:00

Foto: Jorge Scherer

Vi Parasitas no Instituto Goethe. Corre lá que talvez ainda de tempo de ver. Se já acabou, espere e vá ver na Álvaro Moreyra. Informe-se sobre a nova temporada.

O texto é de dramaturgo alemão Marius von Mayenburg. O texto é tão inteligente e tão carregado de um humor caústico (e agora: caústico é com ou sem acento? problemas com a reforma ortográfica), que lá pelas tantas a gente cansa um pouco. É moderno, fragmentado, forte, e plenamente eficaz, no sentido de que interessa ao espectador porque fornece pistas sobre a história, ou melhor, sobre uma história que você constrói junto com o autor. Mas, sabe quando você já entendeu a "história", e o autor continua explicando-a mais um pouco? Pois é justamente aí que cansa.

A direção é de João Pedro Madureira, que teve sua proposta escolhida entre outras nove e foi contemplado no Concurso para Novos Diretores de Teatro, promovido pelo Goethe e pela Coordenação de Artes Cênicas. Topou o desafio de encenar a peça num prazo relativamente curto com uma grana apertada. O trabalho é íntegro, moderno e acentuadamente inteligente. Madureira mostra seu talento. Acompanhando o texto de Mayengurb, o diretor coloca tanta "marquinha" de efeito na peça que chega uma hora que a gente cansa um pouco de tanta inteligência e criatividade. Trabalha muito bem com focos múltiplos e colabora com o autor ao prender a atenção da platéia.

Mas o que ganha a gente mesmo, o que mais chega a platéia, pelo menos o que mais me atingiu, foram as preciosas interpretações de Patrícia Soso e Priscilla Colombi. Que beleza. Que força magnética. Assim dá gosto de ir ao teatro. Léo Maciel, de quem gostei tanto em Clowssicos, parece preso numa camisa-de-força, e não é por representar um paraplégico. Apresenta uma interpretação descontinua, sem ritmo, que muitas vezes perde força e atração. Francisco Gick é o velho Multscher só porque está escrito no texto e é falado na peça. Não convence nem aqui nem na China.

A tendência é a peça crescer na temporada da Álvaro. Vale à pena conferir. Com certeza, a platéia presente na sessão que assisti, mostrou-se interessada nestes personagens de Mayenburg, cuja relação se caracteriza pela sentença: ruim comigo, pior sem-migo.

TEATRO PÚBLICO TEM TAXA?

2010-06-12T15:53:00.000-07:00

Tem. Quer dizer, já teve, depois não teve mais e agora tem de novo. Na Prefeitura do Fogaça e Fortunati tem. E é cara. Prejudicial e desanimadora, eu diria.

Trata-se de uma taxa que pode ser discutida sobre mais de um aspecto. É uma taxa que pode ou não ser cobrada dependendo do entendimento de quem tem poder para aplicá-la. É uma taxa que é considerada injustiça por grande parte da classe teatral. Trata-se de um teatro público, onde se é forçado a dar ingressos para funcionários públicos. Os teatros são destinados a todas as espécies de espetáculos de artistas portoalegrenses, e por isso mesmo não têm uma "cara".

Para colocar, por exemplo, o espetáculo Solos Trágicos em cartaz por 10 noites no Teatro Renascença, o grupo Depósito de Teatro teve que desembolsar 900 reais, como pode ser observado no comprovante acima. Em se tratando de um espetáculo nitidamente de investigação teatral, hermético, destinado a um pequeno público frequentador assíduo de teatro, àquelas poucas pessoas que dão preferência ao teatro chamado de pesquisa, é muito caro. Representa mais de 75% do dinheiro arrecadado na bilheteria.

Sabendo das características do seu espetáculo e sabendo do custo do teatro, porque este tipo de grupo pede datas neste espaço? Simples, porque quer mostrar seu trabalho e não existe outras possibilidades. Tem que forçosamente arriscar e aceitar as regras do jogo. Acontecem casos de grupos assumirem dívidas.

E a comissão que distribui as datas desconhece o teor das peças que contempla? Claro que não. Para concorrer a uma sala pública, o grupo tem que apresentar um projeto descrevendo minuciosamente o espetáculo. Além disso, a comissão é formada por "gente de teatro", então, é impossível que eles não saibam as chances que a peça tem de faturar ou não. Pelo menos numa rápida estimativa. Por que, então dão o teatro para este tipo de peça? Porque têm que ser democráticos, tem que atender a todos os tipos de demandas. E o teatro é público mesmo. Se não tiver público, azar.

Cabe salientar que, se esta taxa não beneficia os grupos, ela também não beneficia ninguém. Nem mesmo ao poder público. Tampouco aos contribuintes. É óbvio que não é a quantia arrecadada que sustenta os teatros. A parcela arrecadada é ínfima. A verba também não garante que o grupo receba o teatro com 100% de condições técnicas. Pelo contrário. A mesa de luz do Teatro Renascença, por exemplo, tem 15 anos de atividade e está cheia de problemas. Que benefício a taxa oferece ao público? Ingressos mais acessíveis? Não. Uma cota de cortesias distribuídas através de senhas? Também não. Nenhum benefício. A não ser para os funcionários da Prefeitura.

Por que não inventar uma maneira mais inteligente e menos onerosa de cobrar do grupo uma taxa pela ocupação dos seus teatros? Quem sabe aumentar as opções. Neste caso o grupo poderia escolher pagar com ingressos cortesia ou em dinheiro. Seria a possibilidade mais óbvia. Devem existir outras. Com certeza, seria mais uma forma que a Prefeitura encontraria de incentivar, ao invés de desestimular, a realização de peças que envolvem a pesquisa teatral e outros tipos de teatro que não são tão apetecíveis aos gostos médios do público.

Aí está uma ação que poderia ser encampada pela Coordenação de Artes Cênicas, que tem por objetivo estimular a produção e a distribuição do teatro em Porto Alegre, criando formas de atender beneficamente os artistas e o público da cidade.

SERVIÇO OU DESSERVIÇO?

2010-06-05T11:51:00.000-07:00

Todo mundo sabe que o SESC faz mais coisa pela cultura do que a Secretaria de Estado da Cultura. O programa ArteSESC é uma maravilha. O projeto Palco Giratório também é uma iniciativa genial. Mas e a programação? Será que com peças como esta aí em cima o SESC está prstando um serviço à cultura? Mesmo? Será que assim o SESC está colaborando para, por exemplo, a formação de platéia? De que adianta as boas e importantes peças que aparecem no Palco Giratório, se ao mesmo tempo coloca em circulação esta comédia para toda a família?

Antes que alguém me chame de preconceituoso por estar julgando um espetáculo apenas pelo cartaz, já que não vi a peça, quero dizer apenas que a foto me remete a um tipo de teatro que lembra uma farsa, uma comédia ligeira, provavelmente de temática rural, com personagens facilmente reconhecíveis pelo público e interpretações baseadas em tipos e clichês. de fácil compreensão. Poderíamos dizer que se trata de um besteirol. Apenas estou utilizando este cartaz como ilustração para chamar atenção que este tipo de espetáculo cômico (de qualidade ou não, não é isso que está em questão), estas comédias leves, estão aparecendo em grande número na programação do ArteSESC. E encontramos platéias despreparadas para assistir um espetáculo denso. Isso determina um tipo de produção e estimula um certo tipo de gosto ao público médio. O que está e jogo é avaliar e repensar a tremenda responsabilidade pela cultura que está sendo distribuída pelo ArteSESC.

UM TEATRO QUE DIZ "MERDRA"

2010-06-02T17:48:00.000-07:00

Este, no centro da foto, é Jean Vilar, em 1968, três anos antes de sua morte. Ele foi um ator, diretor e uma das personalidades mais influentes do teatro francês. Refletindo sobre o Festival de Avignon, criado por ele, escreveu:

"Claro que um artista deve, antes de qualquer coisa, compreender as realidades e necessidades do homem de seu tempo. Contudo, o teatro somente é válido, tal como a poesia e a pintura, na medida em que, precisamente, não cede aos hábitos, aos gostos, às necessidades, com frequencia gregários, da massa. Ele só interpreta bem seu papel, só é útil aos homens se abala suas manias coletivas, luta contra suas escleroses, diz-lhes como o pai Ubu: Merdra!"

É isso aí, Vilar.

Esta citação inaugura aqui no blog a série Reflexões Alheias.

FEBRE DE MOLIERE - O AVARENTO

2010-06-01T12:07:00.000-07:00

E lá fui eu assistir O Avarento. Confesso que, principalmente, para ver em cena alguns amigos, colegas de profissão. Elison Couto, antigo colega de vários elencos; Plínio Marcos, velho companheiro de Depósito de Teatro; e Lúcia Bendatti, ou Lucinha para os íntimos, a quem já tive oportunidade de dirigir em Boca de Ouro. Ainda bem que todos meus amigos estão muito bem na peça (o quê não dá pra se dizer de todo o elenco). Plínio, que está entrando agora, e Elison, apenas corretos. Nem sempre suas gags se traduzem em risadas da platéia. Mas, Lucinha está matando a pau. Tira excelente partido de sua personagem, e não tem chute disperdiçado. Bola na rede. Joga com a platéia, dá uma que outra apeladinha, mas faz o público rir, o que, afinal de contas, é o fundamento da comédia. A peça é dirigida por Gilberto Fonseca, que optou por fazer uma peça de Molière como se estivéssemos vivendo na época de Molière. Uma espécie de reconstituição arqueológica. Figurinos de época, salamaleques à la Luís XIV, e mais um conjunto de velharias que contaminam a interpretação dos atores e engessam o espetáculo deixando-o com sabor de mofo. A encenação não resistiria uma ánalise mais aprofundada. O texto é datado e previsível. Se agrada ao público talvez seja porque eles (a platéia) também tenha em seu imaginário o teatro feito na época de Molière, ou no máximo, um teatro do século XIX. É bonito de se ver, mas cansa na primeira meia hora porque se sabe que vai continuar assim até o final. De minha parte, deixaria Molière descansando nas glórias do passado.

AO SUCESSO COM JOÃO DE RICARDO

2010-06-01T11:39:00.000-07:00

A performance se chama Homem que não Vive da Glória do Passado. O performer é o ator e diretor João de Ricardo. Cheio de idéias, com uma corajosa exposição, alguns textos bons e alguns momentos ótimos. O novo e o velho misturados numa busca fragmentada, enganadora e cheia de perguntas sem respostas. Provocante, sim. Lá pelas tantas cansei. Já estava de bom tamanho. Trabalho arriscado e, com certeza, polêmico. Mas, uma das características da arte é justamente esta: provocar polêmicas. Eu curti.

CHAPEUZINHO AMARELO

2010-06-01T11:01:00.000-07:00

A primeira peça que assisti ao voltar de férias foi Chapeuzinho Amarelo. Já tinha visto esta história do Chico Buarque, há algunas anos atrás, encenada pelo Dilmar Messias. Era tão boa quanto tudo que o Dilmar faz para crianças. Mas esta montagem que vi agora assinada pelo Paulo Guerra foi uma boa surpresa. Surpresa porque não parece peça do Paulo Guerra. Há anos que este diretor se dedica ao teatro infantil com peças mais ou menos comerciais, que repetem mais ou menos a mesma fórmula. Desta vez está diferente. Mais inteligente, mais moderno. Senti a mão dos atores se metendo na concepção da peça. Aliás, o trio está ótimo, bem afinado e ágeis nas marcações corporais que recheiam o espetáculo. Apesar da interpretação idiotizante de crianças de peça infantil, os três atores agradam as crianças da platéia. A historinha é meio babaca. Já é no original do Chico, e continua na adaptação de Artur José Pinto. É pretensamente inteligente. Mas, sou mais Perrault. Mas não do que escrevo invalida a peça, que muito agradável e divertida.

LEITURAS DE FÉRIAS

2010-05-31T18:36:00.000-07:00

Como escrevi no post anterior, minhas férias foram longas. Muita praia, muita leitura. Fui para a house da minha amiga Sandra Possani, A Atriz. Em Recife. Aproveitando sua biblioteca (e de seu consorte), com mais de 25 preciosos títulos. Pequena, só o essencial. Comecei de leve: Saramago, Caim. Bravíssimo, senhor Saramago. Pequeno e essencial. O segundo foi Diário de um Ano Ruim, do também nobel J. M. Coetzee, escritor sul-africano radicado na Austrália. É o primeiro livro dele que leio. Ele se dá ao direito de escrever um romance experimental ao mesmo tempo que mete a colher em todos os assuntos mais importantes da contemporaneidade. Acho que não é seu melhor livro, mas deu muita vontade de ler outras coisas dele. Depois li Leite Derramado, um monólogo magnífico de Chico Buarque. Um personagem de mais de cem anos delira no hospital e conta a história do Rio de Janeiro. Daí veio Cinzas do Norte, de Milton Hatoum. Painel, corte profundo na carne do Amazonas. Personagens muito bem delineados e cativantes. Não dá pra parar de ler. Depois, Travessuras de Menina Má, do peruano Mario Vargas Llosa. Uma interminável e improvável história de amor entre um peruano que vive em Paris e uma aproveitadora peruana que faz gato e sapato do protagonista. Imperdível. Leitura de primeira. Aí, eu li Dois Irmãos. Voltei ao Hatoum. Beleza de saga familiar. E pra fechar com chave de ouro, li A Feiticeira de Florença e Fima. O primeiro, uma fábula de tirar o folego do leitor, escrita por Salman Rushde. Aquele mesmo: o que foi condenado à morte pelo aitolá por causa de seu livro Versos Satânicos. O segundo, do escritor israelense Amós Oz. Simplesmente, uma fatia da biografia de Fima, apelido de uma pessoa qualquer de Tel-a-viv. Dele, eu já havia lido Não Diga Noite, que me disseram não ser o seu melhor livro. Mas Fima é apaixonante. Não dá pra parar de ler.
Daí eu voltei ao trabalho. Ao relatório.

DE VOLTA A ATIVA

2010-05-30T17:36:00.000-07:00

Depois de um longo tempo de férias, estou de volta. Minhas férias foram maiores do que as do Jô Soares. Não tenho o dinheiro que ele tem, mas tenho férias maiores do que as dele. Estava escrevendo meu trabalho de conclusão do DAD. É, pra quem ainda não sabe, estou terminando o curos de Direção. A peça Solos Trágicos é meu trabalho de conclusão. Entre leituras e algum trabalho, escrevia o relatório final. Agora que acabei posso voltar a escrever no blog. Mãos à obra. Estive de lua-de-mel em Recife. Quase um mês de praias realmente maravilhosas. Voltei a Porto Alegre por poucos dias e viajei para a Paraíba. Mais especificamente para uma praia paradisíaca chamada Tambaba. Passei dez dias neste lugar trabalhando de cozinheiro da equipe de um curta-metragem que estava sendo rodado por um pessoal de Recife. Dez dias de praia e fogão. Foi ótimo. Depois de volta ao relatório.

LISTÃO DOS INDICADOS

2010-01-24T06:33:00.000-08:00

A Coordenação de Artes Cênicas divulgou a lista de indicados aos Prêmios Açorianos e Tibicuera relativo aos espetáculos estreados em 2009. Os indicados são muitos. Nenhuma surpresa. Alguns nomes são aqueles que se repetem, figurinhas carimbadas que volta e meia fazem parte desta lista. Também tem aqueles nomes que aparecem ali meio que para completar a listagem. Mistura-se artistas de talento comprovado com àqueles aos quais falta de qualidade técnica. Confundem-se, na listagem, atores que são apenas simpáticos, com àqueles que são apenas engraçados, com aqueles que contentam preguiçosamente em representar apenas tipos, com aqueles que verdadeiramente apresentam um trabalho teatral que escapa da mediocridade. Espero que os jurados saibam separar o joio do trigo na hora da definição final. Os nomes dos vencedores só saberemos na noite de entrega da premiação que acontecerá no dia 30 de março.

No teatro adulto, foi "O Sobrado" que abocanhou mais indicações. Nas peças infantis, "A Arca de Noé". Disputa pra valer acontecerá na categoria Melhor Atriz e, talvez, na dança onde "Ditos e Malditos" do Terpsi vai ter que encarar o "My House" em várias categorias.

Bacana é que a Coordenação está tentando valorizar a sua premiação cada vez mais. Lástima é que o Prof. Luiz Paulo Vasconcellos, coordenador anterior, tenha passado a premiação outra vez para o ano seguinte. Quase toda classe concorda que é melhor fazer a festa no final do ano, em dezembro.

BACANTES OITO ANOS DEPOIS

2009-12-20T04:47:00.000-08:00

Inflexíveis Ligações, nova peça do Grupo Teatral Bacantes, que completou, em 2009, oito anos de existência. Não é de hoje que conheço alguns dos integrantes do grupo. Antigos participantes da Oficina de Teatro do Parque dos Maias, orientados pelo diretor Marcelo Restori, a quem substitui por um período. Foi assim que conheci a semente daquilo que vem a ser hoje o Grupo Bacantes.

Fortemente influenciados pelo Falos & Stercus e, é claro, pelo Marcelão, o grupo nasceu com o forte intuito de chocar, de balançar as estruturas teatrais, de provocar, de buscar uma originalidade teatralmente agressiva.

"Romeu e Julieta Invertido", "Noites de Sexo e Violência" e "Perversus", são alguns dos títulos de peças anteriores, algumas ainda com a orientação de Marcelo Restori.

Inflexíveis Ligações, esteve em cartaz na SALA 402, da Usina do Gasômetro, atual endereço do Depósito de Teatro, que faz parte do Projeto Usina das Artes.

O espetáculo tem um belo e arriscado trabalho corporal, mas é confuso em sua dramaturgia, que só é compreendida se o espectador ler o programa da peça. O contato dos atores com os espectadores é agressivo e antiquado, lembra produções dos anos 60 e peças antigas do Ói Nóis. Não traz nada de novo e não acrescenta nada ao espetáculo.

DENTROFORA

2009-11-03T17:10:00.000-08:00

Imperdível. Liane Venturella (a grande atriz da atualidade) e Nelson Diniz (impecável) dão um show de teatro em DentroFora. Proposta radical para um texto não menos. Maravilha. Carlos Ramiro Fensterseifer acerta em cheio na direção.

Na foto de Fernando Gomes/ZH estão os dois protagonistas: Liane Venturella e Nelson Diniz.

ANTICRISTO

2009-10-10T20:30:00.000-07:00

Pouquíssimo público na sessão das oito no sábado no Arteplex. O filme é encantador. Impactante pela beleza trágica, pela violência, pela sexualidade, pela natureza. Me parece que fazia algum tempo (alguns filmes) que Trier não ia tão fundo. No fundo do poço da culpa, da vingança, da loucura, da tragédia. Um lodaçal de corpos, de mortos. Um exorcismo. Cada capítulo é mais surpreendente e maligno que o anterior. Imperdível.

MODESTAS MULHERES

2009-09-28T14:28:00.000-07:00

Sobre não deixar passar em branco. Esta maravilhosa criatura da natureza, Brigitte Bardot completa 75 anos. A atriz francesa que mais atiçou a imaginação masculina. Comparável apenas a Marilyn Monroe, sua cópia norte-americana. Belíssima cópia, diga-se de passagem.

M.F.

QUARTET - POA EM CENA

2009-09-24T05:31:00.001-07:00

O XIV Porto Alegre em Cena encerra em gran finale. Não poderia ser melhor. O Espetáculo é um arraso. Simplesmente fiquei em suspenso, extasiado, estupefato. Cada quadro era mais deslumbrante do que o anterior. O teatro elevado a categoria de arte. Bob Wilson realizou uma encenação definitiva para a peça de Heiner Müller.

Quartet é uma adaptação de Heiner Müller do romance As Relações Perigosas de Choderlos de Laclos, escritor francês do século XIV que ganhou notoriedade com a publicação deste livro em forma de correspondência entre pessoas ligadas entre si.

Tudo funciona. Um show de tecnologia bem colocada. Surpreendente. Imagens belíssimas.

Isabelle Huppert está maravilhosa. O elenco é afinadíssimo, ensaiadíssimo.

Pura arte: harmonia, precisão e beleza.

PRÊMIO BRASKEM - POA EM CENA

2009-09-22T11:05:00.000-07:00

Em noite de gala e festa, com todos os indicados bem trajados e prontos para subir ao palco (porque afinal, nunca se sabe qual vai ser o resultado), o grande vencedor foi o espetáculo O Sobrado, que levou o Troféu Braskem oficial e do júri popular na categoria melhor espetáculo. O prêmio de melhor direção ficou com Zé Adão Barbosa, melhor atriz para Araci Esteves e melhor ator para Daniel Colin.
É... premiação é premiação. Concordemos ou não, é dado o resultado e temos que engolir e aplaudir. Escrevi engolir, mas poderia ter escrito aceitar. Como sempre tem gente pensando mal sobre o que escrevo, esclareço que considero resultado de premiação igual a resultado de edital ou concurso: ganhe quem ganhar, o que vale é sempre o resultado que é e não aquele que eu gostaria. Do contrário, eu seria sempre premiado e todos os meus projetos seriam aprovados.
Da comissão que elegeu os vencedores faziam parte Renato Mendonça e Roger Lerina da ZH, Vera Pinto do CP e Hélio Barcellos Jr do JC. Todos reconhecidamente próximos do meio teatral. Calejados espectadores de longa data. Mas, mesmo com todo este currículo, durante o coquetel houveram várias manifestações de surpresa e até de desagrado em relação aos resultados. Posso dizer que até mesmo alguns vencedores não concordaram com prêmios recebidos por outros ganhadores. Então, é como eu digo: é mesmo assim quando se trata de premiações: tem que engolir e aplaudir.

Maravilhoso mesmo foi o pocket show do Nico Nicolaiewski. Cada vez melhor este guri. A sonoridade que extrai do piano, a suavidade da sua voz, a sua veia rockeira, tudo encanta.

Só me resta repetir a frase do Nico: parabéns aos que foram premiados e parabéns, também, aos que não o foram.
M.F.

VAN GOGH - POA EM CENA

2009-09-20T19:17:00.000-07:00

Van Gogh só no gogó: texto, texto, texto. Uma encenação às escuras, sem nenhum realce, que não acrescenta nada. Cenário pobre como aqueles das peças de baixo custo feitas no DAD. O ator, Fernando Dianesi, enfrenta um tour de force e percebe-se que teria as forças necessárias para alcar voô, mas não decola nunca. Se fossemos (tem acento ou não tem? se tiver coloquem com a imaginação, pois ainda estou re-aprendendo o Português pós reforma.) desenhar o um gráfico representando a peça, perceberíamos que o ator traça sucessivas ondas sempre da mesma amplitude dramática. Começa de leve e vai subindo até um acesso de raiva ou de loucura. Depois recomeça tudo outra vez. Como a direção não instiga, não propõe nada além das nuanças e inflexões do texto, pouco acontece e a platéia apenas vislumbra a sombra da loucura de Van Gogh, e passa ao largo do profundo desespero e angústia de viver que o pintor manifestava através de cartas enviadas ao seu irmão Theo, que era o seu grande e fiel patrocinador. Ficamos apenas na reflexão intelectual.

Outra coisa: só porque a peça é em espanhol é dispensado o uso da projeção de legendas. Quando o ator fala "silla roja", por exemplo, no mínimo um terço da platéia não sabe do que se trata. Daí, a peça fica toda entrecortada por palavras que, percebe-se, parte do público não compreende. Distancia o espectador do espetáculo.

RAINHA(S) - POA EM CENA

2009-09-20T05:58:00.000-07:00

As Rainhas acabaram apresentando-se no Theatro São Pedro. Georgette Fadel sempre maravilhosa, inteiraça. O prazer com que ela atua é visível. A peça faz aquela conhecida e "moderna" desconstrução à la Enrique Dias em Ensaio.Hamlet e A Gaivota. Quase uma fórmula. Mas o resultado é (novamente) muito bom. As duas estão afinadíssimas.

O DRAGÃO - POA EM CENA

2009-09-18T20:20:00.000-07:00

Fortíssimo. Corajoso. Emocionante. Impactante. Trágico. O Dragão.
M.F.

CRU, BEM CRU - POA EM CENA

2009-09-18T20:13:00.000-07:00

Cru, espetáculo da Cia Teatral Atores Reunidos, de Caxias do Sul, idealizado, dirigido e muitas outras coisas por Raulino Prezzi.
Minha sugestão é colocar novamente no fogo. Tem que cozinhar mais. Está demasiadamente cru pra gente saborear. Dramaturgia fraquíssima, atuação fraquíssima. Atores despreparados para realizarem as tarefas exigidas pelo diretor e pelo espetáculo.
A peça é moralista. Pretende ser provocativa e é cheia de pudor. Amadora e quase adolescente nas suas propostas.
M.F.

FANDO & LIS - OFF POA EM CENA

2009-09-17T19:27:00.000-07:00

Estes dois porcos estão aí, com suas asas fechadas, só porque ainda não consegui uma boa foto da peça pra ilustrar este comentário. Ainda tem mais uma quarta pra assistir Fando & Liz lá no Ocidente, Palco Ox. Aliás, um espaço bem bacana que eu ainda não conhecia. Mas (e crítico sempre tem um "mas"), o pessoal do Ocidente tinha que colocar um equipamento de luz mais moderno e adequado ao lugar. Um lugar diferente, tão bacana, e com uma iluminação tão ruim. Tem que investir. A luz da peça é ruim, tipo: "vamos fazer o melhor com o que se têm". E o melhor somente seria bom com um equipamento melhor.
A peça me pegou no começo, no primeiro ato. Depois foi me cansando até a exaustão. Racho a conta entre a encenação e o autor. Começo pelo autor. Fernando Arrabal (sim, o mesmo que veio no Fronteiras do Pensamento e se pegou com o Gerald Thomas), é o autor de O Arquiteto e o Imperador da Assíria, A Bicicleta do Condenado e Cemitério de Automóveis. Estas, talvez, sejam as mais famosas. Principalmente a última, depois da celébre montagem do diretor franco-argentino Victor Garcia. Mas, Arrabal possui uma extensa obra poética, cinematográfica e dramatúrgica. Entre as quais, Fando & Lis, escrita em 1955, quando o autor tinha apenas 23 anos, que é, mais ou menos, a idade de Fando, o personagem da peça. Arrisco dizer que Arrabal ainda não tinha o domínio da dramaturgia do absurdo, que veio a adquirir em O Arquiteto e o Imperador da Assíria escrito em 1966, e considerada sua mais importante e significativa e encenada obra. Assim, acho que nesta peça Arrabal comete o pecado da prolixidade e da repetição exaustiva dos mesmos temas. Peca também por tecer um teatro do absurdo muito na casca. Quase óbvio nas imagens que cria e a representação da realidade a que nos remete. Merecia cortes no texto, talvez adaptações. Como isso não foi feito, aí começam os pecados da encenação.
CONTINUA EM BREVE.
M.F.
M.F.

A VIAGEM DE GIACOMINA - POA EM CENA

2009-09-17T19:22:00.000-07:00

Assisti a viagem de Giacomina. É mesmo uma viagem. Fragmentos, silêncios e muita viagem. Não sei porquê, não consegui viajar na peça. Giacomina partiu e me deixou ali, sentado assistindo uma peça de teatro de bonecos de pau.

VOCA PEOPLE

2009-09-14T19:12:00.001-07:00

Show de vozes: todos cantam muito e muito bem, o conjunto é afinadíssimo e o som de primeira. Show de performance: uma sucessão de intervenções bem humoradas com o público, elevam o astral da platéia. Tudo é tão up que o espetáculo termina deixando todo mundo muito, muito feliz. Uma coisa Brodway.

Já o repertório nem tanto. Tem um bloco inteiro daquelas chatérrimas músicas americanas, aqueles sucessos internacionais insuportáveis.

Show de luzes: são tantas moving-ligths circulando pelo palco que chega uma hora que a gente cansa de tanto efeito de iluminação. Efeitos vazios, bem entendido.

M.F.
.

NELSON RODRIGUES BUARQUE DE HOLLANDA - POA EM CENA

2009-09-14T19:09:00.000-07:00

Senhora dos Afogados, de Nelson Rodrigues, com direção de Zé Henrique de Paula. A direção é limpa, bem marcada e recheada de momentos "teatrais". A inserção de canções criam hiatos e fico pensando qual a real necessidade dramática deste recurso? As muitas canções (11) às vezes nos distanciam da tragédia. Quando cantadas pelo conjunto de vozes do elenco aparecem com força e propriedade. Porém, no solos, nem sempre alcançam o objetivo lírico e/ou dramático.

O coro engraçadinho, homossexual e debochado também atenua os possíveis efeitos trágicos.

M.F.

DOR À LA FRANCESA - POA EM CENA

2009-09-14T18:44:00.000-07:00

Achei a primeira parte extremamente chata. Não suporto mais ouvir todo aquele bla-bla-blá europeu sobre a a segunda guerra mundial, sobre os campos de concentração e os seis milhôes de judeus mortos. É assunto por demais batido. Passei a me interessar pela peça quando o Roberto volta pra casa. A encenação vai por aquele viés da leitura dramática. Tipo as últimas experiências do Aderbal Freire Filho e suas quatro horas de leituras encenadas. A atriz é excelente, sutil.

A propósito, os franceses, invadidos na II Guerra, também mataram milhares de pessoas quando ocuparam o norte da África.

M.F.

AS NOITES DO BARQUEIRO

2009-09-11T11:12:00.000-07:00

Numa violenta tempestade um barco vai à pique. Seu comandante consegue alcançar uma ilha e torna-se um naufrago. Da ilha enxerga um farol que se encontra no lugar para onde navegava. Sozinho e prisioneiro na ilha desabitada, o comandante divaga e reflete sobre o destino do homem, sobre o sentido da existência. Caronte. Robinson Crusoé. Tom Hanks.
Texto solo de alta carga poética dirigido pelo autor Samir Yazbek (o mesmo de O Fingidor e A Entrevista), e interpretado por Hélio Cícero, tarimbado ator que com este espetáculo festeja seus 30 anos de carreira. Ambos são oriundos do CPT de Antunes Filho.
Assisti a um ensaio do espetáculo, depois vi a estréia e a seguir, a segunda apresentação. O teatro é mesmo um ser vivo. Impressionante o crescimento da peça de uma ocasião para outra. A performance se alterou sempre para melhor. A integração dos diversos elementos do espetáculo afinou-se um pouco mais.
Na primeira noite os aplausos foram apenas protocolares. Na noite seguinte o silêncio do público era pesado e significativo e os aplausos vieram carregados de calor. A performance de Hélio Cícero foi, na primeira noite, muito técnica, exterior. Na segunda, foi quente, carregada de nuanças e força dramática.
Minhas observações sobre cada uma das apresentações chamam atenção para o fato de que o teatro além de efêmero, é extremamente sensível para se fazer acontecer. O público da segunda apresentação assistiu um espetáculo completamente diferente daquele que foi visto na noite de estréia.
Me chamou atenção o fato de que todos os elementos da peça querem aparecer com igual intensidade. É a procura da harmonia no exagero. São vários os elementos utilizados pelo diretor. Signos em profusão e completa autonomia. Assim, parece que a trilha sonora é tão importante quanto o cenário que é tão importante quanto a luz que é tão importante quanto o texto que é tão importante quanto o ator. O ator interage com praticamente todas as coisas do espetáculo, mas mesmo assim, cada um dos elementos destaca-se por si só. O cenário é muito bonito. Um tanto pret-à-porte, ou seja, serve para muitas peças. A iluminação é um ponto alto do espetáculo, mas está ali sempre presente, sempre extremamente a vista do espectador. A trilha sonora é composta de sons dissonantes, fortes. Os vários adereços que surgem de maneira surpreendente, logo se mostram uma incógnita. Cada um espectador os lê como bem entender e, penso, que muitas vezes o público não alcança os significados possíveis contidos nos adereços.

O BAIRRO

2009-09-05T15:27:00.000-07:00

Na foto, que eu não sei de quem é, estão Marco Antônio Sório e Sérgio Lulkin numa cena da peça O Bairro que eu tive o imenso prazer de assistir neste feriadão teatral que me propus a fazer. Não gosto de soldados marchando, sabia que não viajaria no feriado, só me restava ir ao teatro. Comecei bem com a peça da Ana Paula Zanandréa. O segundo dia, sexta-feira, foi um golaço. Mais uma aula de teatro essencial. Fiquei maravilhado com a sinceridade das interpretações, se é que se pode usar esta palavra "interpretação" para o trabalho apresentado pelo conjunto de atores da peça. Essencial. O texto é tão inteligente que às vezes se repete. Apesar dos vários nomes e personagens a peça poderia ser um monólogo. Mas, acaba sendo melhor fazer um monólogo com cinco atores do que com apenas um. O risco de ficar chato é bem menor. A peça é muito boa. Se voltar, não percam. Um exemplo de excelente teatro.

M.F.

O PAÍS DE HELENA - TEATRO ESSENCIAL

2009-09-03T19:07:00.000-07:00

Foi a melhor foto que eu achei. Acho que a foto é do Kiran, porque ele é que anda fotografando a peça desde antes do seu nascimento. Na foto aparecem Elisa Volpatto e Priscilla Colombi. Excelente a direção da Aninha (Ana Paula Zanandréa). Excelentes as atrizes, mas, sem dúvida, a segunda citada é impagável no divertido jogo que propõe à platéia. O primeiro ato é o melhor de todos. O segundo está sem ritmo. E o terceiro, que deve o ser o que menos foi passado, carece de aprofundamento. As atrizes apenas repetem parte do repertório já utilizado.

Assisti a peça em uma de suas apresentações obrigatórias. Era o início do processo. Estava monótono. As atrizes já traziam em si a chama, mas a direção ainda procurava caminhos. Agora é outra coisa. O espetáculo se concretiza. Cria (junto com as atrizes, é claro) uma forte empatia com o público. Tem limpeza e precisão. Saiu boa esta guria.

Espertamente, a Aninha fez um monólogo com duas atrizes. Dividiu o papel único entre as duas intérpretes e escapou dos problemas de encenar um monólogo.

Modesto Fortuna

SOBRE A ARTE DO ATOR

2009-08-31T20:11:00.000-07:00

O time que aparece aí na foto: à frente Sandra Dani, ao seu lado Sérgio Lulkin, mais atrás da esquerda para a direita: Tatiana Cardoso, Nair D'Agostini e Roberto Oliveira. Pois, estas "lêndias" vivas do teatro gaúcho juntaram-se para conversar sobre a arte do ator, principalmente enfocando a questão o ator e o seu método. Boa conversa. Excelente presença do público. Na platéia, além de uma porção de jovens ávidos pela troca, sentavam celebridades do meio teatral: Nelson Diniz, Márcia do Canto, Claúdia Sachs, Melissa Dornelles, entre outras. O nível da discussão foi elevado: os métodos de atuação, o treinamento do ator, a importância da pesquisa e da experimentação na formação de atores, a importância da formação de atores, foram alguns dos assuntos abordados. Público e integrantes da mesa concordaram que a Coordenação deveria abrir mais espaços para este tipo de conversa: a troca de experiências está fazendo falta na cidade. Ficou anotada pela Coordenação de Artes Cênicas a sugestão de continuidade.

XVI FENTEPP

2009-08-31T11:11:00.000-07:00

Como comprova o meu crachá aí em cima, eu estive participando da décima sexta edição do Festival Nacional de Teatro de Presidente Prudente, cidade localizada no oeste do estado de São Paulo. O festival traz aos prudentinos uma amostragem da produção nacional de teatro adulto, infantil e de rua. Trata-se de um festival modesto. Não tem o gigantismo pretensioso do Porto Alegre em Cena. Afinal de contas, apesar de ser em São Paulo, Presidente Prudente é uma cidade interiorana, nitidamente menor do que Porto Alegre.

Mas, o FENTEPP, com a assistência total do SESC, apresenta uma programação que, embora seja de altíssima qualidade artística, fica meio semelhante a do Palco Giratório, evento teatral nacional promovido pela mesma entidade. Nesta edição foram 35 espetáculos originários de vários estados brasileiros. É isso aí.

Valeu, Fentepp.

M.F.

TORTURANDO CRIANÇAS NO TEATRO INFANTIL

2009-07-04T18:12:00.001-07:00

O QUE ESTÃO FAZENDO com o teatro infantil? Será que não tem ninguém vendo o que estão fazendo com o teatro infantil? Será que não tem uma arte-educadora, capaz de se indignar com o que está acontecendo com o teatro infantil? Não tem um psicólogo de pré-escola que tenha a ousadia de botar a boca no trombone para reclamar da programação do teatro infantil? Não tem uma diretora inteligente de uma escola moderna, avançada e inteligente que venha de público manifestar-se sobre o baixíssimo nível do teatro infantil. Não tem um pai, uma mãe que não perceba que não é bom expor o filho a certas peças que estão em cartaz e escreva uma carta para um jornal denunciando o fato. Eu coloquei uma enquete neste blog sobre a qualidade do teatro infantil que se anda fazendo em Porto Alegre. Hoje dei uma olhada num site é fiquei pasmo com a programação. Não vi e não gostei. Ainda bem que eu não sou obrigado a assistir nenhum dos espetáculos em cartaz. Me imaginei criança, com meus pais preocupados com minha formação cultural e me levando obrigado ao teatro para ver uma "pecinha infantil". Que tortura não haveria de ser. Para mim e para eles. Quando crescesse, certamente, eu odiaria o teatro. Há alguns anos atrás, Porto Alegre poderia orgulhar-se do nível de seu teatro infantil em relação ao que é praticado, por exemplo, no Rio de Janeiro, ou em São Paulo, ou em Brasília, que foi onde vi as piores peças infantis. Embalado pela explosão de produções caça-níqueis e besteiróis medíocres que vêm assolando o teatro para adultos, também o teatro infantil vem perdendo contínua e absurdamente a qualidade e o senso crítico e artístico de outrora. Atualmente, o que se vê é a criança exposta, indefesa, diante de tanta mediocridade que lhe é apresentada guela abaixo. É um reflexo do baixíssimo nível da programação televisiva dedicado aos "baixinhos". E, desculpem, mas tenho que voltar aos pais? O que os pais estão achando disso? Será que eles também estão com a cultura embotada e não conseguem distinguir o joio do trigo? Será que não há nada nos estatutos da criança e da adolescência que fale do poder de destruição que este tipo de teatro poda causar na criança e no prazer ou desprezo que ela tenha em assistir uma apresentação teatral? Muitas destas respostas eu não tenho, não sei o que dizer, algumas eu pressinto, e não é nada bom o que eu vislumbro. O teatro infantil, o bom teatro infantil, vem perdendo público ano após ano na proporção direta em que o medíocre teatro comercialóide vem alcançando maior lucratividade. As escolas compram, os pais levam os filhos, as orientadoras dão seu aval, as diretoras assinam embaixo, todos fazem vista grossa e a criança tem que engolir uma pecinha que lhe trata como um debilóide.
M.F.

ADEUS, PINA BAUSCH

2009-07-04T10:24:00.000-07:00

Tive oportunidade de estar perto dela. Dizer a oportunidade de conhecê-la, seria um exagero. Eu estava trabalhando como diretor de palco numa das edições do Porto Alegre em Cena em que ela era uma das mega atrações do Festival. Sua peça seria apresentada no Teatro do SESI. A produção do Festival teve que aumentar o palco, pois não tinha a profundidade que Pina achava necessário que tivesse. Primeiro chegou o responsável pela montagem com um batalhão da auxiliares alemães e brasileiros. Depois, chegavam as produtoras e camareiras e todo pessoal que prepara a produção, Checavam cada item. Mais tarde chegavam os bailarinos e preparadores e ensaiadores. Ela era a última pessoa a chegar no teatro. Tinha secretária pessoal e secretária executiva. Tinha até um anotador de erros. Tinha uma estrutura que só alemães conseguem ter. Além dos japoneses, é claro.

Na última apresentação ela mandou reunir todas as pessoas que haviam trabalhado durante a realização do espetáculo e deu um singelo presente e um breve discurso de agradecimento que foi traduzido pela sua intérprete pessoal.

Claro que saber que quem está ali falando, ali na tua frente, ali te olhando nos olhos é a própria Pina Bausch já amplia e deforma totalmente a importância do evento. Dá um peso tanto para o discurso, quanto para o momento. Mas, posso jurar que emanava dela uma energia cálida, uma autoridade imanente, um carinho transcendente. Guardei o momento na minha memória. E também a camiseta pólo preta do Tahztheater Wuppertal - Pina Bausch - Porto Alegre - 2006.

PORTO ALEGRE TEM LEI DE FOMENTO

2009-06-30T10:34:00.000-07:00

Foi aprovada na tarde de ontem pela Câmara dos Vereadores, a Lei de Fomento ao Teatro e a Dança de Porto Alegre. Na foto um dos estopins desta vitória: 06 de setembro de 2005 - DIA DA IMOBILIZAÇÃO DA CULTURA. Os grupos de teatro de Porto Alegre realizaram uma manifestação exigindo que os órgãos culturais municipais, estaduais e federais acordassem ecomeçassem a trabalhar. Um significativo resultado aparece agora. A nossa lei é meio marota. Não é como a Lei de Fomento de São Paulo que quando foi aprovada já tinha um gordo orçamento destinado a execução da lei. A nossa lei tem 100 mil reais. Com este valor não dá pra fomentar coisa alguma. O valor mais modesto aceitável seria 1 milhão de reais. Mas certamente, o teatro e a dança de cidade seriam mesmo fomentados se o orçamento chegasse pelo menos perto de 2 milhões anuais. Aí sim e Lei teria valor e vários grupos, a exemplo de São Paulo, poderiam ser fomentados.

Mas, nossa Lei de Fomento está aprovada. Grande vitória! Graças a articulação política do Caco Coelho e a coesão e determinação dos grupos de teatro da cidade.
FOTO: KIRAN

M.F.

ALGUMAS HORAS COM ARTURO BANDINI

2009-06-27T15:34:00.000-07:00

Acabei de ler "Sonhos de Bunker Hill" de John Fante. Este é o terceiro livro dele que leio. Virei fã do cara antes de ler alguma coisa dele. Foi quando soube que Fante influenciou Bukowski. Ele é o precursor da geração beatnik. Só este currículo ja impressiona. Mas depois de ler "Pergunte ao Pó", "1933 Foi um Ano Ruim" e estes "Sonhos..." tenho que tirar o chapéu para John Fante. O cara escreve de um jeito que prende o leitor ao livro. Vivemos as aventuras de Arturo Bandini ao lado dele. Ficamos ricos com ele e com ele perdemos tudo. Arturo Bandini vive intensas aventuras e abissais mudanças na sua vida. E nós com ele. Maravilha. Vou atrás de outros livros dele. E quem ainda não leu deve ler pelo menos "Pergunte ao Pó.

MARLENI - O TEATRO VAI AO CINEMA

2009-06-27T09:26:00.000-07:00

Ou será que o cinema que foi ao teatro? Bem, eu fui ao majestoso Teatro do CIEE assistir Marleni, espetáculo assinado por Márcia do Canto e Liliana Sulzbach. No elenco, uma dupla de peso, duas conceituadíssimas atrizes: Ida Celina e Araci Esteves.
Comentar este espetáculo não é nada fácil. A peça me colocou numa sinuca de bico. Passado alguns dias, ainda não sei definir as causas dos meus sentimentos.
A peça é bem dirigida. Tudo é limpo e está perfeitamente no lugar. Vê-se a mão da Márcia do Canto e vê-se o olhar cinematográfico da Liliana Sulzbach. A inserção de imagens são muito bem realizadas. Tecnicamente perfeitas. As atrizes compõe suas personagens com maestria e quase exatidão. Araci Esteves tira de letra. Só fiquei pensando no estado das cordas vocais dela, que usa o tempo inteiro uma voz rascante, áspera e integralmente na garganta. Ida Celina boa como sempre. O cenário do Élcio Rossini é um primor. Tem beleza e harmoniza-se perfeitamente com a peça. Tudo está rigorosamente em seu lugar.
Então, porque a peça não "me pegou"? Porque me distanciei várias vezes do espetáculo? Porque vi pessoas cochilando na platéia? E eu mesmo me peguei com os olhos pesados? Precisava mesmo daqueles microfones? Será que o ritmo da peça é todo meio igual do começo ao fim? O texto que não se universaliza? As atrizes não arriscam um voô mais profundo ou mais alto ou mais louco? Os acontecimentos são previsíveis? É tudo limpo demais? O conflito não se sustenta? Não sei. Não sei definir o que é.
M.F.

O DESVARIO DA TAINAH

2009-06-20T16:20:00.000-07:00

DESVARIOs.m. Desregramento do proceder; desatino, loucura, delírio: os desvarios da juventude.Desvario: devaneio, desacerto, loucura, formada pela prefixação de "des" + o radical "vari" + o morfema "ar". Desvario: alienação, alucinação, delírio, demência, desatino, desvairo, insânia, loucura e tresvário

Em primeiro lugar: vão ver que a peça é boa. Na verdade, a peça é muito boa. Tudo o mais que eu escrever adiante jamais poderia diminuir uma vírgula desta montagem que é um acerto, pricipalmente se levarmos em conta o atual panorama do teatro local.
O texto é brilhante. Os cacos são bons. As liberdades com o texto são boas. A marcação é criativa, variada e, por muitas vezes, tão surpreendente quanto o texto. Os atores estão todos muito bem. Pequenos deslizes de texto de uma atriz, mas afinal de contas estamos no segundo dia. Vi a peça e já fiquei com vontade de vê-la novamente depois da trigésima apresentação. Daí é que vai estar boa de verdade. Por enquanto, parece apenas um arremedo do que pode ser esta história de “um homem desorientado, quase desesperado”, conforme ensina o release da peça. A interpretação do casal protagonista terá que elevar-se mais alto se quiserem atingir as notas gravadas no texto, que é simplesmente brilhante. Melhor do que este somente Paul Auster em O Gordo e o Magro vão para o Céu.
A direção de Tainah é segura e limpa. Tem um desenho claro e uma modernidade inerente. Tem gente quer ser moderno, que segue a Cartilha da Encenação Contemporânea. Têm outros que estão sintonizados com o seu tempo e simplesmente são modernos.A peça tem um ranço, tem algumas barrigas e mente quando propõe um jogo com a platéia e não está preparada para cumpri-lo. Ou não quer cumprir. Quando uma regra do jogo não é cumprida o jogo fica sem graça. Se é dado o direito para que o público escolha democraticamente a cena que quer ver, fica implícito que as outras duas alternativas perderam e estão fora do espetáculo. As barrigas estão em certas repetições de cenas e textos. Sim, já entendemos o mote principal. Sim, já entendemos que estamos diante de um texto fragmentado, loucão, pra lá de inteligente. Pra que ficar repetindo? Já o ranço, na minha opinião tem duas causas:
1. A direção não permite que a peça exploda. Amarra-a a uma seriedade excessiva em momentos que não são sérios. Não se decide pela comédia. Fica em cima do muro.
2. O protagonista "desorientado", presentificado por Leandro Lefa, é bom de corpo e em alguns momentos alcança a graça, mas, carece de força, falta presença e nuanças no texto, energia de protagonista. Fiquei torcendo para que o personagem do Lucas Sampaio desse um pau no carinha pra ver se ele ligava todos os motores. O personagem dele é o próprio Pato Donald. Se fode até quando se dá bem. O Leandro é perfeito para o papel. Tem que ver desenho do Pato Donald e explodir na peça.
Desvario recebeu financiamento do Fumproarte. Deve ter recebido a mesma verba mixuruca que todo mundo recebe pra realizar seus projetos. Mas, mesmo esta verba mixuruca, já faz uma enorme diferença no resultado da produção em geral. Alguém da UFRGS que tenha visto o trabalho quando era resultado de um projeto de graduação e revisto agora, devia cobrar da Reitoria da UFRGS, uma posição mais ativa na viabilização de recursos para a produção dos trabalhos finais do DAD. Ou, no mínimo, se coçar para adequar tecnicamente suas salas de espetáculo para que o aluno tivesse reais condições de experimentar ou, simplesmente, realizar seu projeto. Já que a UFRGS capta recursos da Cultura para proteger e recuperar seus prédios históricos, será que ela não poderia captar ou destinar recursos da Cultura para seus teatros?
Parabéns, pra todo mundo.
Vão ver.
M.F.
Na foto de Elisa Viali (ZH) aparecem Lucas Sampaio e Elisa Volpato

PROCURA-SE, UMA COMÉDIA CLARA

2009-06-19T20:38:00.001-07:00

“O riso é uma arma de destruição: ele destrói a falsa autoridade e a falsa grandeza daqueles que são submetidos ao escárnio.”
Vlamidir Propp

Fazer teatro é sempre difícil. Fazer comédia, mais ainda. Entender os processos da comicidade e do riso teoricamente até que é bem simples, mas, encarar a prática de fazer rir no palco é muito diferente. Tem àqueles que parecem ter nascido pra isso. E tem aqueles que, para fazer os outros rirem, têm que trabalhar muito e penar.
Pois fui ver Procura-se, uma Comédia trabalho do Atelier de Criação II do DAD/IA/UFRGS, um exercício de comédia com direção de Kalisy Cabeda e atuação de Celso Zanini, Rodrigo Fiatt e Elisa Heidrich.
Com intenção de dar um tom sépia na sua homenagem ao cinema mudo, Kalisy optou por fazer uma comédia escura, e com isso diminui a comicidade. Os atores parecem transitar pouco à vontade pelo âmbito da comédia, mas aparecem bem e tiram excelente partido dos seus tipos físicos e das situações propostas pelas histórias. Todos parecem ter mais bala na agulha do que mostram. Só não sei pra quê ou por causa de quê guardaram-nas. Destacam-se apenas em alguns momentos e mantêm-se coesos durante a maior parte do tempo.
A peça, constituída de três pequenos esquetes cômicos, alterna alguns (poucos) bons momentos de comicidade, com aquele lirismo que é sempre esperado nos trabalhos inspirados nos filmes de Charles Chaplin. O trabalho cresceu bastante desde a apresentação do semestre passado no palquinho do DAD. Os atores estão dominando mais os elementos. A produção melhorou em todos os aspectos. Menos na utilização de pesados praticáveis sem rodas.
Modesto Fortuna.

PRA NÃO DIZER QUE EU NÃO FALEI DE CORES

2009-06-18T10:17:00.001-07:00

Desculpem, mas não resisti ao trocadilho. Assisti, domingo no Teatro Renascença, a mais nova peça infantil do meu grande amigo, o diretor e ator Roberto Oliveira. Como conheço o amigo de longa data, sei que esta peça ja foi encenada em 1982. Tendo sido escrita, também por ele, em 1981. Originalmente, a peça procurava retratar, em tom de brincadeira, cada um de seus antigos parceiros de um antigo grupo do qual o autor fazia parte e que se chamava Depois do Arco-Íris. Outro dia falo quem eram.
A peça tem um mérito: propõem-se a levar arte para as crianças. Não oferece uma diversão fácil, pois exige que o espectador fique atento e participe com sua inteligência do humor proposto pelo espetáculo. Chama atenção que a platéia infantil mantêm-se mesmo em silêncio e com os olhos fixos no espetáculo durante todo o tempo.
O texto mantém-se "moderno". É fragmentado. Apresenta várias histórias que falsamente são interrompidas, pois todas se completam. Por outro lado, é bastante convencional ao se utilizar de uma velha "fórmula" aplicada ao teatro infantil, na qual as cenas são intercaladas com canções. Teatrinho e musiquinha, teatrinho e musiquinha. É convencional também em sua última cena, quando narra a história do personagem que busca a cor-de-colorido. O diretor usa o truque de trocar o ator que vai atrás da cor, mas, fora isso, é uma historinha com começo, meio e fim, como as de sempre.No elenco, demonstram maior dificuldade os atores Fabiano Silveira e Juliano Canal. Os outros quatro atendem com energia, autonomia e desenvoltura as exigências do espetáculo e as propostas corporais do diretor. Cada um deles (Elisa Heidrich, Luiza Pezzi, Lucas Sampaio e Francine Kliemann) aproveitam com eficiência de todos os momentos em que têm uma participação destacada pelo texto. Fabiano Silveira é várias vezes flagrado "olhando" a peça. Em vários momentos demonstra não saber o que fazer ou o quê está fazendo em cena. Juliano Canal, embora esteja entre os mais experientes, tem nítida dificuldade na composição dos personagens, bem como no uso de seu próprio corpo. Mas, tem uma simpatia pessoal que lhe auxilia. É visível, ou melhor, audível que o elenco feminino canta mais afinadamente do que o trio masculino.
As canções e intervenções musicais de Roberto Chedid são boas, de fácil comunicação e memorização, além de adequarem-se as necessidades da peça. Se Fabiano Silveira erra na atuação, acerta em cheio na iluminação. Os figurinos de Ana Fuchs e Ig Borghese são muito bonitos. Seu geometrismo propõe uma fuga do realismo. Os bonecos de Guilherme Luchsinger são vistosos, bonitos e cumprem a sua função. De tudo, dois elementos destoam completamente do todo do espetáculo: a tv e a empanada dos bonecos.
Em seu conjunto a peça é boa e, com certeza, vale à pena como programa de final de semana tanto para os pais quanto para os filhinhos.
A foto é de Modesto Fortuna e aparecem nela: na escada: Lucas Sampaio, Francine Kliemann, Elisa Heidrich e Fabiano Silveira. Na frente: Juliano Canal e Luiza Pezzi.
M.F.

UM BANQUETE DE DISCURSOS

2009-06-14T07:07:00.000-07:00

“A educação deve possibilitar ao corpo e à alma toda a perfeição e a beleza que podem ter”.
Platão

E como sempre faço há anos, lá fui eu assistir outra peça do Luciano Alabarse. Desta vez eu saí de casa sabendo que iria passar pelo menos quatro horas na companhia dele. Sempre acho que vale a pena. O Luciano é uma inteligência rara aqui em Porto Alegre. Ele é o único que continua fazendo teatro de quinta a domingo com casa cheia. Ele e todo o chamado teatro comercial. Só que o teatro do Luciano não se trata de comédias superficiais feitas ao gosto da classe média. Ele tornou comercial algo que não é comercial. Teatro para uma classe de alto poder aquisitivo, consumidora de arte e intelectualizada.
Dei uma olhada na platéia do Theatro São Pedro e lembrei do casal Álvaro e Eugênia Moreyra. É, ele mesmo, o Álvaro Moreyra da Sala Álvaro Moreyra do Centro Municipal de Cultura. Pois este casal, em 1927, fundou no Rio de Janeiro, o Grupo Teatro de Brinquedo, composto por membros da alta burguesia, buscando comunicar-se com pessoas de “gosto mais elevado”. Criaram um grupo cercado de respeitabilidade. Bacana. Um teatro feito por ricos e apresentado para ricos. Acho que tem tudo a ver com a proposta do Luciano.
A primeira peça é uma leitura dramática encenada. É a entrada do banquete. Composta de pequenos embates filosóficos, frutas e vinho para aquecer a mente do espectador. Uma entrada leve, meio insossa, temperada apenas por um ou outro golpe de teatro de algum ator mais saidinho. Em geral as interpretações são exageradas ou esperadas, tipo o Marcos Contreras, repetindo a si mesmo. Mesmo Marcelo Adams, sempre um excelente ator, sofre para dar conta da verborragia da peça e tem que despender uma energia extra para que seu gênio brilhe em alguns momentos.
Intervalo.
E é servido o prato principal: O Banquete. Apesar das peripécias e ousadias inventadas pelo diretor, é um banquete meio requentado. A primeira parte aqueceu nossa mente, mas torrou o nosso saco. O nível das interpretações cai sensivelmente. Todo mundo se repete. Sandra Dani é tão boa quanto sempre. Luti Pereira é tão bom quanto sempre. Carlos Cunha e Baldissera, idem. Mas, nenhum deles nos brindam com o que têm de melhor. E com Luiz Paulo Vasconcellos retornamos ao ponto. Aí não há diálogo nem discurso que resista. Continuo gostando mais do Luciano de antes do PoA em Cena.

M.F.
FOTO: JULIO APPEL

A DECISÃO - O TEATRO DIDÁTICO DE B. BRECTH

2009-06-02T11:24:00.000-07:00

“Os filósofos até então apenas interpretaram o mundo; trata-se agora de transformá-lo.”
Karl Marx

“É que, parece, não existe a possibilidade de modificar o público burguês: quando um homem burguês (e quem não o é?) entra num teatro, de certo modo se despede da vida, esquece o mundo “exterior”, e pede a sua dose de diversão. Brecht dá agora um passo radical: se não dá para mudar o público, invente-se um novo público, e, se nem isso for possível, então, mais simplesmente, cometa-se o crime perfeito e suprima-se até mesmo a idéia de público. E é assim que surgem as peças didáticas. (...) abandona-se aquela diversão perdulária, e fica-se com a seriedade do pedagógico, com o exercício ascético da racionalidade.”
Gerd Bornheim

Anos-luz distante da diversão perdulária, o Grupo Trilho, com muita coragem e determinação, enfrenta bravamente a tarefa de apresentar uma peça que além de antiga é política até a raiz, e, mais do isso, propõem-se a demonstrar a função pedagógica do teatro. Trata-se de “A Decisão”, escrita em 1930, pelo dramaturgo alemão Bertolt Brecht, que, mais ou menos nesta época escreveu outras peças que se inserem na classificação de peças didáticas, tais como “O Vôo de Lindberg” e “Aquele que diz sim”, ambas de 1929.
O Professor Gerd Bornheim, em seu livro Brecht, A Estética do Teatro, observa que “o sucesso de Brecht com as peças didáticas, sobretudo em colégios, era muito grande, o que o encorajava a continuar explorando o rico filão.” Entretanto, o mesmo autor comenta que “A Decisão” já é uma peça muito ligada ao Partido Comunista”, e que a partir desta peça Brecht abandona os colégios e se volta para os sindicatos operários.
Fidelíssimos ao autor, o Grupo Trilho segue à risca suas indicações. Utiliza um recurso estipulado por Brecht: “cada um dos quatro atores deve representar o jovem (o protagonista) numa das quatro cenas principais.”
Inegavelmente a peça dá o seu recado favorável a revolução. Os atores são fiéis a sua missão e se entregam com energia e paixão. Nem todas as interpretações são convincentes. O desnível entre os atores é enorme. A parte musical do espetáculo é executada com prazer e vigor.
Achei que o espetáculo caiu um pouco no final. Tudo parece ser uma repetição do que já foi dito e visto. Não sei se é a peça que cansa ou se me afastei do espetáculo quando Brecht diz que o jovem devia mesmo ter sido morto porque colocara o sentimento à frente da razão, e que por agir de forma impulsiva, passional e romântica comprometia o processo revolucionário e, principalmente, o partido, sendo necessário seu desaparecimento. Aí é demais, né, seu Brecht?

LEI DE FOMENTO À MODA DA CASA

2009-06-02T10:38:00.000-07:00

Em novembro de 2008, foi lançado o livro “A Luta dos Grupos Teatrais de São Paulo por Políticas Públicas para a Cultura – Os Cinco Primeiros Anos da Lei de Fomento ao Teatro. Sim, a chamada Lei de Fomento, como é conhecida do norte ao sul do país, está completando cinco anos de prática e de fomento aos grupos de teatro da cidade de São Paulo. O livro conta que tudo começou com o Movimento Arte Contra a Barbárie, iniciado em 1998, e que culminou com a Lei de Fomento ao Teatro promulgada em 2002, e relata as experiências fomentadas e o impacto que a Lei trouxe na diversificação da cena teatral, ao compor uma nova fisionomia para o teatro paulistano.
A Lei de Fomento ao Teatro de São Paulo aprovou uma verba anual de seis milhões de reais. Através do livro ficamos sabendo que de 2002 a 2008, foram realizados 13 editais do Programa, pelos quais 192 projetos de 93 núcleos artísticos da cidade de São Paulo foram selecionados, propiciando condições – não só para a montagem de seus espetáculos – para a manutenção de suas pesquisas estéticas e interventivas.

Pois aqui em Porto Alegre, também um coletivo formado por artistas de teatro ligados ao chamado teatro de grupo, batalha por uma Lei semelhante a prima paulista mais velha e mais rica. O projeto de Lei está tramitando há horas na Câmara dos Vereadores. Já foi arquivada. Já foi ressuscitada. E se encontra atualmente nova em folha, pronta para ser apreciada pelos nobres vereadores.

Sabem quanto a Secretaria Municipal da Cultura destinou a nossa Lei de Fomento?

Cem mil reais. É isso mesmo. Cem mil. Que miséria! Vai fomentar o quê com cem mil? Um grupo? Durante quanto tempo? Seis meses? É ridículo. Inaceitável.

MERGULHANDO EM TERESA E NO MEU AQUÁRIO

2009-05-18T13:47:00.001-07:00

"O teatro quer ser repensado, relançado, retomado. Não podemos nos satisfazer com sua letargia, nem aceitar sua extinção. Cada qual pode inventar os meios desta recuperação, que são incontáveis."

Denis Guénon

Somente uma peça assim pra me trazer de volta ao perigoso mundo da crítica teatral. Deixei para o último final de semana da temporada, mas não para o último dia, e fui ver TERESA E O AQUÁRIO, novo trabalho do diretor João de Ricardo. Foi a melhor coisa que eu poderia ter feito num sábado. A peça é simplesmente encantadora. Não percebi o tempo passando, embora quando acabou eu achasse que era mesmo chegada a hora de acabar. Precisão, talvez esta seja a palavra. João de Ricardo manobra com precisão cada um dos elementos cênicos. Atores, iluminação, trilha sonora, tudo é tratado com carinho e com a importância devida na constituição do espetáculo. Criatividade, talvez seja a palavra, porque João e com certeza toda a sua afinada equipe (atores, dramaturgo, multimídia, etc) esbanjam na criação de imagens que causam forte impacto sensorial em seus espectadores. Achados maravilhosos. Propostas radicais, ousadia. Ousado, talvez seja a palavra. Ousado. Isso. Achei que era um espetáculo que ousava em tudo e em cada uma de suas propostas. Da utilização de imagens ao trabalho de ação vocal dos atores; da dessacralização destes mesmos atores ao arrojos experimentais da trilha sonora. E viva a ousadia!! Fazia tempo que uma peça não me provocava tanto. No marasmo desértico que anda o nosso teatro, ver a peça do João é como chegar num oasís. A construção dramaturgica de Diones Camargo é raro brilho, principalmente na voz e no corpo dos atores. Lisandro Belotto com um trabalho honestíssimo, entrega total. Irretocável. De Sissi Venturin só me queixo do cabelo sobre o rosto o tempo inteiro como em Andy/Edie. Maravilha. Parabéns a todos pela realização. Este é sem dúvida o melhor trabalho realizado dentro deste concurso do Palco Habitasul. Este é o melhor trabalho realizado pelo João até agora. Não vi Extinção. Mas vi Andi/Edie. E vi a inovadora montagem de A Serpente. A peça fica com a gente, fica na gente. Remexeu o meu aquário de imagens, recordações, situações. Teatro puro.

M.F.

ALZIRA POWER - DE VOLTA AO PASSADO

2009-05-18T13:43:00.001-07:00

No último domingo fui ao Theatro São Pedro assistir Cristina Pereira interpretando ALZIRA POWER, peça escrita em 1969 por Antônio Bivar. Foi uma verdadeira viagem ao passado, pois no longinqüo ano de 1977, tive minha estréia como diretor justamente com esta peça. No elenco estavam Júlio Conte e Rosa Maria Lima. Velhos tempos.Antônio Bivar, participante ativo do movimento de contra-cultura dos anos 60 e 70, ganhou um prêmio Molière como autor de "ABRE A JANELA E DEIXA ENTRAR O AR PURO E O SOL DA MANHÃ". Com a grana do prêmio pegou sua mochila e foi pra Londres viver as loucuras da geração paz e amor no auge do movimento hippie, flower power, lsd, che guevara e comunidades psicodélicas. Dramaturgo considerado promissor pela crítica, escreveu uma dezena de peças, quase todas numa linha de contestação ao "estabelishment", das quais, "ALZIRA POWER" é uma das mais conhecidas.A peça, que também atende pelo título de "O Cão Siamês", teve sua estréia em 1969 e conta a história da quarentona e solitária Alzira, que depois de aposentada de seu trabalho nos Correios resolve rebelar-se contra os medíocres parâmetros de uma vidinha classe média, e despeja um pouco de sua agrassividade e toda sua libido quando recebe a visita de Ernesto, simplório vendedor de consórcios de automóveis.A versão apresentada nesta montagem, que fez sua estréia nacional no Theatro São Pedro, é absolutamente fiel ao texto e as indicações quanto ao cenário, trilha sonora, climas e figurinos utilizados. Nada de novo. A direção de Gustavo Paso se restringe a seguir tudo aquilo que é indicado pelo texto, traçando uma marcação limpa e um espetáculo apenas correto.O centro por onde gira o espetáculo é a interpretação segura da experiente atriz Cristina Pereira, que prefere explorar a faceta mais aparente e superficial de Alzira, do que descer mais profudamente pela alma da personagem. O vendedor Ernesto é interpretado por Sidney Sampaio, um ator jovem que, se por um lado, não compromete o espetáculo com sua tênue construção, por outro, em momento algum consegue emplogar o público com as idéias que tenta defender durante a peça. Ernesto é mesmo mais "fraco" do que Alzira. Sidney se comporta exatamente assim diante da verve de Cristina Pereira.Enfim, nada de novo no país Teatro. Quem foi assistir não pode reclamar que perdeu seu dinheiro e seu tempo, e aqueles que não foram também não precisam arrepender-se. Ah! O espetáculo é muitíssimo melhor do que a foto distribuída pela divulgação.

M.F.

A MEGERA BEM DOMADA

2009-05-18T13:37:00.000-07:00

Jamais deixaria de assistir A MEGERA DOMADA, não só porque a diretora, Patrícia Fagundes é minha amiga, mas porque admiro e acompanho o trabalho dela desde o início de sua carreira. Suas peças sempre foram certeza de bom teatro. Além disso, outra grande amiga, a atriz Sandra Possani entrou na peça, como protagonista, substituindo Roberta Savian. Então, assisti o espetáculo na penúltima sessão de sua temporada de estréia no Teatro de Câmara, com casa maravilhosamente lotada.
Dizer que Shakespeare dispensa apresentações é um lugar comum que cabe muito bem aqui neste parágrafo onde eu deveria tecer algumas considerações à respeito deste autor tão estudado, encenado e respeitado no mundo inteiro, e de quem o leitor poderá informar-se em inúmeras páginas da internet. Porém, tendo vivido apenas 52 anos e escrito 35 peças teatrais entre as quais pelo menos 4 obras primas da literatura universal, é natural que nem todas sejam incluídas nesta categoria, e apareçam, na minha mortal opinião, como obras menores dentro da magnifíca obra do chamado bardo inglês.
A MEGERA DOMADA, segundo a bíblia shakespeariana escrita por Harold Bloom, é uma de suas primeiras comédias e é "tanto comédia romântica quanto farsa" pois "a rispidez física entre Kate e Petrucchio possui um apelo básico (farsa), mas o humor que caracteriza seu relacionamento é altamente sofisticado" (comédia romântica). A história da peça, que ja foi apresentada sob a forma de tele-novela com o título de O Cravo e a Rosa, é simplíssima: um pai, Batista decide que a filha mais jovem, Bianca, só casará depois que a filha mais velha, a megera intratável Catarina seja desposada. Petrúcio, um nobre falido, acaba aceitando a mão de Catarina e todas as encrencas que virão junto. Um novelão bem ao gosto burguês (da época e atual)recheado de trocas de identidade, mentiras inverossímeis e duelos verbais espirituosos à moda parisiense, tão afiados quanto anacrônicos.
A encenação é moderna e até mesmo glamourosa, com os atores comportando-se com uma certa displicência naturalmente ensaiada. Penso que Antonio Rabadan se sai melhor com a criação dos figurinos deste espetáculo do que com aqueles que foram criados para o espetáculo anterior, apesar de que é um tanto batida a opção (não sei se dele ou da diretora) de trabalhar com preto, cinza, branco e vermelho. De qualquer maneira, os figurinos são adequados, bonitos e bem acabados. O cenário, ou melhor a ambientação cenográfica, assinada por Paloma Hernandez, se não se destaca, também não atrapalha, servindo as necessidades exigidas pelo espetáculo e auxiliando-o com sua leveza e mobilidade. EduardoKraemer, um dos meus iluminadores favoritos por sua inventividade, se mostra discreto e também a serviço do espetáculo, sem oferecer aquele brilho que ja vi em outras ocasiões.
Esta é a terceira incursão da diretora Patrícia Fagundes pela obra de Shakespeare, já que anteriomente encenou Macbeth, com o subtítulo de Herói-Bandido, depois O Sonho de uma Noite de Verão, e agora coloca em cena esta versão de A Megera Domada. As três montagens buscam recuperar o apelo popular que as obras gozavam na época elisabetana, bem como uma linguagem contemporânea para atingir o espectador moderno. Acho que a busca continua e que o adjetivo "popular" poderia ser analisado à fundo e definido com precisão, assim como a linguagem contemporânea, que não deve ser apenas, tenho certeza, inserir uma canção moderna, mencionar o furacão Catrina e acrescentar alguns cacos ou gírias modernas ao texto. Sem dúvida, a direção de Patrícia Fagundes sobre o espetáculo é firme e bem orientada no sentido de extrair uma teatralidade e uma comunicação viva do espetáculo com a platéia. No entanto, parece seguir (o que aliás, está muito na moda) uma receita, uma fórmula, ja inventada para o espetáculo anterior: a boate no "Sonho..." e a casa de shows, neste.
O elenco, que brilhava e cativava os espectadores no "Sonho...", agora apenas executa com presteza as marcações e determinações cênicas. Todos estão bem, mas o único que brilha e ganha a platéia é Felipe de Paula, que utiliza o corpo, a voz e inventa outros recursos para extrair gargalhadas do público. Explora com eficiência criativa as nuances de seu papel. A turma que arrasava no sonho: Álvaro Vilaverde, Lisandro Belotto (que tinha uma cena impagável) e Leonardo Machado estão apenas desempenhando aquilo que sabem como bons atores que são. No mesmo caso se encontram Carlos Mödinger e Rafael Guerra. A bela Elisa Volpatto está apenas bela e não tira maiores partidos de sua personagem, contentando-se em ser apenas a "mocinha". Heinz Limaverde aparece desconfortável e é o mais displicente em cena, não atingindo nem de perto sua performance da peça anterior, tampouco aquilo que se espera ao ver seu nome na ficha técnica, pois trata-se de um dos melhores atores que conheço, com seu talento ja testado e comprovado em uma gama variadíssima de espetáculos. Sandra Possani, ainda preocupada com as marcas e textos, vai demorar mais algumas apresentações para mostrar seu inegável talento.
O resultado é um espetáculo bonito, agradável, que não empolga em momento algum. Não decola. É, certamente ágil, divertido e comunicativo, mas não atinge a potencialidade cômica do texto, que aliás, é pronunciado pelos atores, salvo raras exceções, de cabo a rabo, com excessiva velocidade. Enfim, tanto por seu conteúdo, quanto por sua forma atraente e glamourosa, é uma peça destinada ao sucesso.

M.F.

FIM DE JOGO

2009-05-18T13:29:00.000-07:00

Meu querido professor Luiz Paulo Vasconcellos assina a direção do espetáculo "FIM DE JOGO", de Samuel Beckett, com a presença de Zé Adão Barbosa à frente de um jovem elenco. A montagem estreou em junho de 2007 inaugurando a Sala de Apresentações do Tepa (Teatro Escola de Porto Alegre).O diretor é figura carimbada na história do teatro portoalegrense, professor universitário, duas vezes coordenador de artes cênicas, autor de um dicionário de teatro e dono de um extenso currículo como diretor e ator. Conheci-o pelos idos de 1976 quando foi meu professor e tive oportunidade de assistir vários de seus trabalhos desde aquela época. Na encenação deste "jogo" beckttiano me parece que o Prof. Luiz Paulo, não quis arriscar um milímetro das suas fichas. Construiu uma montagem esquemática, quadradinha, eficiente, comunicativa seguindo fielmente as rubricas e indicações do autor. É quase um manual para se entender Beckett. É uma peça bem feita, com tudo no seu lugar, orientada por quem entende do riscado, por alguém que conhece a carpintaria teatral mas prefere ficar na comodidade careta do que procurar novos sentidos e possibilidades. Para quem, assistiu a inesquecível montagem da Terreira da Tribo, com a hors concours Arlete Cunha no papel Hamm e Paulo Flôres vivendo Clov, ou a montagem de Rubens Rusche que esteve na terceira edição do PoA em Cena, em 1996, ou ainda, a belo ambiente criado para a encenação de Gerald Thomas, esta atual versão da peça nada acrescenta. Aliás, só não deixa a desejar, pela interpretação irretocável do excelente ator Zé Adão Barbosa. Com certeza auxiliado pela talentosa atriz Sandra Dani e pela caracterização precisa criada por Nikki, um verdadeiro mago da maquiagem, Zé consegue em pequenos detalhes de voz e expressão nos comunicar a dimensão da amargura, tédio, ressentimento e inutilidade da vida, contida nesta que é uma das peças mais conhecidas de Samuel Beckett. Um agradabilíssimo prazer assistir a suave entrega de Zé Adão Barbosa em cena. Jeffie Lopes, um pouco pela sua juventude, outro tanto por sua ansiedade e excesso de tensão, tem dificuldade em transmitir o drama vivido por Clov. Não comunica a dimensão humana da personagem. Já os pais de Hamm, Crissiani Sgarbi e Vinicius Meneguzzi, se beneficiam da caracterização e aparecem bem em seus latões. O cenário criado pelo diretor e por Jeffie Lopes imita a peça e segue as determinações e exigências do autor, tornando-se apenas um arremedo do que poderia ser o ambiente que abriga o embate entre Hamm e Clov. Peca na altura, como aliás a maioria dos cenários das peças de Porto Alegre. E, peca na cor, que, como disse uma amiga minha, é "cor de cocô". A iluminação do criativo Eduardo Kraemer é bonita e eficiente. Todos estão de parabéns pela realização. Um espetáculo sólido, honestíssimo, que conta com a interpretação poderosa de Zé Adão Barbosa e a mão segura do Prof. Luiz Paulo. Parabéns ao Tepa pela iniciativa de produzir um espetáculo e inaugurar sua Sala de apresentações.

E LÁ SE VAI MAIS UM PORTO VERÃO

2009-05-18T13:26:00.000-07:00

Iniciado em 07 de janeiro, encerrou bem no finzinho de fevereiro, mais uma edição do Porto Verão Alegre, a nona edição desta engenhosa idéia do trio Rogério Beretta, Flávio Bicca e Zé Victor Castiel, que enxergaram uma modificação dos hábitos de verão dos portoalegrenses e vislumbraram um nicho de público para o teatro nos meses de janeiro e fevereiro. Assim, esta é a nona edição do evento que organiza e coordena uma mega programação cada vez mais inchada e recheada de trabalhos, no mínimo, de gosto duvidoso. Se por um lado, foi uma sacada genial que, inegavelmente, contribui com a movimentação teatral no período de verão, por outro podemos nos perguntar se a extensa programação não compromete a eficácia da ação.Convenhamos que 0 público tem dar sorte para encontrar, no meio de tanta coisa ruim, as poucas boas atrações da programação. Ou então, ele, o público, é um pouquinho mais informado e compra ingressos daqueles espetáculos que ele, o público, mais conhece e/ou ouviu falar. Corre-se o risco de assitir algo que faça o vivente nunca mais querer pisar num teatro ou, por outra, nunca assistir nada diferente do que os "grandes sucessos".Talvez, a contribuição fosse maior, se o Porto Verão Alegre se concentrasse mais na qualidade e menos na quantidade.

M.F.

O VERDADEIRO LOUCO DA RUA DA LADEIRA

2009-05-18T13:19:00.000-07:00

Fui ao Teatro do SESC assistir "DIÁLOGOS DE UM LOUCO" para me reencontrar com dois velhos conhecidos: Qorpo Santo, o autor, que me foi apresentado por si mesmo através de suas peças, poesias e textos auto biográficos; e Marcos Barreto, diretor e ator santamariense que aterrizou em Porto Alegre nos idos de 1989. Qorpo Santo conheci ao encenar, em 2005, o espetáculo QURIOZAS QOMÉDIAS, onde reuni várias de suas peças, misturando-as com fatos reais e inventados sobre sua vida a a partir das coisas que ele escreveu sobre si mesmo. Já Marcos Barreto foi meu professor numa oficina de interpretação (no tempo que acontecia ensaios e oficinas de teatro no Auditório Araújo Viana) que ele orientou logo que chegou à cidade trazendo na bagagem e no currículo o aval de ser ex-integrante da Cia. Ópera Seca e ter trabalhado com o super diretor Gerald Thomas. Barreto colocou em cena um memorável espetáculo chamado "LOVEMENBER", no qual assinava o texto, o roteiro e a direção. Mais tarde foi coordenador de descentralização da cultura e diretor da mais complicada edição do Porto Alegre em Cena que ja se viu. Mais recentemente passou a residir no Rio de Janeiro, que foi onde estreou o trabalho apresentado no Teatro do Sesc.Não tenho como separar emocionalmente o que sinto ao ver uma peça de Qorpo Santo depois do mergulho vertical que fizemos na obra e na vida dele para produzir o espetáculo. Sob este aspecto, não gostei do tratamento que o espetáculo dispensa a Joaquim José de Campos Leão, nem do tom da interpretação que Marcos Barreto para os diversos personagens, pois são superficiais e reproduzem o mesmo pensamento retrógrado que via Qorpo Santo meramente como um louco ou no máximo como um simples personagem bizarro, um "esquisitão", como era chamado pelos seus contemporâneos, ou "o louco manso da Rua da Ladeira" pinçado de uma crônica daquela época e republicada no livro de crônicas "AS AMARGAS, NÃO..." do nosso Álvaro Moreyra. Difícil escrever sobre. Parece que vemos dois QS completamente diferentes. É claro, que entendo que isso é possível, pois se o próprio QS se via e se colocava nas peças como sendo vários, múltiplos de si mesmo, então, é claro que as visões tem que ser diferentes, mas é patente a superficialidade do espetáculo, são patentes as derrapadas e esquecimentos de texto do intérprete que consegue graças ao carisma pessoal extrair algumas risadas da platéia. Achei a dramaturgia de Paulo Bauler fraca na forma e no conteúdo. Achei a proposta cênica e a direção bastante frouxas como convém ao ator que se autodirige e ao diretor que orienta a si mesmo. Faltou uma direção mais firme e exigente com relação aos maneirismos e facilidades do interpréte e que, principalmente, cobrasse que Marcos Barreto tivesse, pelo menos, fôlego para atravesar o espetáculo. Enfim, pra mim, o espetáculo não traduz a atmosfera de uma poética tão feroz e enlouquecida quanto a de Qorpo Santo. O espetáculo da maneira como se apresenta não oferece para o espectador moderno o ser torturado e excitado ao extremo que vivia numa Porto Alegre em formação, que tinha, em 1860, quando ele era adulto, uma população de 13.000 pessoas, das quais menos de um quinto sabiam ler e escrever, uma Porto Alegre com escravos construindo o Mercado Público e a classe rica fazendo doações para a construção do Theatro São Pedro. Os personagens são apresentados por Barreto de forma displicente e debochada, que, de maneira nehuma, passam para o público a dimensão humana de cada um deles. Não aparece o Qorpo Santo erotômano, o Qorpo Santo que fez tremer os tabus da época, que clamava pelo divórcio, pregava a liberdade feminina, e escreveu 17 peças de teatro em menos de um mês e meio e foi interditado pela mulher, e criou seu próprio jornal e imprimiu, e publicou sua própria obra.

M.F.

NOSSA SENHORA DOS AFOGADOS

2009-05-17T20:00:00.000-07:00

Tive um domingo teatral: à tarde fui ao teatro infantil e me diverti vendo Píppi MeiaLonga, e à noite fui assistir o novo trabalho do Núcleo de Formação de Atores do Depósito, o espetáculo Nossa Senhora dos Afogados livremente inspirado na Senhora dos Afogados de Nelson Rodrigues, com direção de Plínio Marcos Rodrigues, cenário de Rudinei Morales, figurinos de Chico de Los Santos e atuação de um grupo de jovens atores, alunos de um curso que pretende ser um Nível II, já que congrega iniciantes com alguma experiência anterior. Levando em consideração que esta é a primeira direção assinada por Plínio Marcos, posso dizer que ele está no lucro. Realiza um espetáculo com uma concepção clara, baseada na simplicidade, com poucos recursos mas recheada de bons signos teatrais. Fiel as rubricas de Nelson Rodrigues, Plínio cria (ou pretende criar) climas e clímaxes nas cenas e lida razoavelmente bem com a presença do coro que às vezes atrapalha ou interrompe o desonrolar da ação dramática capturando a atenção do espectador em momentos indevidos. Por outro lado, Plínio demonstra dificuldade nas costuras entre as cenas, na limpeza do trabalho de entradas e saídas, na determinação sobre em que momentos o coro deve aparecer e no desenho de um ritmo específico para cada cena e para a peça como um todo.O cenário de Rudinei Morales, carece de arte, de finalização. Apesar do espaço do Depósito de Teatro ainda se mostrar como um espaço precário, apesar de conhecer o tamanho do orçamento destinado para a montagem, penso que, se por um lado o cenário tem limpeza e equilíbrio, simplicidade e eficiência, por outro, demonstra descuido com a necessidade de beleza plástica e com a idéia de finalização. Chico de Los Santos foi feliz na escolha dos tons de cores que utilizou na composição do figurino e consegue um bom resultado no conjunto. Mas é no elenco que residem as maiores dificuldades do espetáculo. Minha experiência diz que é sempre melhor misturar jovens talentos com atores mais experimentados, porque desta maneira a tendência é elevar os resultados na área da interpretação. Numa oficina isso raramente vai acontecer. Todos estão no mesmo nível de saber ou de dificuldades para colocar em prática o conhecimento adquirido em oficinas anteriores ou na única peça que realizaram. Assim, descontando a parcela de 50% que sempre cabe as exigências da direção e a interação e comunicação entre diretor e elenco, senti que, embora todos os interprétes tivessem condição de ir mais longe, todos preferiram nadar perto da praia ao ivés de arriscarem-se na arrebentação. Nelson Rodrigues escreveu uma tragédia para vários protagonistas. Tanto pode ser a história vivida pelo pai de família e quase ministro Misael, interpretado por Rui Koetz (que baseou seu personagem na potente voz que brota de sua garganta e não de seu coração, e não rasga sua alma, não se enlemeia na profunda tragédia que a vida trama para o seu personagem, a insuportabilidade de conviver consigo próprio ao cometer um assassinato), mas também pode ser que o protagonista seja o noivo, encarnado por Ricardo Zigomático (que entra bem e vai perdendo a força porque sua interpretação é um tanto exterior e esteriotipada, um tanto insegura, necessitando aprofundar um conjunto de imagens para completar sua visão da personagem e então, permitir que ele possa reproduzir a força da vigança, o filho que vem para vingar a morte da mãe da maneira mais cruel que se possa imaginar). Ou quem sabe a protagonista é a mocinha, a noiva Moema, interpretada por Camila Martins, que, assim como Rossendo Rodrigues e Viviane Falkembach trabalham demasiadamente no mesmo registro do trabalho anterior "ÓPERA DOS MENDIGOS". Também o torturado filho da família, Paulo, vivido por Diego Bittencourt, poderia ser o protagonista da história, ja que esta personagem tem sua história revelada pela peça. Mas Diego atua sempre na mesma nota, tem dificuldades com a pronúncia das palavras, e vai do começo ao fim da peça sofrendo e usando a mesma máscara facial contraída que pouco revela sobre a alma de sua personagem. Kelly Cruz, Daniela Ferraz e Valesca Maffei, sendo que esta última é cria do Depósito, tendo atuado em "O ÚLTIMO CARRO", revesam-se na interpretação da mãe, Dona Eduarda e não atingem grandes vôos, ficando aquém daquilo que poderiam ter rendido e não alcançam a dimensão trágica solicitada pelo papel. Tatiana Moraes teve um momento de crescimento durante os ensaios mas acomodou-se e mostra uma vó louca com pouquíssima loucura e uma certa pressa em soltar o texto. Finalmente, Núbia Quintana, que foi quem criou as máscaras, não se apresenta com força e energia em cena, mas mesmo assim tira algum proveito quando na pele da dona do prostíbulo onde acontece o ato final. Por falar nas máscaras, acho que Nübia realizou um belo trabalho, mas optou por máscaras leves quase engraçadas, que não trazem em si o peso da tragédia vivida pela família de Misael. O espetáculo é curto, mas mesmo assim não se comunica integralmente com a platéia. E, embora a tragédia não aconteça, tem a força do texto rodrigueano e uma concepção bem delineada que o coloca acima de muitos trabalhos que se vê por aí afora. Parabéns ao Plínio. Parabéns ao elenco e a equipe.

M.F.

PÍPPI MEIA LONGA

2009-05-17T19:54:00.000-07:00

Vou tentar ser bem direto em meu comentário sobre Píppi Meialonga que, cheio de curiosidade, fui assistir, temeroso por estar encarando mais uma peça do nosso combalido teatro infantil. A peça tem direção da minha querida amiga (na verdade, a gente apenas se cumprimenta, mas acho ela uma querida amiga) Moira Stein. A peça é longa e vai perdendo o interesse em seu terço final, sinal de que o(a) adaptador(a), cujo nome não aparece na ficha técnica, não soube ou ficou com pena de cortar acontecimentos para dinamizar a montagem, ou realmente prefiriu manter com este tamanho mesmo.O grande problema ou questão reside no fato do espetáculo, na minha opinião, não ser fiel a autora. É fiel no conteúdo, ao tamanho do texto quando coloca toda a história do livro dentro do espetáculo e, assim, não frustra a expectativa das crianças. Talvez, seja fiel na forma, ao manter basicamente o cenário que as crianças esperam. Mas não é fiel na essência, na substância... O uso e abuso de personagens tipificados e até certo ponto babacas, a transformação do texto em uma historinha sonsa, a concepção linear e a dinâmica que a diretora imprime ao espetáculo, os figurinos "bem coloridos" e aquele ar de teatro infantil comportado, enfim, a falta de ousadia parece ir contra o âmago da história criada por Astrid Lindgren, que coloca em cena uma menina que faz suas próprias roupas, tem como companheiros um cavalo e um macaco, é destemida a ponto de bater em meninos como a Mônica do Maurício de Souza, enfrenta policiais e recusa-se ir para um lar de crianças, é uma menina que realiza sonhos de liberdade e aventura e além de tudo é feliz. Moira Stein, concebe um espetáculo convencional, baseado em personagens convencionais para apresentar uma menina que pode ser tudo, menos convencional.Se, por um lado, Tatiana Paganella (que ja vi atuando sob direção de Néstor Monastério em "A VIDA MUDA, cria uma personagem crível, por outro, interpreta completamente sem o brilho e a energia solicitados pela personagem de Astrid Lindgren. Juliano Straliotto e Ágata Baú, ex alunos do Depósito e formados pelo DAD, criaram para suas personagens (certamente com a permissão da diretora) duas personalidades absolutamente esteriotipadas, ja que fingem-se de crianças o tempo todo e transformam os irmãos Tom e Aninha, únicos amigos de Píppi Meialonga, em uma dupla sem graça. As outras personagens seguem e mesma linha conseguindo produzir um esteriótipo ainda pior. Todos executam "tipos", rascunhos de personagens. Menos um. Meu amigo pessoal, Herlon Höltz é uma grata surpresa. Aparece muito bem, principalmente na personalidade que cria para o Ladrão Tonerre. É muito boa e crível a maneira com que Tonerre se desloca pela cena. Corpo, voz e espírito dão credibilidade à personagem. Ponto para o Herlon. Pra mim, ele dá o tom do que poderia ser o espetáculo. Ora, como vamos acreditar na história de uma menina de nove anos que mora sozinha e tem um pai pirata, se não houver um pouco de loucura na forma, na concecpção e nas personagens? Eu não acredito. Píppy MeiaLonga, a peça, está indicada em algumas categorias do Troféu Tibicuera, premiação oficial da nossa Prefeitura para o teatro infantil local. Então, apesar de perceber várias qualidades no espetáculo, apesar de enxergar a honestidade da proposta de Moira Stein, sou obrigado a pensar no rumo que está tomando o teatro infantil produzido aqui e clamar: onde foram parar a criatividade, a inventividade e a ousadia? Que saudade das montagens infantis do Dilmar Messias, do Luis Henrique Palese, da Irene Brietzke. Onde estão os atores mais experientes que sumiram da peças infantis? Quais as causas do empobrecimento do nosso teatro infantil?

M.F.

TALENTOS BRUTOS

2009-05-17T19:48:00.000-07:00

Hoje à tarde fui ao teatrinho do DAD, assistir "O Balcão", clássico de Jean Genet apresentado numa montagem de final de semestre, dirigida por Ana Paula Zanandréa, aluna do Atelier de Criação II, e interpretada por um grupo de alunas + Douglas Carvalho, todos do Atelier de Composição II.Quando se fala em O Balcão eu lembro, direto, da célebre montagem realizada pela atriz e produtora luso-brasileira Ruth Escobar, dirigida como um extenso ritual por Vitor Garcia. Memorável por diversos motivos, tais como exigir a remodelação total do prédio do teatro onde a encenação foi apresentada, ou o fato de Jean Genet ter vindo ao Brasil para assistir a peça e ter odiado o espetáculo, ameaçando retirar-se no meio da apresentação de estréia. Recordo, também que houve, aqui em Porto Alegre, uma montagem dirigida por Luciano Alabarse. E, lembro, é claro de quem é o autor e sua história e suas outras peças, como As Criadas, Os Biombos e Os Negros. Pode se dizer que O Balcão é um texto difícil, até mesmo complexo, que bem retrata o tortuoso e atormentado pensamento do autor que quer provocar um choque sensorial tão insólito, quanto belo. A encenação de Ana Paula, que mantém a pobreza habitual de recursos das montagens dadianas, e isso não é uma crítica a ela, é pra lá de debochada, um tanto confusa e vai perdendo o ritmo no final. Tem cenas bem ensaiadas e "limpas" alternadas com cenas "sujas" e apenas rascunhadas. Ana Paula faz a sua leitura sobre o texto. Apropria-se das idéias que Genet coloca no texto e vomita o seu (dela) próprio Balcão colocando em cena boas idéias que se perdem ou apenas se esboçam. Mais uma peça que tem coreografias. E mais uma vez a coreografia acaba sendo melhor do que o teatro. Talvez por ser mais precisa e por comunicar coisas que os atores não conseguem comunicar. O temível no teatro é a hora do texto. A hora que o ator fala. Sinto que é um momento crucial, na maioria das vezes mal resolvido pelas equipes. Por falar em elenco, deu pra ver que na falta de atores do sexo masculino na turma, Ana Paula teve que realizar a peça com um elenco maciçamente feminino. Mais atrizes para a cena gaúcha. Bastante energia descontrolada, muita gritaria. Todo mundo segurando o espetáculo e o personagem na voz. É bom ver todos experimentando-se, exercendo o fazer teatral. Fato curioso: mais uma vez, em menos de uma semana, percebo o cabelo do ator dividindo a performance com o próprio ator. Desta vez o combate se dá entre Vanessa Silveira e seu maravilhoso cabelão. Atriz bela em cena, com uma boa energia e desenvoltura é atrapalhada cruelmente pelo cabelo. A menina que interpreta o chefe de polícia consegue ainda que de maneira tôsca e uniforme, uma boa resposta da platéia. Dá pra se dizer que ela joga com o público. A Rainha, Elisa Volpato, devia aproveitar a sua altura com altivez ao invés de curvar-se como o faz diversas vezes, tem uma voz boa, às vezes corre com o texto, às vezes fica interpretando reações esteriotipadas enquanto escuta. O elenco tem, de maneira geral, uma boa energia, uma total dedicação, um gestual pobre, com ambas as mãos e braços executando o mesmo gesto. Como destaquei no título, trata-se, tanto na direção quanto no elenco, de talentos brutos. Todas (+ Shantal) ainda terão mais um ou dois semestres para desenvolverem suas habilidades teatrais, e então, é certo, vão surgir os diamantes.

M.F.

PEQUENOS MILAGRES DO FABULOSO GRUPO GALPÃO

2009-05-17T19:42:00.000-07:00

O fabuloso Grupo Galpão vem de surpresa a Porto Alegre trazendo dois espetáculos praticamente em segredo. Fez uma apresentação de O HOMEM É UM HOMEM no estacionamento da Usina e duas de PEQUENOS MILAGRES no Theatro São Pedro. Esta última, comemora os 25 anos do Grupo Galpão e conta quatro histórias escolhidas entre as mais de 600 cartas que o Grupo recebeu a partir da campanha "Conte sua História" proposta como ponto de partida para a criação do espetáculo que foi dirigido pelo londrinense Paulo de Moraes, diretor da Armazém Cia de Teatro, atualmente estabelecida no Rio de Janeiro e conhecida entre nós pelas montagens de "Alice Através do Espelho", "Pessoas Invisíveis" e, mais recentemente, "Toda Nudez Será Castigada" que integrou a grade do último PoA em Cena. Reconhecido como um dos grandes diretores brasileiros da atualidade, Paulo de Moraes, maneja com segurança e inteligência os mecanismos da direção teatral, mas assistindo seus três ou quatro últimos trabalhos pode-se perceber certas repetições nas soluções e o surgimento de um estilo, uma receita teatral. Este espetáculo do Galpão é limpo, bem marcado, com uma concepção clara e passagens de cenas bem delineadas. A peça vai conquistando o espectador aos poucos com a história escolhida para servir de ligação entre as outras, "Cabeça de Cachorro", brilhantemente interpretada por Antônio Edson, o querido e carismático Toninho. Em "Casal Náufrago", o público ja está na mão dos atores e totalmente envolvido pela peça. O elenco do Galpão, esbanja segurança e unidade, aproveita sua maturidade para divertir-se em cena. Destacam-se as interpretações de Lydia del Picchia vivendo a esposa Cinira e o ja citado Antônio Edson que interpreta o menino João. Acima, escrevi o fabuloso Grupo Galpão. O "fabuloso" se refere ao fato de o Galpão ser uma referência clara no teatro nacional e também, já que acompanho seus trabalhos há mais de 15 anos, porque sempre, em todas as montagens, mantém um nível de excelência técnica e artística que impressiona. Ver o Galpão sempre é bom. Se, peças como "Um Trem Chamado Desejo"ou "A Rua da Amargura", não possuem o brilhantismo e carisma de "Romeu e Julieta", que foi o espetáculo que projetou nacionalmente o grupo, acho extraordinário que cada uma destas montagens mantenham para o espectador tudo o que se espera do fabuloso Grupo Galpão.

M.F.

O MELHOR DO TEATRO FOI A DANÇA

2009-05-17T19:39:00.000-07:00

E fui ao teatro no sábado. Quando assisti a primeira peça da minha vida, fiquei deslumbrado. Não acreditava no que estava vendo. Como era lindo! Como era lindo! Era uma adaptação de "A Moreninha", que pude ver no Theatro São Pedro, antes da reforma.Desta vez, ganhei um convite para assistir "Eu Preciso Aprender a Ser Só", com direção de Eduardo Kramer, que é um diretor sempre inventivo tanto na luz quanto na direção. De cara fiquei feliz porque tinha gente suficiente pra quase lotar a Sala Álvaro Moreyra, que está bem equipadinha e coisa e tal, mas conserva pra sempre a sina de "sala". Até que alguém a transforme num teatro, vai ser sempre uma sala. Acho que ja disse aqui que adoro quando vou ao teatro e tem bastante gente pra assistir. Já vi trabalhos anteriores de Eduardo Kraemer. O que mais permaneceu em mim foi "Espancando a Empregada", que vi na mesma sala, com a dupla Renato Campão e a minha diva Arlete Cunha arrasando, destruindo as pseudo estruturas do público e do teatro. O texto de "Preciso Aprender..." é infinitamente mais fraco, raso e batido do que o texto da outra peça citada. Isso faz uma diferença significativa. A falta de comunicação na vida moderna, a condenação a solidão do ser humano no mundo contemporâneo, a obrigatoriedade de ser políticamente correto num mundo cada vez mais defeituoso e fragmentado, são temas abordados em diversos filmes e espetáculos do final do século passado e contemporâneos. É o tema, por exemplo, de "Encontros Depois da Chuva", de Adriane Mottola. O melhor da peça, aquilo que mais me tocou, foram as coreografias. A parte teatro do espetáculo de teatro/dança do Eduardo, estava enfraquecida pelo texto; pelas pálidas performances dos atores, cujas interpretações não alçam vôo em momento nenhum; pela repetição e pela constante multiplicação por três que tornava o espetáculo previsível. Só não era cansativo porque teve o justo tempo de duração. Mas, como eu dizia, foi justamente na parte dança da peça que o espetáculo chegou até mim. Os três homens do elenco eu conheço e sei que não são bailarinos. Marco Antônio Sório colega de longa data, dos tempos do Palhaçadas no Teatro de Arena. Esteve muito tempo afastado do teatro e retornou integrando o elenco de várias peças do Teatro Ofídico. Marco está na hora de fazer um trabalho mais maduro e profundo. Mostrou-se inseguro em relação a marcas e tropeções no texto. Rafael Guerra e Everson Silva são oriundos das oficinas de formação de atores do Depósito de Teatro e conheço bem suas manhas e artimanhas recorrentes. Rafael tem verdade no olhar. Everson ainda mantém uma fala atrapalhada e uma falta de foco e definição no olhar. Os dois têm uma excelente energia e são bastantes perspicazes, mas sofrem de uma mesma doença que não permite que voem mais alto, ou mais fundo. Nenhum dos três dança. Das atrizes só conheço Sayonara Sosa, que também andou um tempo afastada e retornou atendendo o chamado do palco. Aparece com muita energia neste trabalho. Muitas vezes, demasiada energia, eu diria. Interpreta e reage o tempo inteiro, sofre o tempo inteiro. Sua interpretação fica exagerada porque é uma exceção no conjunto. Destoa. Não para em momento nenhum. Fica afetada, muito diferente da interpretação das outras duas, Claúdia Canedo, voz muito bem colocada, interpretação somente adequada, e Débora Geremia que defende com garbo e energia sua parte. A Sayonara eu acho que dança, as outras duas não sei se são também bailarinas. Mas, acontece que quando o elenco dança, ele se comunica. O teatro aparece e se instala. A Sala Álvaro Moreyra vira teatro. A peça acontece. Chato mesmo é a campanhia que marca algumas partes do texto. Não ajuda nada. E aquela mal arranjada locução no final da peça. É horrível. No cenário, básico e multiplicado por três, já aparece um certo descuido, mas a locução é bem pior. A iluminação não é tão inventiva, quanto se espera de um espetáculo do Eduardo Kraemer e torna-se apenas funcional. A direção é apenas correta. Eu, particularmente, prefiro aquele Teatro Ofídico radical na escolha de seus textos, provocações e pesquisa de linguagem.

M.F.

TORTURANDO CRIANÇAS NO TEATRO INFANTIL

2009-05-17T19:30:00.000-07:00

M.F.

MARGARIDAS SOLTAS NO PALCO

2009-05-17T19:27:00.000-07:00

Montagem produzida no DAD, baseada em contos de caio fernando abreu, com orientação de gisela habeyche. assisti hoje ao meio dia na sala alziro azevedo, com bom público, o exercício teatral proposto pelas atrizes, provavelmente algum trabalho ligado a cadeira de interpretação. o texto debochado, contemporâneo e agudo de caio se sobessai. é o melhor da peça. as atrizes, em que pese a nítida falta de uma direção, estão desenvoltas em cena. todas tem uma boa voz e são raros os momentos em que não se entende o que alguma delas fala. as três interpretam a mesma personagem e vão desfiando a história, modernamente, de maneira fragmentada, com rasgos corporais. muriel está muito melhor aqui do que em "roberto zucco", talvez porque se sinta mais dona do processo e do trabalho. está mais à vontade, mais inteira e mais colocada. em silêncio, é sempre a melhor das três. daniela tropeça na própria bebedeira, tira partido cômico de seu texto, mas perde ao representar apenas exteriormente o porre que toma quando flagra o namorado transando com a empregada. fernanda ja começa "sofrendo", mantém-se segura e firme, mas comete aqui e ali alguns exagêros desnecessários. elas poderiam ter se espelhado uma nas coisas boas das outras. muriel parece ser a que alcança mais profundidade. daniela mais comicidade. fernanda mais empatia. falta aquela direção que poderia "limpar", dar brilho e nitidez tanto as interpretações, quanto aos pequenos detalhes criados pela atrizes, que se perdem na falta de foco, numa certa "sujeira" que se faz presente na peça. no final, o público é convidado a dar uma nota de zero à cinco ao espetáculo. então, dando um ponto a cada atriz, descontando-se o ponto que caberia a direção e subtraindo o ponto que caberia a concepção cênica, fica-se com um 3. o que, convenhamos, pra qualquer crítico que se preze, é uma boa nota.

M.F.

ROBERTO ZUCCO SEM SAL E SEM AÇUCAR

2009-05-17T19:23:00.000-07:00

Quando a peça "ROBERTO ZUCCO" estreou, há mais ou menos um ano atrás, como um trabalho de aula realizado no DAD, lembro que a diretora e grande amiga, Patrícia Fagundes, falou que eu deveria assistir porque se tratava de um bom trabalho, Na ocasião acabei não indo. Pois agora, na ressaca pós Poa em Cena fui ver a peça, que tem direção e cenografia de Felipe Vieira de Galisteo, aluno do DAD/UFRGS e mais um jovem que se aventura nas águas do teatro portoalegrense, fazendo parte da novíssima geração de diretores e que de cara já marca um ponto ao escolher encenar um texto de Koltès. A peça é protagonizada por Maico Silveira, jovem ator, também saído do DAD, que tive oportunidade de assistir em três ou quatro trabalhos anteriores.Como sempre que vou ao teatro, já saio de casa com uma excitação diferente, um prazer, com vontade de gostar, de aplaudir. Então, é uma pena, mas não gostei da encenação. Realmente, em meio a tanta coisa ruim que ja vi acontecer no palquinho da Sala Alziro Azevedo e no desperdiçado Teatro Qorpo Santo, os primeiros minutos de "ROBERTO ZUCCO" impressionam, e até mesmo a peça como um todo, se sobressai positivamente. Mas as idéias, a concepção, as interpretações não se sustentam ao longo do tempo e não oferecem ao espectador a profundidade dramática contida no texto do torturado Bernard-Marie Koltès, tampouco a dimensão humana da sua hiper torturada personagem, Roberto Zucco.É. Pode-se dizer que são iniciantes e então, vendo a peça por esta ótica, dizer que trata-se de um espetáculo acima da média do DAD. Mas porque esta complacência? Porque dar ao trabalho e a equipe que o fêz esse tratamento benevolente? A peça não fez parte da grade do PoA em Cena? Na minha opinião, ou se dá um tratamento acadêmico ao trabalho, e tratamos como aquilo que de fato é, ou seja: um exercício acadêmico, uma produção obrigatória de final de semestre, realizada com quase nenhum ou pouquissímos recursos (porque a poderosa UFRGS não destina a verba que deveria aos trabalhos e pesquisas do DAD, mas isso é outro assunto). Ou, se considera que o trabalho (e equipe) faz parte daquilo que convencionamos chamar de teatro profissional gaúcho (algo que se situa entre o mais puro amador e um profissionalismo que tenta imitar as tendências do Rio e São Paulo), e eleva-se o gabarito da avaliação. A mim parece que se enche a bola das criaturas e não se oferece um feed-back verdadeiro e honesto sobre as coisas que alcançaram e sobre aquelas que não conseguiram alcançar nesta montagem. A mim parece, óbvio que no elenco tem atores que serão bons e que o diretor virá a ser um bom diretor, mas não isso que coloca em questão. Se tratando de teatro, prefiro levar a discussão a um patamar mais profundo. Não basta dizer que é bom porque são jovens ou iniciantes, têm-se que discutir a fragilidade da concepção cênica. Têm-se que discutir a falta de nuances e muitas vezes a falta de elán que os atores apresentam. Têm-se que discutir o baixo nível de concentração dos atores que se atrapalham e erram textos.Vou mais longe. Assistindo a peça, pensei que o DAD deveria preparar melhor seus alunos e exigir mais deles. Fiquei pensando se um aluno do TEPA, ou do DEPÓSITO DE TEATRO, ou da TERREIRA DA TRIBO, não faz mais teatro em um ou dois anos de curso do que os alunos do DAD em seus quatro anos? Parece macio fazer o DAD e passar de semestre e formar-se ao fim de um tempo.Entendo que a peça tem uma matriz boa. Aparece um núcleo de uma boa concepção. É um trabalho completamente honesto que vi com atores substituindo nomes que saíram do elenco. Um atenuante para a falta de ritmo da apresentação que vi, mas não para as coisas que estou apontando.Outra coisa que pensei com a peça foi sobre ser "fiel ao autor". Já dirigi uma peça de Nelson Rodrigues e, mesmo me sentindo um criminoso, cortei e alterei textos. Com Dias Gomes, foi bem mais fácil. Com Suassuna, nem se fala. Bem, acredito que na encenação de Felipe pouquíssimos ou nenhum corte foi feito no texto. Parece estar na íntegra. Porque então acho que ele não foi fiel ao autor? Porque "ser fiel" não se trata de cortar ou não o texto. Trata-se de ser fiel ao imaginário do autor. A loucura, a viagem do autor. Então, como ja mencionei acima, me parece que a encenação não consegue comunicar a dimensão dramática contida no texto de Koltés. O diretor não consegue extrair de seus elenco a carga dramática necessária à interpretação do texto subjacente, emocional, corrosivo. Até mesmo o protagonista, vivido pelo ator Maico Silveira, carece da profundidade humana, e não consegue dar conta do mergulho vertical de Zucco no lago escuro e tenebroso em que ele se lança com absurdo destemor. Seu Zucco é quase um Rambo, não só pelo figurino (pedido pelo autor), mas pelo comportamento robotizado que apresenta ao decorrer do espetáculo. Parece que falta paixão. Fernanda Mandagará só se sai bem quando vive a mãe do garoto. Apesar de manter sempre o mesmo tom, consegue extrair alguns momentos bons quando interpreta esta personagam, principalmente na cena da praça. Pena que prefere nadar na superficialidade e não mostra a dor, peso e desencanto da mãe que vê o filho baleado na sua cara. Mariana Mantovani e Zé Benetti regrediram da última vez que os vi. Mariana falsa, quase afetada e Zé sem a performance mostrada em "Intensidades" e com duas horríveis mechas de cabelo na frente dos olhos. Muriel Vieira, a namorada consegue alternar momentos em que comunica algum sentimento ao público com momentos de "dizeção" de textos que caem num vazio absoluto. Falo dos atores mas culpo a direção, porque, sempre na minha opinião, o diretor tem obrigação de colocar o ator muito bem em cena. O diretor é o responsável pela profundidade do mergulho do ator (junto com o próprio, é claro).Uma última observação minha é o fato de parece não ter havido uma pesquisa teórica, um estudo mais aprofundado sobre o autor (embora seja um dos preferidos do diretor), sua obra e sobre o(s) significado(s) possíveis e impossíveis contidos no texto e suas implicações humanas. Não precisava ser assim. A peça foi motivo de estudo dentro do próprio DAD e então, farto material poderia ser encontrado dentro da própria universidade. Além disso, a gente entra no google e digita "Roberto Zucco"e aparecem 21.300 páginas que dissecam a peça e cada uma das suas personagens (eu tb acho pedante escrever personagens no feminino, mas é o correto e não fui eu quem inventou essa frescura). Encerrando, acho que o diretor, Felipe Vieira, poderia ter ensaiado mais, estudado mais, se preparado e ter sido mais preparado pelos professores do DAD para enfrentar a árdua tarefa de encenar Koltès. Mas, em todo caso, acho louvável a decisão de encenar este texto e penso que com mais tempo e recursos com certeza a peça seria mesmo um bom trabalho como disse minha amiga Patrícia Fagundes.

M.F.

MULHERES INSONES

2009-05-17T19:17:00.000-07:00

Posso dizer que acompanho o trabalho do Décio Antunes, que eu me lembre, desde sua encenação de "A Serpente" (de Nelson Rodrigues) que assisti no Teatro de Câmara há muitos anos atrás. Na realidade, eu e o Décio fomos colegas de DAD, lá pelos idos de 1974, 75, 76. Os dois bastante calados, reservados (mais o Décio, do que eu), mesmo assim conseguimos construir uma relação de amizade e coleguismo que se estende até o presente momento.Relembrando agora de "A Serpente", penso que já naquele antigo trabalho (talvez um dos primeiros que ele dirigiu), o Décio colocava em cena uma ousadia cenográfica, um cenário de forte impacto que dita a concepção do espetáculo. Agora, acabo de ver uma das suas últimas realizações, o deslumbrante "Mulheres Insones". Desta vez, Décio junta um cenário forte com uma coreógrafa calejada que representa o que há de melhor na dança no Brasil e no mundo. Félix Bressan (o mesmo cenógrafo da Trilogia Perversa) parece que acertou desta vez ao assinar um cenário em conjunto com os diretores. Com certeza é seu cenário que mais se integra ao espetáculo e não fica roubando foco, disputando com o espetáculo. Desta vez, Décio estava melhor assessorado do que nunca. Daniel Lion é, ao lado de Coca Serpa, nosso mais importante figurinista. André Birk é medalhão da sonoplastia. Flávio Oliveira não tem mais, em sua casa, onde colocar tantos Açorianos recebidos por suas trilhas sonoras. A Carlota, então, nem se fala. Como diz pomposamente Caco Coelho: "Carlota Albuquerque é nossa Imperatriz da Dança com D maiúsculo." Essa também, eu posso dizer que acompanho de perto. Me odeio por não ter visto Lautrec, mas o resto vi tudo. Não perco. É pura aula de direção.Lamentei não ver minha amiga Naiara Harry em cena. Fiquei esperando sua entrada durante um bom tempo, até que me convenci que ela não entraria mais. Foi substituída. Pena. Mas, em compensação, estava no elenco uma das minhas bailarinas preferida: Angela Spiazzi. (as outras são: Tânia Baumann e Luciane Coccaro). Belíssima, exata, perfeita. Uma maravilha para os sentidos ver a Angela dançando. Aliás, o elenco da peça é muito bom. Muito coeso e cheio de energia. A pequeninha Didi é excelente bailarina. Ja a vi num espetáculo da Jussara Miranda. Tem presença. Mas carece, como também acontece com Joana do Amaral, de diminuir a representação e a falsa dramaticidade do corpo e do olhar quando imaginam que estão representando um personagem ou uma situação. Gabriela Greco, como não podia deixar de ser, é a melhor atriz e nada deixa a desejar corporalmente. Um corpo bonito que se movimenta plástica e dramaticamente de forma correta. Correta é pouco. Melhor seria dizer: consciente, concentrada. Me agrada sempre ver a beleza e a graça de Gabriela Peixoto que aparece na medida certa. Carismática, sentindo prazer de estar cena, acreditando sempre naquilo que está fazendo. Não exagera dramaticamente e funciona o tempo inteiro. Feliz do Décio que está trabalhando com este elenco disciplinado e brilhante. A peça é o melhor trabalho que ja vi do Décio, é sensível, dramática e tem uma personalidade própria. Que maravilha ir ao teatro e ver um espetáculo assim. Mas, pra não ficar somente em elogios, que são absolutamente sinceros, vão aqui também alguma críticas. Achei que faltou dramaturgia. Achei que a dramaturgia fica agarrada a poucos temas rodrigueanos e não arrisca. A coreografia arrisca e a dramaturgia não arrisca. Senti falta de texto. Acho que o espetáculo ganharia se fosse colocado mais próximo do espectador. Acho que as bailarinas deveriam estar mais preparadas pra colocar a dramaticidade e o teatro de Nelson Rodrigues em cena. Acho que a coreografia da Carlota se sobrepõem ao espetáculo, como o cenário de Félix Bressan se sobrepunha em As Núpcias de Teadora. E, finalmente, acho que o espetáculo, apesar delas rolarem na areia, fica num meio termo, num bom mocismo que não se coaduna com a profundeza das águas onde nadam as personagens mulheres de Nelson Rodrigues.
M.F.

DOMINGO NO TEATRO INFANTIL

2009-05-17T19:06:00.000-07:00

Domingo de tarde fui ao teatro. Fui ver A Princesinha Fedorenta. Adorei ver o teatro cheio de crianças e pais e atores e atrizes. Era a última apresentação da temporada, o dia estava chuvoso e tudo contribuía para uma casa cheia. Achei ótimo. Me alegra ver teatro cheio. A peça me cansou. O texto é fraco. O cenário é meramente uma coisa pra ficar atrás. As canções e coreografias são realmente canções e coreografias para teatro infantil, no mau sentido do termo. Idéias batidas, tombos, correrias e uma gritaria do começo ao fim, como se as crianças fossem surdas. Se há coisa que odeio no teatro é atores gritando. E isso que o elenco é formado por gente muito boa. Todos estão bem em cena, cheios de energia e vitalidade. Se empenham e conseguem momentos de brilho e de empatia com a platéia. É bem verdade, que a peça se comunica mais com os adultos do que com as crianças. A direção é limpa, honesta e discreta. Talvez discreta demais. O resultado, na minha opinião, é uma peça que carece de idéias, faltam-lhe coisas que ela não quer ter. Nota-se que é um trabalho que pretende ser o que é. Nada mais. Nada além. E basta? Não é pouco? O que fica para as crianças? A mensagem da canção final? E basta? Pra mim não basta. Cansa.

M.F.

CONCLUSÕES DO DAD/UFRGS

2009-05-16T18:25:00.000-07:00

Dos três trabalhos de conclusão de curso do DAD tive oportunidade de assitir dois. Infelizmente, perdi a peça "DESVARIO" dirigida por Tainah Dadda. Assisti a apresentação de Letícia Chiochetta, uma adaptação de "A Prima-Dona" de Alcione Araújo, e ANÔNIMAS, peça livremente inspirada em contos do escritor Rubens Fonseca, adaptados pela diretora Juliana Brondani.No primeiro trabalho, a jovem atriz enfrenta um tour de force ao representar uma personagem que se espelha na reverenciada Maria Callas, em um monólogo escrito em 1992, sob encomenda para Marília Pêra, intérprete virtuosística que atua via de regra em musicais onde explora seu talento e a técnica desenvolvidos para o canto e a dança. Já, Letícia Chiochetta somente em alguns momentos parece sair-se bem ao explorar as difíceis melodias que aparecem no espetáculo. Em alguns momentos mostra-se insegura. A atriz aparece concentrada, tem uma ótima projeção de voz, sendo que em pouquíssimos momentos deixa-se de entender o que ela fala, movimenta-se bem e passa com naturalidade do teatro para as canções que interpréta. No geral, me parece que faltou direção ao espetáculo e que, se o exercício de Letícia tivesse a metade do tempo de duração que tem, o resultado seria melhor, pois ao final os aplausos foram apenas protocolares e restou, em mim pelo menos, a sensação de uma peça longa e chata.A outra peça, ANÔNIMAS, apresentada também na Sala Qorpo Santo, era interpretada por duas jovens atrizes: Fernanda Nascimento e Luísa Herter, e pela ex-dadiana, que atualmente integra a Cia Stravaganza, Sofia Salvatori, todas sob direção da formanda Juliana Brondani. O que vi foi um trabalho incipiente em todos os sentidos. Desde uma fraca dramaturgia, que era mau arranjada, falhava nas costuras do espetáculo e não propiciava o crescimento nem os clímaxes das cenas à luz, que, ao meu ver, não soube aproveitar com eficiência os parcos recursos de iluminação com os quais a poderosa UFGRS segue dotando uma sala tão boa para experimentos teatrais em palco italiano. Ou não. Já assisti várias montagens que ousaram além do palco italiano... A direção não consegue extraír o melhor de cada atriz e isso faz com que cada uma delas permaneça no mesmo registro dramático durante praticamente todo o espetáculo. Fernanda Nascimento consegue alguma empatia com a platéia somente no último terço da peça, e ganha vida e brilho na cena com o plástico bolha que ela aproveita muito bem. Luísa Herter, tem uma bonita figura em cena e, apesar de vê-la pela primeira vez, me bateu que poderia ir mais além do que foi. Seu corpo se move bem, soa voz é boa, embora a emissão, não seja e nem sempre suas ações são críveis. O fato de ja ter dirigido, a terceira atriza da peça, Sofia Salvatori, na montagem da peça BLITZ (de Bosco Brasil), confirmou-me a certeza de que todas poderiam ter dado mais si. Suado um pouco mais. Ensaiado um pouco mais? Sofia, que faz um trabalho brilhante em "TEUS DESEJOS EM FRAGMENTOS", dirigido pela minha grande amiga e colega Adriane Mottola, está apenas eficiente. Credito isso a direção, a dramaturgia, a repetição excessiva de marcas e aos repetidos movimentos multiplicados por três que deixam o espetáculo previsível.Para encerrar, quero dizer que acho que o problema maior está no DAD. Na aprisionante estrutura acadêmica , na fracas exigências da orientação, na existência de professores substitutos (ja que a universidade, ao invés de abrir um concurso e fixar um quadro de bons professores, prefere contratar alguns professores de dois em dois anos), na falta de ensaio, na falta de tempo e amadurecimento das coisas que ali são produzidas e, principalmente, na falta de fazer teatral que acomete o Departamento. Já disse em outro texto e repito aqui: qualquer aluno da Terreira da Tribo ou do Depósito de Teatro faz muito mais teatro em um ano do que o os alunos do DAD em quatro. É pra se pensar ou não é? Que diretores e atores estamos formando?
M.F.

TEATRÃO NO TEATRINHO

2009-05-16T18:23:00.001-07:00

Fui até a Sala Carlos Carvalho, na sucateada Casa de Cultura Mário Quintana, assistir "As Lágrimas Amargas de Petra Von Kant". De cara fiquei feliz porque havia bastante público na fila do teatro e porque, ao entrar na sala, me deparei com o cenário limpo, clean, bem distribuído e bem acabado de Felipe Helfer. Depois, durante a peça vi que o cenário se adequa perfeitamente a peça, até determinando bastante a concepção da mesma, fato bastante comum no teatro. A peça, que foi anteriormente (há mais ou menos 20 anos) apresentada em Porto Alegre, se não me engano, no Teatro da Ospa, com uma performance arrasadora de Fernanda Montenegro interpretando a protagonista, Petra von Kant, que nesta montagem é vivida por Bettina Müller, é dirigida por Airton de Oliveira. Na minha opinião, a direção é limpa, óbvia e opta por uma linha caretíssima que lembra, guardada as devidas proporções, os espetáculos chamados de "teatrão". Penso que o Airton distribui bem as atrizes no espaço e as oferece sempre em angulos favoráveis aos espectadores, busca o tempo todo uma limpeza e um acabamento nas cenas, mas vejo também que se limita a marcações manjadas que nunca surpreendem, não inovam, nem subvertem qualquer regra dos mais básicos manuais de arte dramática. Fica aquele espetáculo correto, meio novela da oito, que nunca explode. Exige pouco ou apenas o básico de suas atrizes, todas elas com condições de render mais do que estão fazendo ao limitarem-se em atender o feijão com arroz realista solicitado pela direção. Incrivelmente, mesmo trabalhando numa sala tão pequena e tão próxima do público, tendo um cenário com espelhos que duplicam o publico, Airton opta pela quarta parede e, ao mesmo tempo que isola seu grupo de atrizes na "casa" de Petra Von Kant, isola também o espetáculo, que na minha opinião ganharia em teatralidade e comunicação emocional se buscasse o contato direto com o público. Mas isso é uma opção do diretor. Bettina Müller no papel da sofredora Petra Von Kant não chega a suar. Parece que tira de letra, esta segura, desenvolta e... normal. É notoriamente uma boa atriz, já testada anteriormente em outros papéis, que possuiria maturidade suficiente para render mais, para que se extraísse mais calor da sua interpretação. Me parece nitidamente "interpretando" e isso me distancia do sofrimento da rejeitada Petra. Me chama sempre atenção o trabalho da Janaina Pelizzon. Acho-a uma excelente atriz que está merecendo um trabalho a altura do seu talento. Entra na peça muda e sai calada e tira partido a cada intervenção. Aparece na medida certa, com segurança e presença em cena. Rosa Campos Velho aparece na última cena como a perplexa mãe Von Kant, e não mostra esforço nem prepocupação em extrair alguma mais profunda de seu personagem. Parece contentar-se com o pouco que dá. Marley Danckwardt, a aristocrata Sidonie, a amiga que apresenta Karin a Petra, tropeçou mais de uma vez no texto, parecia um tanto desconcentrada e com uma interpretação desafinada e vazia que só alcançou algum efeito na cena final, pouco antes de retirar-se da casa de Petra. Simone Telecchi, também usando figurinos de gosto duvidoso, se desdobra em poses pretensamente sensuais para viver a aspirante a modelo Karin. A gente fica sem saber o que levou Petra a se apaixonar tanto por ela. Não mostra o carisma necessário, fica entre uma boboca e ignorante mocinha do interior e uma aproveitadora de plantão. Concordei plenamente com a opinião da filha de Petra (interpretada apenas corretamente por Aline Jones) que diz que a moça é vulgar. Na montagem carioca de 1982, quem fazia Karin era a Renata Sorrah e depois a Cristiane Torloni. As duas ofereciam mil motivos não só para que Petra se apaixonasse, mas também para que a gente se apaixonasse por ela(s). De qualquer forma, parabéns para Airton de Oliveira e sua equipe pelo trabalho digno, honesto e correto.

M.F.

FELIZ ENTRADA EM CENA

2009-05-16T18:18:00.000-07:00

Feliz de mim que fui agraciado com este belo espetáculo. Confesso que sempre vou ao teatro com o espírito de gostar do que vou ver. Em relação a "Crucial", me senti estimulado a gostar desde o convite que recebi. Uma linda proposta gráfica que em mim despertou a curiosidade de assistir a peça. Havia também a obrigação de amigo de ver a Vanise Carneiro. Pois gostei do trabalho dela em cena. Gostei muito. Vejo maturidade. Vejo entrega. Cresceu imensamente do trabalho anterior (MacBeth, da Patrícia Fagundes) para este. Crucial é algo ou alguma coisa ou alguém ou alguma situação muito importante, capital, mas é também sinônimo de difícil, árduo, decisivo. A mim parece que a Vanise foi desafiada neste trabalho. Desafiada pelo texto diferente e ousado de Paulo Scott. Desafiada pela direção de Gilson Vargas. E, porque não, pela atuação exímia e exemplar do Marcos Contreras que tá arrasando. Tem momentos de raro brilho. Aqueles momentos em que o teatro acontece. Então ela caiu num daqueles momentos decisivos = crucial. O Gilson, vai entrando com o pé direito na direção teatral, e de quebra traz do cinema alguns cortes e efeitos muito inventivos e uma estética que permeia a peça. O espetáculo tem uma limpeza de detalhes e uma clareza de proposta. O texto é bom, legítimo Paulo Scott, é interessante quase todo tempo. Mas não todo o tempo. Em alguns momentos ele me parece longo. O espetáculo acontece num estado crucial, num fio de navalha pavoroso, pois transita entre as fronteiras do cinema, da hq, da ficção científica, asimov, edgar allan poe, dos contos fantásticos, hoffmann, e até do teatro. Bacana. Me senti divertido e saí bem do teatro. Tão feliz quanto havia entrado. E aí parece que está o pecado do espetáculo. Ele se mantém frio, futurista, distante. A gente acompanha, mas não se envolve. Conversando com as pessoas com as quais eu estava ficou em todos uma sensação boa mas com a nítida falta de algo que ninguém soube explicar. Mas assim é o teatro.

M.F.

BEM SUCEDIDO PRESENTE DE ANIVERSÁRIO

2009-05-16T18:11:00.000-07:00

No sábado, fui ao suntuoso Salão de Atos da poderosa UFRGS, para assistir a estréia de IVONE, PRINCESA DA BORGONHA, espetáculo com direção de Irion Nolasco sobre um texto do polonês Witold Gombrowicz (não vou ficar falando dele aqui, quem quiser que coloque o nome dele ou da peça no google que aparece uma montanha de páginas sobre o assunto, como dizia Hilda Hilst: Informe-se.). A peça foi encenada em comemoração à passagem dos 50 anos do Departamento de Arte Dramática da Ufrgs, criado "... por alunos do curso de Letras da Faculdade de Filosofia...", como ensina didaticamente o programa da peça. Pois, na minha singela opinião, o espetáculo sai completamente vencedor diante dos olhos da Reitoria, que é quem tem a chave do cofre que pode vir a patrocinar outras possíveis (e no mínimo anuais) montagens do DAD. Aliás, esta seria uma ação de extrema importância, já que qualquer (no bom sentido) oficina de teatro que se pretenda boa (TEPA, TERREIRA, DEPÓSITO) realiza uma (ou mais) montagens com seus alunos, e a poderosa UFRGS não faz isso há anos.Desde "Conto de Inverno" híbrido espetáculo infantil/juvenil/adulto encenado em 1996, passando pela apenas tímida colaboração em "Assassino" feito em parceria com a atriz e bailarina Alexandra Dias, eu não assistia um espetáculo cuja direção fosse assinada pelo professor Irion Nolasco, que agora desemcumbe-se satisfatoriamente, criando alguns belos momentos e efeitos de direção, alguns com criatividade, outros com experiência, dando-se ao luxo de enxertar outros textos do autor entre as cenas do texto principal, às vezes, modernamente, na forma coreográfica, tão em voga atualmente. Trabalhando com um elenco de jovens iniciantes a direção se sai positivamente vencedora porque apresenta uma concepção clara e realiza um espetáculo de fácil compreenssão, onde a trama nunca se perde e também por conseguir uma força e um resultado (com o perdão da linguagem) espetacular do elenco, que, diga-se de passagem, atravesse vitoriosamente a difícil tarefa que lhe é incumbida, ou seja falar todo aquele texto, no mínimo, abundante, que é obrigado a dizer. Mostra-se um elenco coeso e bem equalizado. Exatamente como diz no texto do blog do jornalista Felipe Vieira: "... o talento, o entusiamo e a disposição de 24 alunos..." No entanto, se observarmos individualmente, é claro que uns se saem melhor do que outros. O quarteto que protagoniza o espetáculo está muito bem em cena. Márcia Donadei empresta tamanha seriedade e profundidade no seu silêncio e consegue transmitir uma grave dimensão humana a sua personagem que nos coloca como em "A Roupa Nova do Rei" clássico infantil de Hans Christian Andersen. Di Machado, está bastante seguro e à vontade no papel de Príncipe Protagonista. Aproveita bem as situações e dá credibilidade a decisão inédita de casar com a feia proposta pelo autor. Não fosse tão longo e repetitivo seu texto, o que o coloca numa situação de tornar-se repetitivo também, estaria brilhando em cena. Talvez é o que venha a acontecer, se o espetáculo chegar a amadurecer apresentando-se mais do que meia dúzia de vezes. Meu amigo e quase meu ator, Herlon Holtz aparece com desenvoltura, voz bem colocada, disposição e disponibilidade corporal, demonstra um certo carisma, mas não chega a energizar o ambiente. O remédio pra isso é apresentar mais vezes o espetáculo e expandir sua energia em direção ao público. Rafaela Cassol, que conheço das festas do Depósito, está muito bem, sua composição da personagem, como se diz em teatro, a "sua rainha" existe. Leônidas Rubenich é vencido pela vaidade capilar e seu cabelo aparece mais do que ele em todas as cenas. Uma pena porque seu cabelo é bonito e ele tem uma bela energia e presença em cena, mas durante o espetáculo travam um combate sem vencedores. Os demais confundem-se na coesão de elenco e todos se defendem e cumprem eficazmente seus papéis.O figurino é um acerto, um golaço. Irion apostou e acertou em cheio quando escolheu a experientíssima Rô Cortinhas. Um arraso no cinema e no teatro. O cenário, além de ser bom pra viajar, é assinado pelo diretor em parceria com meu longinquo amigo Zau Figueiredo, então tem várias propostas de utilização esboçadas mas que não chegam a se concretizar, ainda estão "sujas". A Banda é boa, divertida. A iluminação do querido Bathista Freire é didática e parece, submetida pelo diretor. Consegue efeitos básicos no tecido e é eficiente para iluminar os atores.A questão que me coloco é responder porque cansei do espetáculo ao final do primeiro ato e durante um bom pedaço do segundo ato, chegando ao final, louco que terminasse, para que eu não perdesse a sensação de ter visto um bom espetáculo, e não ficasse com a impressão de ter assistido uma peça cansativa. E vejo que o que me chateou na peça foi um excesso de didatismo, um preciosismo acadêmico que impediu cortes profundos no texto. A decisão de fazer na íntegra deixa o espetáculo prolixo e, às vezes redundante, e obriga o público a ouvir várias vezes a mesma discussão. A mim, parece que o texto repassa e repisa os mesmos assuntos. Então, confesso que cheguei cansado ao final do segundo ato. Eu e os atores. E o também o público a minha volta, que olhava o relógio, preocupado com o ônibus, e se inquietava perceptivelmente nas cadeiras. E, pelo menos no meu caso, não é por uma questão de tempo ou de ônibus, pois adoro ficar assistindo. Mas, entendi que a idéia já estava compreendida, que todo elenco ja havia defendido bravamente suas posições, que o espetáculo ja havia mostrado a que vinha e, então, não pude deixar de pensar que deveria haver uns bons cortes naquele texto em benefício da comunicação do espetáculo com o público, mas logo percebi que este era um pensamento babaca, pois cada obra tem o seu tamanho, sua textura, seu tempo, suas cores para o bem e para o mal. Terá o diretor e o elenco e a equipe e o próprio espetáculo, como organismo vivo que é, se haverem com uma gorda "barriga" que aparece na peça lá pelas tantas. Mesmo assim eu faria cortes no texto em benefício do espetáculo, e para justificar cito o eterno contemporâneo Tadeusz Kantor: "O teatro não é um aparato de reproduzir literatura, o teatro possui sua própria realidade autônoma." Senti como se a peça, o público e os atores estivessem pedindo um pouco menos de texto.Contudo, o espetáculo tem a vitude de fazer com que o espectador não perceba que três longas horas se passam. Isto é ótimo, mesmo depois dos franceses terem nos obrigado a passar mais de seis horas naqueles bancos horríveis. Parabéns a todos. E, como não poderia faltar, um recado a UFRGS: o Reitor e seus assessores financeiros têm que entender que o teatro é um ser vivo, que deve ser apresentado um número máximo de vezes, exibido diante do público e confrontado pela platéia o mais de vezes possíveis, para que ele desabroche o demonstre diante dos nossos olhos a transformação de largarta em poderosa obra de arte. A Reitoria tem que compreender que deve bancar, no mínimo anualmente, a produção de um espetáculo, pois isso é fundamental para a formação dos atores e diretores que saem formados por esta instituição.Todo mundo deve assistir.

M.F. Porto Alegre, 24 de abril de 2008

CLOWNSSICOS, A MONTAGEM II

2009-05-16T18:08:00.001-07:00

CLOWNSSICOS está de volta. Recauchutada (no bom sentido), a peça criada e dirigida por Daniela Carmona, que estreou em 2004, como espetáculo de final de curso do TEPA, retorna à cartaz em montagem profissional da Cia do Giro, com financiamento do Fumproarte. O enredo, clowns interpretam clássicos da dramaturgia universal, é raso, batido. Recurso muito usado no teatro e que aparece em diversas peças, como por exemplo, A Comédia dos Amantes, roteiro de Luís Arthur Nunes, dirigido por Oscar Simch. Daniela Carmona assina novamente o roteiro, adaptação e direção da encenação, além de atuar como uma espécie de protagonista, ou, conforme o seu clow, a que mais aparece. As adaptações das histórias clássicas buscam sempre o riso fácil, mas nem sempre são engraçadas, e utilizam em demasia a figura do narrador, o que prejudica o andamento da peça. Talvez os clowns de Daniela devem-se permanecer com "os temas "menores" que envolvem o riso" e daí fossem bem mais engraçados. O elenco tem três nomes fortes: a própria Daniela, Adriano Basegio e Arlete Cunha. Os outros são João Pedro Madureira, Léo Maciel e Larissa Sanguiné. O primeiro tem que se aplicar mais, muito mais. Os dois últimos, Léo e Larissa, eram formandos na montagem de 2004, e agora se esbaldam divertindo-se pra valer e arrancando bons momentos e risadas da platéia. São os melhores apesar de valerem-se durante todo o espetáculo das mesmas gags e dos mesmos truques. Léo tem uma impagável "cara de criança cagada". Minha honorável amiga Arlete Cunha está deslocada. Não rende e seu clown é o mais apagado da peça. Em geral achei a peça excessivamente gritada. Ou talvez, eu estivesse muito perto do palco. Logo me cansei do roteiro repetitivo e da marcação pobre da peça. Antônio Rabadan se sai melhor com os figurinos do que com o cenário que é apenas uma prática, bonita e alegre ambientação para o espetáculo. A cena de tecido é desnecessária. Assim como achei extremamente desnecessário e gratuito aquele final surpreendente. Confesso que não entendi. Pra quê? Desafiar as estruturas? Romper com a quarta parede? Chocar o público?Enfim, é um espetáculo honesto, onde aparecem: uma entrega dos atores durante todo espetáculo; uma tentativa de realizar uma comédia acima da média portoalegrense; e sem dúvida, uma vontade intensa de fazer teatro. Parabéns a todos.

M.F.

MAIÊUTICA NO ARENA

2009-05-16T08:41:00.000-07:00

Maiêutica[Do gr. maieutiké (téchne).]Substantivo feminino 1.Processo dialético e pedagógico socrático, em que se multiplicam as perguntas a fim de obter, por indução dos casos particulares e concretos, um conceito geral do objeto em questão. [Cf. ironia socrática.] 2.Obst. V. obstetrícia. (Dicionário Aurélio)

Guadalupe Casal e Maíra Prates, duas jovens atrizes, sob orientação de Maico Silveira, estão em carta em cartaz no Teatro de Arena com MAIÊUTICA. Uma peça curta que pretende explorar "as divergências da relação mãe e filha num passeio poético guiado pela infância", conforme pode ser lido no delicado programa do espetáculo.As duas atrizes são também as responsáveis pela dramaturgia, que, na minha opinião é o ponto fraco da peça, já que os textos selecionados e/ou a junção deles, não oferece um crescimento, um desenvolvimento progressivo nas idéias que o espetáculo pretende dialogar com o espectador. Não oferece também maiores dificuldades para a interpretação das atrizes. Passeios pelo universo feminino são tão abundantes no teatro quanto as chamadas peças de casal. Ou se encontra, dramaturgicamente, uma idéia com um quê de originalidade ou com textos que aprofundem esta discussão ou se cai na mesmice das coisas já faladas.A encenação, como tantas outras, conta com poucos recursos, e opta por trabalhar apenas com alguns elementos de cena. O figurino assinado por Guadalupe Casal é apenas funcional. A iluminação, criada por Carol Zimmer, não acrescenta nada, não acentua climas, não vai além de iluminar a cena. Como o diretor não se assume como tal, e chama-se apenas de orientador cênico, não se pode comentar a direção. "Orientação" me parece um eufemismo para não assumir o compromisso com a real direção de uma peça, e também para dividir a responsabilidade com os atores. No caso, as atrizes.As duas interprétes se mostraram excessivamente tímidas. Talvez por tratar-se da estréia. Com certeza, com a repetição das apresentações, elas irão fortalecendo suas interpretações. Gaudalupe Casal se mostra mais expressiva e apresenta mais nuances quando das acontecem mudanças de idade e de situação. Maíra Prates aparece melhor como criança do que como adulta ou uma mulher solitária mãe de uma adolescente. Transita com demasiada semelhança pelas direfentes fases solicitadas pelo texto.O resultado é uma peça que não empolga, que carece de criatividade, de aprofundamento interpretativo, de direção e de uma dramaturgia mais sólida e, com a simplicidade de um risco de giz traçar um espetáculo com uma teatralidade mais exuberante.

M.F.

BABEL GENET

2009-05-16T08:27:00.000-07:00

Pois eu estava na concorridíssima estréia de BABEL GENET no Teatro Renascença. A peça, dirigida por Humberto Vieira, é sua reentrée na cena portoalegrense depois de longa e voluntária ausência desde o seu longinqüo Viagem ao Centro da Terra e sua encenação de Memory Motel. O primeiro vi no Teatro de Câmara com Renato Campão e o segundo no Renascença, com a Adriane Mottola e Zé Adão Barbosa. O primeiro continha textos do Marquês de Sade, e o segundo Charles Bukowski. Coerente com esta trajetória, Humberto coloca em cena agora sua visão de Jean Genet.
Num espetáculo confuso e irregular, o que mais me agradou foi o coro. Os medalhões do elenco estavam cheios de displicência e pareciam não ter se dedicado com profundidade nos ensaios. Senti-me, às vezes, constrangido ao ver a atuação de João Pedro Gil. Ficava imaginando seus alunos do DAD/UFRGS vendo o professor se utilizado de truques primáriosno desempenho de seu papel. Mirna Spritzer, excelente atriz, uma das melhores a cidade, não é um travesti nem na China e muito menos no palco do Renascença. Adriane Mottola, tarimbada, que fazia parte do elenco de Memory Motel, não convence. Jezebel de Carli completamente desconfortável. Humberto perdeu as rédeas. Era mesmo uma babel, mas tinha muito pouco de Genet e quase nada da marginalidade,liminalidade e exclusão divulgadas no release do espetáculo.

M.F.

MAIS UM SONHO DE UMA NOITE DE VERÃO

2009-05-16T08:25:00.000-07:00

Quando as cortinas do Teatro Renascença se abrem e surgem os primeiros sons, e inicia-se a cena de abertura desta nova montagem de O SONHO DE UMA NOITE DE VERÃO, dirigida a quatro mãos por Daniela Carmona e Adriano Basegio, tem-se a maravilhosa impressão de que participaremos de um espetáculo inesquecível. A abertura é simplesmente primorosa em todos os seus elementos cênicos e prenuncia a magia e encantamento que se irradiarão do grande carvalho da floresta em direção a platéia. Muito acertadamente a dupla de diretores aposta na fábula como centro da concepção do espetáculo e como diz o jornalista Renato Mendonça, é "impossível você não se sentir imerso em um ambiente de sonho, perdido (ou achado) em uma floresta".
O crítico literário Harold Bloom diz que Shakespeare escreveu esta obra "provavelmente, sob encomenda, para homenagear um casamento entre nobres" e segue afirmando que trata-se, sem dúvida, de sua primeira obra-prima, perfeita, uma de suas peças que apresentam força e originalidade admiráveis". Do alto da minha ignorância, me permito discordar do professor Bloom. Se pensarmos em termos de análise literária são inegáveis e perceptíveis os méritos estilísticos do texto e indiscutível a genialidade do autor inglês. Mas, colocando-me apenas como um mero espectador que recebe uma encenação do texto em pleno século XXI, fica difícil não ver no texto a ingenuidade de uma novela das sete e uma excessiva falação literária associada a uma repetição de idéias manjadas.
Peço antecipadas desculpas por traçar, às vezes, comparações entre esta montagem e aquela realizada pela diretora Patrícia Fagundes, mas devido a proximidade temporal de uma com a outra isto trona-se inevitável, e acredito que não há espectador que tenha visto as duas peças, que não faça semelhante analogia entre os dois espetáculos. Tudo isso para dizer que Antonio Rabadan, bem ao contrário dos elementos do outro "Sonho...", desta vez acerta em cheio na concepção visual do espetáculo. Cenário e figurino contribuem tremendamente para fundamentar a concepção dos diretores. As peças do figurino são, separadamente pequenas obras de arte, e no conjunto compõem a atmosfera perfeita para o enlevo da platéia. O cenário que em Clowssicos era apenas prático, aqui transforma-se nos diversos ambientes sem perder a magia e sem deixar de exercer sua força. Todos estes elogios também devem ser estendidos para a acertadíssima trilha sonora que tem nada mais, nada menos que o nome excelente músico Fábio Mentz. O tarimbado iluminador Fernando Ochôa, na minha opinião, poderia ter concebido uma luz ainda mais apurada para o espetáculo, não se limitando a fazer uma luz apenas bonita e eficiente. Não que eu ache que a luz tenha que aparecer, mas diante soa outros elementos do espetáculo, me parece que a iluminação não brilha como poderia. Mas sei que a luz depende de equipamentos, por isso sou sempre cuidadoso ao falar deste assunto.
A dupla de diretores, como ja disse, acerta na concepção onírica, silvestre e um tanto lasciva, mas descuida da direção dos atores quando permite que as interpretações sejam bastante irregulares. O ritmo do espetáculo vai caindo ao decorrer do tempo junto com o interesse do público, tanto por causa do longo texto, quanto pela ausência de novos estímulos cênicos e cômicos e pela carência de variações nos ritmos da peça. Ao contrário do "Sonho..." da Patrícia, que investia muito mais na comicidade, aqui a parte cômica fica relegada somente a algumas personagens ou núcleos de personagens, e isto resulta em mais lirismo e romantismo e em menos comédia.
No elenco vale destacar positivamente a presença viva e simpática de Adriano Basegio como Puck; da minha queridíssima super atriz Arlete Cunha, em plena forma, que, como diz Renato Mendonça, "resplandece" no papel de Novelo e a jovem Fernanda Nascimento, que empresta carisma e chama atenção para sua fada. O excelente ator Álvaro Rosacosta se apresenta acomodado, exercendo o que eu chamo de interpretação apenas correta e protocolar. Saudade daquele Álvaro do Beijo no Asfalto.
Assim, apesar de um pouco cansativo na sua última meia hora, este "Sonho numa Noite de Verão" tem méritos suficientes para encantar os espectadores e a Cia. do Giro merece mais uma vez os sinceros aplausos por mais esta criação.

M.F.

PENÉLOPE BLOOM PARA POUCOS

2009-05-16T08:22:00.000-07:00

Muito difícil, dificílimo, comentar peça de ex-mulher. Se digo que não gostei disso ou daquilo, será por causa de mágoas do passado ou do presente. Se falo bem, é pra disfarçar os mesmos ressentimentos. Mas, no meu rápido cursinho de crítica teatral, Dona Bárbara ensinou que o crítico deve presar, acima de tudo a isenção. Então, o fato é que achei o espetáculo bonito e bem acabado, mas não gostei da peça. Depois de meia hora sem acontecer nada, foi um martírio esperar os 45 minutos restantes para o final do espetáculo, não só por se tratar de um espetáculo "difícil", mas principalmente por causa de sua verborragia e ausência de alterações de ritmo. A longa queixa e divagação da Sra. Bloom começam e terminam praticamente inalteradas. Além disso, pude presenciar um choque entre dois tipos de teatro diferentes: a brasileira, Maria Falkembach, mostrando um teatro moderno, físico, com partituras vocais e corporais, dando seguimento a sua pesquisa na interface da dança e do teatro, enquanto que a atriz costa-riquenha, Vicky Monteiro, em que pese seu esforço aparente para fisicalisar algumas ações, permanece o que chamamos de "atriz de texto", o que provavelmente está mais vinculado a sua larga vivência teatral naquele país. Enquanto esta última mantém durante todo o tempo uma sólida quarta parede, a primeira rompe esta convenção por diversas vezes. O embate destas duas correntes teatrais, que poderia ser benéfico, na realidade da cena não favorece o espetáculo. Vicky demonstra claramente suas qualidades vocais e expressivas e Maria Falkembach, que ja tive oportunidade de dirigir em diversas ocasiões, mostra maturidade em cena. Pena que seja colocada na condição de coadjuvante, de uma espécie de espelho da verdadeira Molly Bloom, que seria vivida por Vicky Monteiro.
A peça se baseia na última parte do livro "ULISSES" de James Joyce, que é quando o Sr. Bloom deita e dorme e sua esposa, Molly, desperta e recapitula o dia e parte de sua vida, num fluxo psíquico entre lúcida e ilúcida. Não li o livro de Joyce, mas sei que ele tem fama de literatura "difícil" que beira o incompreensível e dedicado ao entendimento apenas para eruditos. Sendo que segundo alguns críticos, a tradução da edição brasileira, realizada por Antonio Houaisss, complica ainda mais o entendimento. Tudo isso empresta ao livro um pouco da síndrome de "roupa nova do rei", a qual se faz presente por extensão, também na peça em questão.
A iluminação, de Mirco Zanini, talvez por opção, talvez devido aos poucos recursos da sala, é apenas protocolar. O cenário de Rudinei Morales, é discreto, bem acabado e se coaduna com as necessidades do espetáculo. Poderia ter mais "viagem", um pouco mais de arte e refinamento. A trilha sonora de Leandro Maia é precisa, discreta e presente salientando momentos e propondo climas. O figurino feito à seis mãos, por Liane Venturella, Sandra Possani e Chico Macalão, em que pese a breguice do penhoir ser igual a colcha, é de muito bom gosto e acrescenta beleza e plasticidade ao movimento das atrizes que tiram e colocam roupas o tempo inteiro.
A direção de Gerardo Bejarano é limpíssima e, ao meu ver, comete os seguintes pecados: não se define quanto ao estilo de interpretação, permite que o ritmo do espetáculo se mantenha o mesmo durante praticamente toda a peça; e, finalmente, privilegia a verborragia em detrimento da proposta físico-corporal. Cria um espetáculo sem muitas nuanças e não ilumina a difícil obra em que se baseia, mantendo-a elitizada e acessível somente para poucos entendidos.

M.F.

ANTÍGONA BR

2009-05-16T08:01:00.001-07:00

Sei que parece sacanagem ir ver peça de colega no segundo dia, mas não deu para ir no primeiro e ganhei um convite para a segunda apresentação de ANTÍGONA BR que aconteceu no magnífico Theatro São Pedro. A peça tem direção de Jessé Oliveira, de quem eu posso dizer que acompanho o trabalho pois tenho visto muitas de suas produções, inclusive sua montagem anterior à frente deste mesmo Grupo Caixa Preta, HAMLET SINCRÉTICO. Aliás, mantendo uma tendência atual, perceptível em várias peças, esta ANTÍGONA BR segue na linha encontrada em Hamlet Sincrético. Assim como Enrique Diaz persegue em "A Gaivota" a mesma fonte do seu "Ensaio.Hamlet". E Patrícia Fagundes segue as descobertas do "Sonho..." na sua "Megera...".
ANTÍGONA BR, numa tentativa de aprofundar as idéias e temas já apresentados no espetáculo anterior, oferece ao público uma confusa salada onde os ingredientes são algumas tragédias gregas, muitos elementos da cultura afro-brasileira (capoeira, griot, culto aos orixás, signos, ritos e mitos africanos), catolicismo popular e um pouco de linguagem pop, tudo isso temperado com cantos e músicas afro-brasileiras sob direção Luiz André da Silva.
Colocando de lado os problemas de ritmo desandado, má articulação entre as cenas e a excessiva e prolongada duração do espetáculo, problemas estes que são totalmente contornáveis na sequência das apresentações, a nova peça do Caixa Preta encontra-se assentada na dramaturgia pra lá de confusa assinada por Viviane Juguero, na minha opinião um dos maiores problemas do espetáculo.
Os figurinos de Raquel Capeletto são excelentes, dão colorido, brilho e auxiliam na composição e na identificação dos personagens. A iluminação também aparece de maneira eficiente. As coreografias de Joca Vergo, além de eficientes, dão brilho ao espetáculo, mas padecem também do mal da confusão ou falta de clareza.
A direção de Jessé Oliveira apresenta lances surpreendentes, de altíssima criatividade, entremeados com momentos completamente perdidos e vazios onde se percebe que o diretor ou não teve tempo para pensar melhor a respeito, ou realmente não conseguiu definir a contento. Uma direção de altos e baixos, problematizada por uma dramaturgia sem clareza que pretendeu abarcar muitas histórias de uma só vez, mas também pelas escolhas feitas pelo diretor, como é o caso do inexplicável uso de duas atrizes para representar Antígona. O elenco é um caso à parte. Acompanho o trabalho de alguns atores desde TRANSEGUN e, por incrível que possa parecer, em alguns não identifico crescimento. Continuam os mesmos amadores de sempre. Gestos mal acabados, gritaria exagerada, dicção ruim, corpo sem presença. Ou se exigem pouco e se vêem como amadores, ou estão sendo pouco puxados pela direção. Desta montagem cabe destacar apenas o trabalho de Lucila Clemente que fez uma belíssima composição para o seu personagem no coro dos velhos. Quanto aos outros, se ninguém brilha, ninguém compromete. O que, cá entre nós, é muito pouco.
Pra concluir, acho que o trabalho de Jessé não terminou. Ainda tem muita coisa pela frente se quiser pelo menos aproximar-se da realização anterior.
M.F.

OS PERSAS - A TRAGÉDIA MODERNA

2009-05-15T20:25:00.000-07:00

Uma proposta de atualização da tragédia formalmente bem sucedida. Momentos de puro teatro e pura ação vocal. A mais antiga das tragédias por nós conhecida na íntegra na versão do moderno teatro alemão. Ousado, "limpo", provocativo. E a precisão?

M.F.

A COMÉDIA DOS ERROS - MUITOS ACERTOS, POUCO RISO

2009-05-15T20:23:00.000-07:00

Sei que minha grande amiga e colega Adriane Mottola há muito tempo acalenta a idéia de encenar A COMÉDIA DOS ERROS. Desde os tempos do Decameron, quando a conversa girava em torno de que peça poderíamos montar, essa possibilidade já era citada. E agora, finalmente, seu sonho está em cena. E somente isto já seria um fato prodigioso. Está em cartaz a ousada encenação que a diretora Adriane Mottola, corajosamente bota na roda como sua proposta para elucidar a seguinte questão: como se daria a adaptação, a aproximação, da forma elisabetana, que passados quinhentos anos já podemos chamar de clássica, ao gosto do público moderno. Como encenar Skakespeare sem ser chato? Impossível não comparar quando somos (beneficamente) assolados por montagens dos clássicos shakespearianos. Ficando apenas no âmbito da comédia, pode-se dizer que: enquanto Daniela Carmona e Adriano Baseggio escolheram apostar na fantasia onírica e campestre e na magia incandescente das fadas e Patrícia Fagundes da preferência ao caminho da comunicação agíl e movimentada dos cabarés e casas noturnas, Adriane vai fundo na proposta de modernização, aproveita seu trabalho e estudos de teatro contemporâneo para contemporaneizar Shakespeare.
Montagem super bem realizada com figurinos, como sempre, impecáveis de Coca Serpa. Cenários sugestivos e bem construídos. A iluminação franciscana mas eficiente.
A direção de Adriane Mottola é segura e resulta num espetáculo limpo, bem articulado, mas que ao ver peca pela escolha da tradução de Barbara Heliodora. Pode ser uma boa jogada de marketing, mas o texto versificado choca-se com a proposta ultra moderna da marcação coreografada.
Assisti a terceira apresentação da peça. A primeira realizada numa segunda-feira. Os erros não estavam apenas no título. Aconteceram vários tropeços durante a apresentação. O espetáculo estava frio. Intimidado. Sem ritmo. coisas que não significam absolutamente nada, simplesmente porque é assim que funciona. Na terceira apresentação uma peça está engatinhando a procura de um sentido, de um ritmo e de uma conformação particular que só vai atingir lá pela viségima apresentação. Fora isso, senti falta da comédia. Do riso provocado pelas situações cômicas. A platéia sorria. O elenco esforçava-se visivelmente na tentativa de parecer engraçados. Mas a explosão sonora das risadas não acontecia. Talvez por causa do próprio esforço. Destaque para a atriz Janaina Pelizzon que aparece num papel pequeno mas muito bem aproveitado. Ao vê-la em cena, lembrei do filme "Quero Ser John Malkovitch", e pensei: quero ser Janaina Pelizzon. Sem esforço, com um "time" perfeito.
Resumindo, trata-se de uma produção de alto nível, espetáculo de puro teatro, bem realizado e saboroso, mas esbarra na falta de comédia, talvez por ficar tri-partido entre o contemporianismo das marcas coreografadas, o texto mantido em versos e o esforço exagerado de alguns atores para tornarem-se engraçados.
M.F.
Foto: Marcos Nagelsten zh
Aparecem na foto: Janaina Pelizzon e Sofia Salvatori

ÉDIPO - UMA AULA DE TRAGÉDIA

2009-05-14T11:20:00.001-07:00

Fui ao Theatro São Pedro ver a nova peça do Luciano Alabarse, a tragédia Édipo. Peça do Luciano é para mim ida obrigatória ao teatro. Primeiro, porque, pra quem não sabe acompanho a trajetória do Luciano desde quando ele era aluno do DAD/UFRGS. Pra falar a verdade, eu era bolsista da Universidade e trabalhava como uma espécie estagiário em uma peça dirigida pelo Luciano. Acho que era seu trabalho de formatura. Vi praticamente todas as peças que ele dirigiu e pelo menos uma, em que ele atuou. Em segundo lugar, em todas as oportunidades, percebi seriedade artística e profundidade de propostas. Um teatro absolutamente consequente. E sempre com muito público.

Pra começar a dramaturgia é de primeira. Tanto a de Sófocles, como a do Luciano, que teve a sacação e o tino de reunir com inteligência as peças Édipo Rei e Édipo em Colono. Desceu redondo. Principalmente na parte final, onde, embalado pela representação dos atores, Luciano Alabarse cria um cena de grande apelo (no melhor sentido dramático) emocional para a platéia.

Escrevi para o Luciano logo após ter assistido o espetáculo que eu achava que ele estava ficando careta. E é o que acho. Eu gostava imensamente mais e era tocado imensamente mais quando assisti, por exemplo, Pode Ser que Seja Só o Leiteiro Lá Fora, ou a adatação que ele fez para um romance de João Gilberto Noll, chamado Hotel Atlântico. Vou ficar somente nestas duas. Aquele era o Luciano que eu gostava. Cada peça era melhor do que a anterior. E agora?

Decidiu mergulhar nos clássicos. Fez Antígona com assessoria da mega doutoura Kathrin Holzermayr Rosenfield. Foi a pimeira aula de tragédia. Depois, fez Hamlet. A mais careta de todas. Voltou pros gregos em Medéia com a sensacional Sandra Dani no papel principal. Daí até eu, né? E aí chega a vez de Édipo. Insisto em escrever aula de tragédia porque é assim que chegam em mim as três peças gregas: todas têm uma clima de aula de tragédia para o público frequentador do teatro São Pedro. Algo como samba pr inglês ver.

Esta peça é inegavelmente a melhor de todas. Ainda paira um tom de caretice, mas mesmo sem nunca ter participado do chamado teatro de grupo, Luciano está investindo também na manutenção de vários nomes do seu elenco. Os atores, e ele mesmo, vão se apropriando daquela linguagem trágica e suas interpretações vão se tornando mais vigorosas. Concordo plenamente com Renato Mendonça quando ele escreve em seu comentário que "brilham Marcelo Adams, como um Édipo bem-intencionado, egocêntrico e épico, Marcos Contreras, construindo um Creonte sempre a ponto de explodir, e Lutti Pereira, interpretando o vidente Tirésias em impressionante clima de transe místico". Faço minhas, as palavras do nobre colega crítico.

Quanto a polêmica sobre o efeito da trilha com Roling Stones, fico achando que tanto faz colocar Stones, quanto Pink Floyd, quanto The Who, quanto Beatles, quanto qualquer outra preferência musicaldo Luciano não faria diferença alguma. A música parece dissociada da peça. Uma coisa é a peça, outra coisa é a música. Elas não se contrapõem nem se acrescentam. Creio eu. É uma bricdeira do diretor, uma inofensiva licença poética. Um coup de théâtre pra inglês ver.

Modesto Fortuna.

CONSIDERAÇÕES EM DIA DE GRIPE

2009-05-14T10:45:00.000-07:00

Pois enfrentei o frio e a gripe e me fui para o teatro, que é uma das únicas coisas que consegue me tirar de casa. Como é bom ir ao teatro. Me fui para o SESC no sábado assistir a mais recente criação do Grupo Meme, concebido, dirigido e coreografado por Paulo Guimarães. Lamento não ter visto "BU", seu trabalho anterior, assim poderia conhecer um pouco mais sobre o trabalho do meu amigo Laco. Terezinhas é um belo é agradável espetáculo. Bem coreografado e limpo. Nem todos os bailarinos têm o mesmo preparo técnico, assim as interpretações destoam um pouco entre si. Na minha opinião o problema da peça reside na dramaturgia que é bastante fraca.
Isto posto, quero mesmo fazer dois comentários.

Um: eu estava gripado, tossi três ou quatro vezes. Talvez, cinco. Me senti um chato completo. Mas minha culpa foi atenuada por que estava na platéia o famoso "fotógrafo chato", aquele que por inexperiência ou excesso de zelo, quer fotografar a peça inteira como se estivesse filmando o espetáculo. Pois tinha um assim na platéia nesta noite. O espetáculo completamente intimista e estalo constante da máquina. E ele sentado, muito bem posicionado, no centro da platéia. De última.

Dois: de última é o palco do SESC que não permite cenas no chão. Da terceira fila pra trás ninguém enxerga nada. Se numa peça de teatro isso é um problema sério, porque se os atores estão em pé não se enxerga as pernas. Quando se abaixam transformam-se, no máximo, em uma cabeça. Se deitam, somem. Agora imagine num espetáculo de dança que trabalhar o tempo inteiro com estas variações. Impossível. O palco prejudica o espetáculo. Isso é o que dá construir auditórios ao invés de teatros. Os arquitetos e engenheiros tem que saber que tudo o se faz num auditório é possível de ser feito num teatro, mas o contrário nem sempre é possível.
M.F.

A CRÍTICA DA CRÍTICA

2009-05-13T14:16:00.000-07:00

Depois de escutar com o devido respeito e atenção as palavras proferidas na palestra apresentada na noite de terça (8/4) no Teatro do SESC, pela Sra. Bárbara Heliodora, que como apregoa a divulgação trata-se de “uma das críticas teatrais mais temidas e respeitadas do Brasil”, fiquei ruminando algumas coisas: é absolutamente inegável o profundo conhecimento técnico, teórico e prático que ela possui sobre o teatro. Sua vasta cultura, erudição, preparo e brilhantismo ficaram patentes na leitura do texto que ela criou, creio eu, especialmente para o encontro promovido pelo ARTESESC. Defendeu a função da crítica, com um texto elegante, claro, no qual demonstrava suas crenças através de um pensamento fluente, inteligentemente encadeado, sem deixar de ser um tanto esquemático. É indiscutível a vivência teatral de quem assiste, anualmente, perto de 100 espetáculos, como ela mesma afirmou. É simplesmente incontestável a importância do nome Bárbara Heliodora tanto para o exercício da crítica em particular, quanto para o teatro brasileiro em geral. Dona Bárbara é uma apaixonada confessa pela arte teatral. Diz amar o teatro e torna visível este amor com a maneira inflamada e parcial com que manifesta sua visão sobre o que considera bom ou ruim na arte dramática. Na verdade, se detecta que ela ama mesmo o bom teatro, tanto quanto detesta aquele teatro que na sua visão pessoal é ruim. Sua veemência atinge as raias do dogmatismo e da pretensão de ser a dona de uma verdade única, embora negue isso com a mesma ênfase. Para quem lê, mesmo que esporadicamente as suas críticas nas páginas do Jornal O Globo, como é o meu caso, é possível perceber, nas linhas e nas entrelinhas, que por vezes, ela manda às favas a sua apregoada isenção e objetividade, e se deixa levar por momentos de extrema vaidade pessoal, arrogância, crueldade, deboche e até mesmo uma transbordante e destrutiva maldade. Ela diz que todos somos críticos informais quando assistimos qualquer obra de arte, e pensamos se gostamos ou não gostamos, ou quando expressamos nossa opinião numa mesa de bar, o que não deixa de ser uma verdade. Mas querer comparar uma discussão entre amigos num bar com o preto sobre o branco das páginas de um jornal de circulação nacional é, no mínimo, querer minimizar o seu poder diante da platéia.

ENTREVISTA COM O DIRETOR ROBERTO OLIVEIRA

2009-02-27T10:20:00.000-08:00

Meu amigo, Roberto Oliveira, ator, diretor e chorão de plantão concedeu uma entrevista para o Blog Caco, editado por Renato Mendonça, editor de teatro do caderno de variedades da Zero Hora. Abaixo a entrevista na íntegra. Boa leitura a todos. Os comentários são válidos e esperados. A foto é da belíssima fotógrafa de ZH, Dulce Helfer. (Ass.: Modesto Fortuna)

RENATO MENDONÇA: Aqui vão as perguntas, e me corrige se eu errei alguma coisa.
Abraço e obrigado
O Depósito de Teatro andou meio sumido, mas está voltando com força total: no dia 29 de março, vai liderar novamente a Farra do Teatro; além disso, a partir de abril, o Depósito promove a Oficina de Montagem – Nível Avançado, para atores já com experiência (detalhes para as duas atividades em www.depositodeteatro.com.br).
No dia 11 de abril, estréia no Renascença mais uma montagem do grupo, o espetáculo infantil O que seria do Vermelho se não fosse o Azul, com texto e direção de Roberto Oliveira.
CACO - É com Roberto, líder do Depósito, que o Caco conversou, não sem antes cumprimentá-lo com atraso pelo prêmio de melhor ator que ele recebeu pelos filmes "Ainda Orangotangos" e "Cão Sem Dono", durante o 12º Festival de Lima – Encuentro Latino de Cine (luxo: entre os jurados, Mario Vargas Llosa e Maria de Medeiros), em agosto do ano passado.
ROBERTO – UMA TOTAL E FELIZ SURPRESA. EU ESTAVA EM BELO HORIZONTE PARTICIPANDO DAS FILMAGENS DE UM LONGA: GAIO FILHO, DIRIGIDO POR TIAGO MATA MACHADO. DEI SORTE PORQUE DOIS FILMES EM QUE EU ATUEI ESTAVAM DISPUTANDO NO MESMO FESTIVAL: CÃO SEM DONO E AO. PESSOAS LIGADAS AO AINDA ORANGOTANGOS ESTAVAM LÁ E TROUXERAM MEU TROFÉU.

CACO – Em 2008 e parte de 2007, o Depósito perdeu sua sede e enfrentou graves problemas financeiros. Por quê? O que aconteceu?
ROBERTO - QUANDO NOS MUDAMOS DA BENJAMIN PARA A CÂNCIO GOMES, SABÍAMOS O RISCO QUE ESTÁVAMOS CORRENDO. NOS PREPARAMOS PARA SUPORTAR SEIS MESES DE TOTAL ARROCHO E APRESENTAMOS AO PREFEITO JOSÉ FOGAÇA O PROEJTO ENTORNO SOLIDÁRIO, UM PROJETO DE CUNHO ABSURDAMENTE SOCIAL. VOCE PODE VER NO LINK ABAIXO COMO O PROJETO FOI RECEBIDO.
http://www2.portoalegre.rs.gov.br/cs/default.php?reg=64414&p_secao=3&di=2006-06-30

DEPOIS DE UMA LONGA INDEFINIÇÃO DO NOSSO PREFEITO JOSÉ FOGAÇA EM DESTINAR RECURSOS DO PIEC (PROGRAMA INTEGRADO ENTRADA DA CIDADE) PARA O PROJETO ENTORNO SOLIDÁRIO, PROJETO ESTE QUE PRETENDIA REVITALIZAR O ENTORNO E ATACAR DE FRENTE PROBLEMAS EXISTENTES NAQUELA REGIÃO, QUE VÃO DESDE ANALFABETISMO ATÉ PROSTITUIÇÃO INFANTIL. INFELIZMENTE, A PREFEITURA ATUA COM UMA MOROSIDADE DE TARTARUGA NA ÁREA CULTURAL. O PIEC RECEBE DINHEIRO DO BID E DEVE DESTINAR RECURSOS PARA PROJETOS NA ÁREA DA INCLUSÃO CULTURAL, QUE ERA EXATAMENTE O QUE PRETENDÍAMOS FAZER. INOPERÂNCIA? ENGANAÇÃO? ESTAGNAÇÃO? O PREFEITO FOGAÇA ARRUMOU UMA PEDAÇO DE UMA COISA DANDO UM TERRENO PARA UMA DISTANTE FUTURA SEDE DO ÓI NÓIS, E ESTRAGOU COMPLETAMENTE OUTRA SEMENTE QUE PODIA FLORESCER LÁ NO QUARTO DISTRITO.
IMPUTAMOS TAMBÉM RESPONSABILIDADE DIRETA PELO FECHAMENTO DA SEDE A FUNARTE, NA PESSOA DE SEU OMISSO E AUTORITÁRIO EX-PRESIDENTE SR. CELSO FRATESCHI. IRONICAMENTE A ENTIDADE QUE TEM POR OBRIGAÇÃO FOMENTAR A FORMAÇÃO E MANUTENÇÃO DE GRUPOS DE TEATRO, DECRETOU O ENCERRAMENTO DO DEPÓSITO DE TEATRO AO TOMAR INJUSTAS, ARBITRÁRIAS E DESCABIDAS MEDIDAS PUNITIVAS QUE ESTÃO SENDO CONTESTADAS NA JUSTIÇA.
DEPOIS DE DEZ ANOS DE TOTAL RESISTÊNCIA FOMOS FORÇADOS A FECHAR NOSSAS PORTAS, POIS DEIXÁRAMOS APENAS DE NÃO RECEBER PELO QUE FAZÍAMOS E PASSAMOS A PAGAR PARA FAZER. ANTES QUE PESADAS DÍVIDAS RECAÍSSEM SOBRE OS MEMBROS DO GRUPO QUE AINDA NÃO HAVIAM ABANDONADO O BARCO DECIMOS PELA ENTREGA DOS IMÓVEIS QUE ALUGÁVAMOS.
CACO - O Depósito estava conduzindo um projeto de integração com a comunidade carente do entorno da sede da Câncio Gomes. O que ficou desse projeto? Faltou apoio?
ROBERTO - SIM, FALTOU APOIO. DO ESTADO, DA PREFEITURA, DA IMPRENSA E, PRINCIPALMENTE DO EMPRESARIADO TACANHO. A CULTURA GAÚCHA ESTÁ ATIRADA AS TRAÇAS. ALÉM DO CARNAVAL E DO TRADICIONALISMO NÃO AVANÇAMOS UM MILÍMETRO NO ORÇAMENTO DE NENHUM GOVERNO, SEJA DA ESQUERDA, SEJA DE DIREITA. VIDE A SECRETARIA DE ESTADO DA CULTURA. O EMPRESARIADO CONTINUA COM AS FIRMES VISEIRAS DO CAPITAL AFERROLHADAS AOS OLHOS. ESTÃO TÃO ALHEIOS DA CULTURA LOCAL QUE NÃO CONSEGUEM ENXERGAR AS POSSIBILIDADES DE LUCRO INSTITUCIONAL E O POTENCIAL DE TRANSFORMAÇÃO QUE O NOSSO PROJETO PRETENDIA APLICAR NA REGIÃO. PROCURAMOS TODAS AS EMPRESAS DO ENTORNO: FERRAMENTAS GERAIS, GERDAU, MERCEDES BENZ, VONPAR, TOYOTA, PEPSICO, DMAE, ESAB, PÉGASUS, TURBO MOTO, SINOSSERRA E ATÉ MESMO A CGTEE, QUE ESTEVE ENVOLVIDA EM FALCATRUAS FINACEIRAS MAS NÃO APLICAVA UM TOSTÃO NA CULTURA LOCAL, TODAS DISSERAM NÃO. NOS INSTALAMOS NUMA ZONA CONFLAGRADA DA CIDADE COM UM MARAVILHOSO PROJETO DE TRANSFORMAR A CARA E A ALMA DO ENTORNO, MAS NOSSA IDÉIA CAIU NO VAZIO, NUM VÁCUO PARA ONDE VÃO TODAS AS PEÇAS, TODAS AS MÚSICAS, TODAS AS PINTURAS, POEMAS, FOTOGRAFIAS, ESCULTURAS, ETC, QUE HABITAM ESTA ESTRANHA ILHA CHAMADA RIO GRANDE DO SUL.

CACO – 2008 foi sinônimo de discussão de espaços para os grupos de teatro e de dança e de falência da LIC. Que achas disso? Poderias propor o que seria prioridade em 2009? Qual tua posição sobre a Lei de Fomento aos Grupos, e que está tramitando na Câmara de Vereadores da Capital?
ROBERTO - A DISCUSSÃO SOBRE OS ESPAÇOS VAI GANHAR CADA VEZ MAIS TERRENO, POIS TODOS OS GRUPOS PERCEBEM QUE "TER" UM ESPAÇO FAZ UMA ENORME DIFERENÇA NOS RESULTADOS ARTÍSTICOS.
FAZ TEMPO QUE A LIC FALIU. DESDE O PRIMEIRO MOMENTO, QUANDO MOSTROU QUE ESTAVA ASSOCIADA APENAS AOS INTERESSES DA MACRO CULTURA, DOS SONEGADORES E FORMADORES DE CAIXA DOIS E QUE SUAS GENEROSAS VERBAS JAMAIS BENEFICIARIAM OS PROJETOS DA MICRO CULTURA. A LIC NÃO ATENDE AOS INTERESSES DA MAIORIA DOS FAZEDORES DE ARTE DO NOSSO ESTADO.
QUANTO AS PRIORIDADES AÍ VÃO:
PRIORIDADE MUNICIPAL = MAIS PULSO DO SECRETÁRIO DE CULTURA NAS QUESTÕES DE SUA ÁREA E MAIOR PESSOAL NA CAPTAÇÃO DE RECURSOS JUNTO A FAZENDA MUNCIPAL. APROVAÇÃO, REGULAMENTAÇÃO E EXECUÇÃO DA LEI DE FOMENTO PARA OS GRUPOS DE TEATRO E DANÇA QUE SE ENQUADRAM DENTRO DA PROPOSTA TORNADA PROJETO DE LEI QUE SE BASEIA INTEGRALMENTE NA LEI APROVADA EM SÃO PAULO. MAIS VERBAS E AUTONOMIA PARA O PROJETO USINA DAS ARTES. MAIS VERBAS PARA O PROJETO ARRUMANDO A CASA. MAIS VERBAS PARA O FUMPROARTE, QUE A CADA CONCURSO TEM QUE INVENTAR UMA REGRA NOVA PARA ELIMINAR MAIS CANDIDATOS. PARTICIPAÇÃO DA SECRETARIA NA CONSTRUÇÃO DA SEDE DO ÓI NÓIS, NO MÍNIMO PARA ABRIR PORTAS DE EMPRESÁRIOS IMPORTANTES. APOIO DIRETO E EFETIVO NA APROVAÇÃO DO PROJETO ENTORNO SOLIDÁRIO APRESENTADO PELO DEPÓSITO DE TEATRO, QUE ESTÁ PARADO EM ALGUMA GAVETA DA PREFEITURA MUNICIPAL, MAS COMO AINDA É O MESMO PREFEITO, NÃO DEVE SER DIFÍCIL DE ENCONTRA-LA. INTERVENÇÃO DIRETA NA QUESTÃO DOS GRUPOS QUE TRABALHAM NO HOSPITAL SÂO PEDRO.
PRIORIDADE ESTADUAL = DEPOR A GOVERNADORA E SUA SECRETÁRIA DA CULTURA PODERIA SOAR MUITO RADICAL, MAS É A PRIMEIRA COISA QUE ME OCORRE. A INÉRCIA QUE TOMOU CONTA DA SECRETÁRIA DE ESTADO DA CULTURA DESDE A METADE DO GOVERNO OLÍVIO ATÉ O PRESENTE MOMENTO SÓ DEMONSTRA DESCASO. É REFLEXO DA PRÓPRIA FALTA DE CULTURA OU DE VISÃO DA CULTURA QUE NOSSOS DIRIGENTES DA CULTURA ESTADUAL TÊM, OU MELHOR NÃO TÊM. ENQUANTO A CULTURA CONTINUAR SENDO A PASTA POBRE QUE DEVE SER ENTREGUE A UM AMIGO OU CORRELIGIONÁRIO OU NA BARGANHA DE CARGOS ENTRE PARTIDOS, CONTINUAREMOS VIVENDO NESTA MISÉRIA CULTURAL. ACHO QUE OS ARTISTAS TÊM QUE DECIDIR QUE SECRETARIA QUEREMOS. TEMOS QUE INVERTER O PROCESSO. NÃO DÁ MAIS PRA FICAR ESPERANDO. OU A SECRETARIA PRODUZ, CRIA E DESENVOLVE PROJETOS OU FECHA. OU VOLTA PARA A EDUCAÇÃO E SE ASSUME O RETROCESSO. ASSIM COMO ESTÁ É UMA PIADA. É O DESMANTELAMENTO DO APARELHO CULTURAL DO ESTADO.

CACO – Como está o Depósito agora? Além da montagem da peça infantil, outros planos?
ROBERTO - ESTAMOS EM FASE DE FISIOTERAPIA. PASSAMOS PELA PIOR FASE. SAÍMOS DA UTI. DEPRECIAÇÃO, INDIGNAÇÃO, SOLIDÃO, DESORIENTAÇÃO, E AGORA ESTAMOS NA FASE DA RECONSTRUÇÃO LENTA DO QUE SERÃO OS PRÓXIMOS DEZ ANOS. TOMARA, QUE TENHÁMOS APRENDIDO ALGUMA COISA COM ESTA PESADA LIÇÃO.
POR OUTRO LADO, ESTAMOS CHEIOS DE PLANOS, OU MELHOR DE PROJETOS. APRESENTAMOS DOIS PROJETOS PARA A FUNARTE, QUATRO PARA O FUMPROARTE. COM CERTEZA CONTRIBUIREMOS PARA TORNAR-LHES MAIS DIFICULTOSA A DECISÃO. TALVEZ ASSIM ELES PERCEBAM QUE O FUMPROARTE PRECISA DE MAIS DINHEIRO. COMO TU DISSESTE ESTAMOS PREPARANDO A FARRA DE TEATRO/2009 QUE PRETENDE SER UM ATO COMEMORATIVO AO DIA INTERNACIONAL DO TEATRO, ALÉM DE ENCERRAR A SEMANA DE PORTO ALEGRE E A EXPOSIÇÃO DOS 80 ANOS DA USINA DO GASÔMETRO. ESTAMOS LANÇANDO UMA COLEÇÃO DE POSTAIS COMEMORATIVOS AOS 10 ANOS DO NÚCLEO DE FORMAÇÃO DE ATORES DO DEPÓSITO DE TEATRO. ESTAMOS NOS INSTALANDO NA SALA 402 DA USINA DO GASÔMETRO, ABRIGADOS PELO PROJETO USINA DAS ARTES. PRETENDEMOS TRANSFORMAR NOSSA SALA NUM TEATRO DE BOLSO. ESTAMOS TRABALHANDO NA DIVULGAÇÃO DAS OFICINAS/2009. E VAMOS ESTREAR UM ESPETÁCULO INFANTIL CHAMADO O QUE SERIA DO VERMELHO DE NÃO FOSSE O AZUL EM ABRIL NO TEATRO RENASCENÇA.

CACO – O Depósito vai ocupar espaço na Usina do Gasômetro? Quais seriam os planos? A Bagasexta segue viva?
ROBERTO - SIM. ACABEI DE RESPONDER TUA PERGUNTA AÍ ACIMA. PARTICIPAMOS DO EDITAL DO PROJETO USINA DAS ARTES E FOMOS CONTEMPLADOS COM A SALA 402. UMA SALA TODA DE VIDRO, COM UM PÉ DIREITO BAIXÍSSIMO, MAS QUE VAI SER NOSSO ENDEREÇO POR ALGUM TEMPO. PRETENDO REALIZAR ALGUMAS EXPERIMENTAÇÕES TEATRAIS APROVEITANDO O PEQUENO ESPAÇO QUE A SALA OFERECE.
QUANTO A BAGASEXTA, AS COISAS SÃO MAIS DIFÍCEIS. ALÉM DE ESTARMOS OUTRA VEZ SEM UM LUGAR ADEQUADO PRA FAZER NOSSA FESTA PERFORMATICA, ESTAMOS DESFALCADOS DO JULINHO (ANDRADE) E DO MARCELO (AQUINO) QUE ESTÃO ATUANDO NO EIXO RIO/SÃO PAULO. O FUTURO DA BAGASEXTA É INCERTO. TALVEZ A GENTE FAÇA COMO O "TANGOS" E O "BAILEI", UMA VEZ POR ANO A GENTE REAPARECE E FAZ UMA GRANDE BAGASEXTA ANUAL.

CACO – Andaste fora dos palcos por um tempo, mas foste percebido em várias plateias. Como estás vendo a cena atual em Porto Alegre?
ROBERTO - COISAS DO WORD. FIQUEI HORAS DIGITANDO E PERDI AS TRÊS ÚLTIMAS RESPOSTAS. TENHO IDO MUITO AO TEATRO. EU ADORO TEATRO. QUANDO NÃO ESTOU FAZENDO ESTOU ASSISTINDO. SAIO DE CASA PREPARADO PRA GOSTAR DA PEÇA QUE VOU ASSISTIR. TORÇO PELO BOM TEATRO. A PEÇA COMEÇA E EU VIBRO COM AS PRIMEIRAS IDÉIAS, MAS E DEPOIS? AS COISAS QUE TENHAM VISTO SÃO MARAVILHOSAS TENTATIVAS DE ALGO QUE NÃO ACONTECE. NÃO CONSIGO FICAR EMPOLGADO COM AS COISAS QUE TENHO ASSISTIDO. NADA TEM OUSADIA. POUCAS PEÇAS TÊM TEATRO-ARTE. ASSIM COMO SOU ADEPTO DO FUTEBOL-ARTE, SOU ADEPTO DO TEATRO-ARTE. FORA OS SHEAKESPEARES E POUQUÍSSIMOS OUTROS TRABALHOS, A DRAMATURGIA É FRACA, TÍMIDA. UM CONTEÚDO INDEFINIDO RESULTA NUMA FORMA INDEFINIDA. ATUAÇÕES IMPRECISAS E DÉBEIS. DIREÇÕES CONFUSAS E MAL DESENHADAS. É CLARO QUE TEM (AINDA BEM, NÉ?) EXCEÇÕES. EU SEI QUE TRABALHAMOS COM A PRECARIEDADE, COM A FALTA TOTAL DE RECURSOS, MAS... TENHAM DÓ.
MAS TAMBÉM ACHO QUE ISTO É UM REFLEXO DA MANEIRA COMO A CULTURA É TRATADA. COMO ENCARAMOS AS QUESTÕES CULTURAIS. NA MINHA OPINIÃO, TUDO ESTÁ INTERLIGADO. NÃO CONSIGO PENSAR QUE TUDO ACONTECE ISOLADAMENTE. FECHAR AS PORTAS DO DEPÓSITO DE TEATRO ESTÁ INTERLIGADO A ATITUDE DE EXPULSAR OS GRUPOS DO HSP. A MANEIRA COMO A UFRGS TRATA A CULTURA, UTILIZANDO-SE DA LEI ROUANET PARA CAPTAR RECURSOS PARA PRESERVAÇÃO DE SEUS PRÉDIOS E MANTENDO A MINGUA O DEPARTAMENTO DE ARTE DRAMÁTICA ESTÁ INTIMAMENTE LIGADA A PASMACEIRA QUE DOMINA A SECRETARIA DE ESTADO DA CULTURA QUE VEM PERMITINDO O DESMATELAMENTO DA PARCA ESTRUTURA CULTURAL DO ESTADO. TODOS ESTES PROBLEMAS E QUESTÕES SÃO FACES DIFERENTES DE UM MESMO UNIVERSO. PARA MIM OS RESULTADOS NA ÁREA ARTÍSTICA DEPENDEM DIRETA E INDIRETAMENTE DE BONS GESTORES E DE BONS RESULTADOS NO ÂMBITO ADMINISTRATIVO CULTURAL.
CACO – Já foste premiado com o Açorianos de Melhor Ator por "O Ferreiro e a Morte" (1987) e por O Estranho Sr. Paulo (1996), com o Açorianos de Melhor Ator Coadjuvante, por "Decameron" (1993), e com o Tibicuera de Melhor Ator Coadjuvante, por "O Rei Nunca Riu" (1993).Mas tens frequentado sets de filmagem cada vez mais. Queres te dividir entre cinema e teatro? E qual a diferença entre a atuação no cinema e no teatro?
ROBERTO - SERIA MARAVILHOSO QUE TUA FRASE - "TENS FREQUENTADO SETS DE FILMAGEM" - FOSSE MESMO VERDADEIRA. APESAR DE TODOS OS PRÊMIOS CONSEGUIDOS NO TEATRO E APESAR DOS CINCO OU SEIS TROFÉUS QUE VIERAM DAS ATUAÇÕES NO CINEMA, AINDA ESPERO AQUELES CONVITES TODOS, EM QUANTIDADE, PARA QUE EU POSSA ME DIVIDIR ENTRE O TEATRO E O CINEMA COMO EU GOSTARIA. ACHO QUE O ATOR DEVE TESTAR SUAS CAPACIDADES INTERPRETATIVAS EM TODAS AS MÍDIAS POSSÍVEIS, PENA QUE AQUI NO ESTADO A GENTE NÃO POSSA REALMENTE EXPERIMENTAR-SE NA TELEVISÃO E NO CINEMA. SÃO POUCOS OS ATORES GAÚCHOS QUE CONSEGUEM ADQUIRIR UMA CERTA PRÁTICA E FAMILIARIDADE COM OS RECURSOS DA TV E DO CINEMA, BEM COMO DE SUAS DIFERENÇAS E PARTICULARIDADES.

CACO – Já ouvi falar que estavas te dedicando a escrever um livro. Procede? Que livro seria esse?
PROCEDE. ESTOU TENTANDO EDITAR UM LIVRO COM QUATRO PEÇAS INFANTIS QUE ESCREVI NOS ANOS 80 E 90. MAS O LIVRO A QUE TE REFERES TEM O TÍTULO PROVISÓRIO DE NO SMOKE - DIÁRIO DE UM (QUASE?) EX-FUMANTE, QUE, COMO O TÍTULO INDICA, CONTA NA FORMA DE UM DIÁRIO OS PROBLEMAS ENFRENTADOS POR UM SUJEITO QUE ESTÁ DETERMINADO A PARAR DE FUMAR. O LIVRO SE COLOCA NA LINHA DOS LIVROS DE HUMOR. NA MESMA VERTENTE DAS COISAS QUE O VERÍSSIMO ESCREVE. GUARDADAS AS PROPORÇÕES, É CLARO. TERMINEI DE ESCREVÊ-LO NO ANO PASSADO E AGORA ELE SE ENCONTRA EM FASE DE TESTES. ENTREGUEI CÓPIAS PARA DEZ AMIGOS SELECIONADOS E ELES ESTÃO LENDO E ANOTANDO SUAS CRÍTICAS PARA UMA PROVÁVEL SEGUNDA REVISÃO GERAL. ESTOU PROCURANDO QUEM QUEIRA EDITAR. QUERES SER MAIS UM DOS LEITORES-TESTADORES? ALGUÉM AÍ QUER LER? ALGUÉM AÍ QUER EDITAR?

PRÓXIMO ATO - QUARTO DIA

2008-11-07T18:08:00.000-08:00

Quarto dia de encontro, terceiro encontro matinal com a plenária reunida. Quinze grupos de outros estados e alguns grupos paulistanos - na abertura se falou em 60, mas na prática devem ter cinco ou seis participando efetivamente - reunidos para uma manhã de resoluções e encaminhamentos. Afora duas ou três idéias anotadas, não conseguimos chegar a nenhuma conclusão ou proposta de ação, mobilização, articulação de qualquer espécie. Sintomático. Parece que preferimos reclamar e ter sempre do que reclamar, reclamar da curadoria do encontro, do patrocinador do encontro, resmungar, choramingar, ao invés de buscar objetivamente possíveis soluções para o problema. Simplesmente não conseguimos. Vários colegas expressaram sua avaliação do encontro em São Paulo. Pontos negativos foram levantados e repassados e repassados. Propostas passaram várias vezes pela roda e não criaram eco.

As propostas de encaminhamentos deveriam atender a quatro grandes temas ou questões apontadas pelos grupos, durante os dois encontros matinais anteriores, como "as quatro mais" do Próximo Ato - Etapa São Paulo:

1. Diálogo com a sociedade.

2. Políticas públicas de financiamento do teatro.

3. Compartilhamento e crítica estética entre grupos.

4. Repertório e políticas vigentes de programação.

Talvez, se pensassemos em duas ações para cada uma das quatro questões, conseguíssemos apontar mais do que as duas a que, depois de mais de duas horas de reunião, chegamos:

1. Alimentar um blog com links para os quatro temas. O que contempla os quatro itens.

2. Intervir na dinâmica dos festivais criando momentos de encontros dos grupos. Que contempla somente a 'questão número 4.

E o diálogo com a sociedade? Nenhuma idéia?

E sobre as políticas públicas?

amanhã teremos mais uma rodada de duas horas para tentar novamente chegar a mais alguns encaminhamentos.

De tarde, o último encontro com Erika Fischer-Lichte, onde ela projetou trechos de peças do grupo alemão Murx - visto num PoA em Cena - e analisou cirurgica e brilhantemente cada uma das peças. Depois os produtores ingleses David Jubb e David Micklem ministraram uma dinâmica chamada Playgrounding, um minicurso que é um processo de improvisação arquitetônica. Coisa pra inglês ver. A realidade dos caras é muito distante da nossa, mas também lá, cultura é a primeira coisa que se corta quando aparece a palavra crise.

Noite: duas palestras bacanas: a mexicana Ileana Diéguez e o brasileiro Ismail Xavier, mega doutor e professor da USP na área de cinema. As palestras eram díspares mas se encontravam de maneira formidável. Ela falando nas experiências de teatralidade contidas nas intervenções cênicas urbanas, e ele destrinchando Glauber Rocha e sua teoria sobre a "Estética da Fome". Senti que conseguiram expandir as mentes e limites da nossa imaginação e da nossa teatralidade.

PRÓXIMO ATO - TERCEIRO DIA

2008-11-06T16:31:00.000-08:00

Mais um dia de encontro.

De manhã, lá fomos nós para mais uma sessão de Espaço Aberto na Casa das Rosas. A plenária, um pouco menor do que no dia anterior por causa das ausências, decidiu discutir quatro temas: reformas na lei rouanet, diálogos com a sociedade, crítica e residência entre grupos e um quarto tema que não lembro agora qual era, mas isso não tem muita importância porque esta sala de discussão e a que deveria tratar da lei rouanet acabaram não acontecendo. Assim, dois assuntos foram aprofundados e embora não se tenha chegado a conclusões definitivas, foi possível ouvir os mais variados relatos e teorias a respeito de cada uma das questões.

À tarde, mais uma árdua rodada de duas horas com a alemã Erika Ficher-Lichte e depois, outro encontro com a mexicana Ileana Diéguez que apresentou vários exemplos de invenções estéticas urbanas como prática de manifestação política que atua num limite entre o teatro e a teatralidade.

O encontro da noite acabou mais cedo pra mim. Isso porque um dos palestrantes convidados era, nada mais nada menos do que o ator, diretor, autor, dono de teatro, homem das artes, gestor cultural e vítima da ditadura, Sr. Celso Frateschi. Pois este Sr. é o grande, o maior, responsável direto pelo encerramento das atividades do Depósito de Teatro. Consegui ouvir sua palestra vazia em que, dos trinta minutos que dispunha, gastou 28 falando sobre como ele mesmo era bom e importante e como havia sofrido com a ditadura, e como havia aprendido com o Boal, e , enfim, como ele era magnífico e engajado. Mas, não levem muito em consideração o que estou escrevendo, porque sinto muita raiva desta pessoa. Mas que a palestra foi vazia foi. Tanto o papo de produtor de primeiro mundo dos Davids, quanto a discurso do Frateschi puxaram para baixo o nível bacana das discussões.

Em determinado momento ficou insuportável, mesmo repugnante ficar olhando o rosto e ouvindo a voz da referida sumidade que destruiu um sonho coletivo plantado em 1998 e que portanto, deveria estar festejando seus 10 anos, como o Espaço Ágora, do Sr. Celso Frateschi, que decretou este estado de luto em que nos encontramos. Tive que me retirar porque comecei a pensar que tipo de ação eu poderia fazer ou que tipo de atitude eu deveria tomar. Pena que a idade parece que nos torna absurdamente sensatos, e para não estragar a imagem do encontro preferi sair a armar um barraco na hora do debate.

Voltei pro Tulipp Inn pensando algumas coisa que ja pensei, do tipo como pode um homem de teatro, um artista que tem um espaço e o mantém, se torna cego pelo poder de um cargo ridículo no qual não consegue se manter por mais de dois anos, e não enxerga o chão que está pisando e amassa uma flor tão delicada quanto o nosso grupo de teatro? Pensei coisas novas: Como uma pessoa que acaba com um grupo de teatro por omissão e descaso pode ser convidado por uma instituição para falar num encontro internacional de teatro de grupo? Como uma pessoa que tem o seu nome envolvido em acusações de favorecimento do cargo em benefício próprio pode ser convidada para falar num encontro internacional de teatro? A primeira resposta é fácil: eles não sabiam nada sobre a história do Depósito. Mas no segundo caso, todos sabem das acusações feitas nas páginas de O Globo e puderam ler a troca dos e-mails disparados entre os burocratas da Funarte e este senhor. E me parece que, como nas eleições, somente a suspeita, o envolvimento do nome, já deveria afastar este tipo de pessoa deste tipo de evento. Mas não. Talvez o Itaú Cultural esteja envolvido nesta lavagem de nome de pessoa. Ou talvez, ele seja amigo dos curadores e de algum deles. Ele não disse nada além de referir-se a si próprio e "limpar" o seu nome dando a platéia a "sua ficha". Voltei pro hotel carregando um enorme peso, uma tristeza enorme.

Minha única atitude foi entregar-lhe uma carta acusando-o, responsabilizando-o pela morte do Depósito de Teatro que aqui ninguém sabe, mas é um grupo de Porto Alegre, com dez anos de existência e uma série de excelentes trabalhos prestados a cidade e a comunidade em que estava inserido.

PRÓXIMO ATO - SEGUNDO DIA

2008-11-05T17:58:00.000-08:00

Bem puxado esse negócio aqui. Trabalho das nove da manhã às dez e meia da noite. E no dia seguinte tem de novo. Hoje o dia começou na Casa das Rosas, maravilhoso palacete, acho que do início do século XX, com um roseiral gigantesco. Foi aí o encontro da manhã, que começou as nove e meia com o trio de curadores explicando a dinâmica do Espaço Aberto, que discute temas que partem das inquietações dos próprios participantes e congrega os participantes que, livremente, se inscreverem para debater sobre este ou aquele tema. A idéia é aproveitar o clima de liberdade de assuntos que existe num coffe-break, por exemplo.

Foram apresentados 12 temas para discussões, que foram divididas em duas sessões de debates de duas horas cada um. Cada participante só pode escolher dois temas e então torna-se uma escolha muito difícil pois a gente gostaria de estar pelo menos em três lugares ao mesmo tempo. Isto é impossível. Mas participar de três discussões é possível porque as regras deste enorme coffe-break permitem que você se retire de uma reunião e entre em outra, no momento que a primeira não esteja mais lhe interessando. Todos os temas expressavam questões centrais e comuns a todos os teatreiros de norte a sul do Brasil.

Almoço, adivinhe onde? No restaurante do Itaú Cultural.

De tarde dois mini-cursos. Adivinhe onde? No Itaú Cultural. O primeiro, "O Que Acontece no Entremeio - Teatro Como Espaço Liminar" com a mega doutora e professora phd total Erika Fischer-Lichte que abordou as diferenças entre o fenômeno da encenação e o da apresentação, explicitando que a experiência da apresentação é absolutamente única e muito mais efêmera do que o próprio fenômeno teatral, uma vez que cada apresentação é a soma de relação entre aquele grupo de atores e aquele grupo de espectadores e que uns afetam aos outros simultaneamente.

Depois foi a vez da mega doutora e professora phd total Ileana Diéguez provocar a platéia com o tema "Os Limiares da Cena - Teatralidades, Performances e Política", através do qual palestrou sobre os limites do teatro, ou melhor, sobre as fronteiras do teatro com outras artes performáticas, como por exemplo a instalação. O teatro como arte liminal ou numa liminaridade que aproveita vários elementos do teatro recombinados com outros meios artísticos. Ilena apresentou cenas de uma re-criação de Antígona, que relacionava-se diretamente com um momento político do Peru, onde o Presidente Fujimori havia proibido de se falar nos túmulos encontrados numa escavação. E duas outras experiências que transbordavam teatralidade, mas preenchiam-se (será enriqueciam-se?) com elementos de outras áreas da arte.

De noite, mais uma rodada na Sala Vermelha do Itaú Cultural, que só não é maior por falta de espaço. Se fosse em Itú, certamente teria o dobro do tamanho. Com 0,5% da verba anual que sustenta uma estrutura daquele tamanho não teria acontecido o que aconteceu com o Depósito de Teatro. Mas isso é outro assunto.

De noite, duas belíssimas palestras, imperdíveis: a professora Erika Fischer-Lichte dissertando sobre a totalidade da sua teoria sobre o fenomeno da apresentação, e o mega doutor e professor e phd total em estética e crítico de arte, Rodrigo Naves. Simplesmente, genial. Os dois palestrantes propuseram uma discussão de altíssimo nível cada um na sua área. Rodrigo Naves citou vários autores e filósofos alemães e isso fez com que a doutora Erika suavizasse a expressão que usava no início da fala do colega da artes plásticas. Ele começou falando baixinho, num tom quase monocórdio, mas que logo inflamou-se e se transformou num , tão apaixonado e provocativo, quanto bem humorado discurso sobre os limites apresentados a chamada arte contemporânea. Encantou a platéia inteira.

O debate acabou por falta de perguntas e porque o restaurante fechava as 23 horas e muita gente queria pegar o fimzinho do jantar. Como dizia Brecht, primeiro a barriga, depois o foder, depois...

PRÓXIMO ATO

2008-11-04T15:48:00.000-08:00

Pois aqui estou eu em São Paulo, participando da sexta edição de um encontro internacional de teatro, chamado Próximo Ato, do qual a gente só está tomando conhecimento agora. É que este ano os organizadores do evento resolveram ampliá-lo para estados brasileiros. Nas cinco primeiras edições tudo se passou em São Paulo. Desta vez aconteceu em Belo Horizonte, Recife e Porto Alegre, sendo que cada uma destas cidades reuniu os estados da sua região geográfica. À frente desta gigantesca empreitada está o Itaú Cultural, braço do Banco Itaú para apoio às artes.

Os organizadores abriram a noite agradecendo a participação de todos, explicitando os objetivos da entidade, aquilo que esperam de semelhante encontro e passaram a palavra aos seus parceiros que são espécies de adidos culturais dos consulados da Espanha, França, Inglaterra e Alemanha. São ele que pagam as despesas da parte internacional do encontro. O Itaú cobre a parte nacional e prometem para o próximo ano ampliar ainda mais o Próximo Ato, levando-o para todas as regiões do Brasil, com a brilhante idéia de mapear a ação do teatro de grupo, e por extensão, da produção teatral brasileira. Pelo menos daquela produção que realmente interessa e que, via de regra, é realizada pelo chamado teatro de grupo, coletivos artísticos que tentam superar a precariedade, que é comum a todos, através da geração de experiência e da busca de uma forma estética mais ou menos radical.

Na sequência, falaram os curadores: Maria Tendlau, Antônio Araújo e José Fernando Azevedo. Como este é o terceiro ano consecutivo que o trio faz a curadoria do evento, eles esmiuçaram os propósitos do encontro e repassaram cada uma das três edições que comandaram, demonstrando que avançam num caminho lógico que ano a ano aprofunda a discussão sobre os resultados alcançados pela atividade teatral em grupos. A questão que se impõe no encontro diz respeito a timidez formal que resulta das experiências vividas nos grupos teatrais. Causas? Consequências? Façam suas apostas?

Depois, todos para o lançamento do livro que reúne textos desenvolvidos nas cinco primeiras edições do evento e, é claro, o indefectível coquetel. E todos, eram muitos. Bonito de se ver. Bonito de fazer parte e ver-se como um tentáculo de um movimento que a gente nem imagina a extensão e o potencial de atuação, mobilização e difusão de idéias, pensamentos e estéticas. Maravilhoso. Vieram 25 pessoas de outros estados para reunirem-se com mais de 60 paulistanos da capital o do interior.

E logo a seguir: os negócios. Os malditos e necessários contatos. Conhecer pessoas, conversar, trocar. Muitos sorrisos, apertos de mão, conversas vazias, ou seja, a velha cordialidade e hipocrisia, repito necessária, mas nem por isso menos hipócrita. Infelizmente, não gosto desta parte e mesmo entre os meus, sinto-me um peixe fora d'água. Percebo que não sou a pessoa certa para estar aqui, mais ou menos, na qualidade de representante do movimento de teatro de grupo do Rio Grande do Sul.

Saí de fininho e voltei para o hotel. Golden Tulipp. Mais bicha, impossível.

DEPÓSITO DE TEATRO FECHA SUAS PORTAS

2008-09-21T09:36:00.000-07:00

Como ja deve ser do conhecimento de muita gente o Depósito de Teatro, justamente no ano em que completaria dez anos de atuação e luta renhida pela sua permanência, encerra suas atividades e fecha as portas da sua sede na Rua Câncio Gomes. Com o emblema de "10 anos de resistência e prazer", o grupo investiu todas suas fichas na manutenção de uma sede e na produção de uma obra artística inegavelmente de altíssima qualidade para os padrões locais. Injetou energia, sangue, suor e lágrimas; inventou e reinventou propostas teatrais, intervenções em diversos espaços, performances; atuou efetiva e dignamente na formação de platéia e de novos atores; tendo recebido por tudo isso o seguinte comentário do jornalista e ex-vice-governador do Estado, Antonio Hohlfeldt: “Pode-se dizer que, hoje em dia, o Depósito de Teatro (...) tornou-se o palco mais significativo de nossa atual cena teatral”.*
Algumas idéias e ações foram pensadas para denunciar à opinião pública os porquês de tão repentina decisão. A simples razão do silêncio é que o grupo teme represálias. Imaginem um grupo de artistas se cala porque teme represálias do poder público. É quase pior do que a censura.
Em que pese este temor, vários são os acontecimentos que podem ser apontados como causadores da dissolução do grupo e entrega dos prédios aos seus proprietários. Sim, o Depósito de Teatro era inquilino. Não era o proprietário nem do espaço da Benjanim, tampouco do da Câncio. Pode-se começar citando a audácia e pretensão do grupo em vislumbrar a criação de um centro multicultural numa região da cidade absolutamente carente de recursos e horizontes, formada, principalmente, por papeleiros e sub-empregados em geral, na sua maioria com baixíssimo nível de instrução escolar ou analfabetos; sem nenhuma possibilidade de acesso e expressão cultural; uma zona insegura, empobrecida e decadente da cidade. Contrariando todas as regras de mercado e previsões marketeiras, o grupo trocou a Av. Benjamin Constant por um novo endereço onde impera o descaso e o abandono, tanto do poder público quanto dos empresários reclamões da área.

É obvio que os integrantes do Depósito sabiam onde estavam se metendo. A praça da vergonha (não entendo como nenhum ecologista reclamou do que fizeram com a praça. Onde está a Agapan?) e seus arredores são focos de miséria, exploração sexual infantil e juvenil, “bocas” de tráfico, gangues de meninos de rua e grupos de moradores de rua, além de uma máfia de pequenos contraventores. É certo que eles escolheram aquele endereço porque acreditavam piamente que o teatro poderia provocar uma sensível diferença naquele lugar. "Estabelecer ali um foco de luz", com definiu a atriz Sandra Possani.
Outros pontos que devem ser apresentados como determinantes neste ato de pendurar as luvas e abandonar o ringue, dizem respeito justamente a dinâmica e o comportamento dos membros da Associação Cultural, que manteve, ao longo destes dez anos, uma atitude bastante relapsa em relação a questões de crucial importância na gerência de um empreendimento cultural. Inaptidão administrartiva; despaixão pela contabilidade; a insuportabilidade do peso asfixiante da burocracia imposta à cultura; inedaquação para gerenciar um empredimento cultural; comportamento relapso diante de questões chave na administração de uma empresa do setor cultural (que é o que somos obrigados a ser); comportamento relapso e pusilânime em relação ao gerenciamento cotidiano e profissional do grupo e do espaço.
Mas, a frente de todos estes motivos, dois se destacaram e decretaram a impossibilidade total de continuidade. Dois principais motivos minaram até a raiz mais profunda a resistência, o prazer e a crença na luta cultural que o grupo sempre manteve: a atitude injusta, arbitrária, imoral e autoritária da Funarte que à revelia de todas as provas apresentadas e desconhecendo o excelente histórico do grupo, penalizou a Associação não só, a devolver a quantia de trinta e quatro mil reais (mais ou menos o mesmo valor de que foram vítima comprovada pela justiça de um roubo praticado por sua produtora), e além disso simplesmente diz que o grupo perdeu o direito a outros 180 mil reais a que a Associação fez jus licitamente em dois outros editais promulgados e definidos pela referida entidade. Mas, sobre isso quero falar mais extensamente outro dia. Hoje quero tratar do outro motivo: a Prefeitura de Porto Alegre, administração José Fogaça.
Artista, intelectual, homem de visão, democrata, ora num partido, ora noutro, José Fogaça recebeu solenemente a diretoria da Associação em seu gabinete de audiências da Prefeitura. Na ocasião o grupo lhe apresentou o Projeto Entorno Solidário, que resumidamente propõe uma série de ações artístico-culturais-profissionalizantes no entorno da sede, em troca de uma verba que seria investida na manutenção do grupo e do espaço. O próprio grupo se encarregou de indicar ao prefeito a fonte desta despesa: o PIEC - PROGRAMA INTEGRADO ENTRADA DA CIDADE, que prevê em seus estatutos que sejam apoiadas financeiramente idéias e projetos de natureza cultural. O dinheiro existe e vem do Banco Mundial. Ou seja não sai um centavo dos cofres municipais e a cidade ainda ganha um centro cultural descentralizado cuja proposta é encarar o "trabalho sujo" que vem sendo feito justamente por ONGs e outros artistas kamikases. Era o negócio da China. O prefeito ficou encantado com o projeto. Ordenou imediatamente que seus assessores tomassem todas as providências cabíveis. Resultado: passados quase um ano e oito meses o projeto continua(?) tramitando pela Prefeitura. Passados uma ano e oito meses o grupo vinha sendo suavemente enrolado pela amabilidade e simpatia da Secretaria Municipal da Cultura que tentava débil e suavemente pressionar a liberação da verba.
Falta de visão do Fogaça? Ele estava mentindo e enganando descaradamente o grupo? Ou foi preguiça e falta de visão dos seus comandados? O dinheiro foi usado para outra coisa? Como vão prestar contas da parte do dinheiro que deveria ser aplicado em projetos da área cultural? Incógnitas não explicadas.
O resultado é que por BURRICE, DESCASO ou MÁ GESTÃO DE VERBA, a cidade de Porto Alegre perdeu a oportunidade de implantar um projeto que poderia ser piloto na área cultural, além de perder um espaço cultural maravilhoso numa área de risco.

O GRUPO DEPÓSITO DE TEATRO, privado da comemoração de décimo ano de intensas e memoráveis realizações, perde sua base, sua casa, sua cara, sua referência, seu centro de operações, perdeu o tesão, perdeu o rumo, o sentido de existir, perdeu totalmente a confiança neste neste governo de realizações medíocres, que tratou com medidas paliativas (algumas muito boas, mas paliativas) questões tão importantes quanto a manutenção dos espaços culturais sob administração de grupos de teatro e da sobrevivência dos próprios grupos.

Tendo em vista que o município não dá conta de construir ou instalar e administrar novos espaços culturais em regiões descentralizadas da cidade, e, aliás, nem no centro (o Centro Municipal de Cultura foi construído no final dos anos 70), é um absurdo irracional permitir a extinção de um grupo de teatro, é uma insanidade cultural perder a parceria de um grupo de teatro para cumprir uma missão que, no mínimo, é também da Prefeitura. Reflexo de como as coisas relacionadas a cultura são tratadas em nosso estado. Orgulho de ser gaúcho? Como assim? E na Cultura, não vai nada?

Modesto Fortuna
LEIA NO PRÓXIMO NÚMERO = OUTROS CAUSADORES DA MORTE DO DEPÓSITO DE TEATRO.
*Jornal do Comércio RS, 05 de agosto de 2005.
Foto: Kiran
Aparecem na foto: Os Três Patetas (Maria Falkembach, Sandra Possani, Roberto Oliveira) e José Fogaça.

SEICHO-NO-IE E O ENCANTO DAS MULHERES

2008-09-21T09:32:00.001-07:00

Na mesma época em que comecei a perceber a existência das mulheres e querer me aproximar delas, conheci e comecei a andar com o Hique, ou Rique ou Rife. Nunca entendi direito o nome dele. Um cara metido a maluco, mas bom companheiro de trabalho e um amigo legal que sempre tinha cigarros. A família dele, todinha, era da seicho-no-ie. Acreditavam que o mundo é uma projeção da mente, faziam viagens espirituais pelo espaço e diziam que tudo na vida era habitado pela presença divina e então tudo devia ser amado como se fosse o próprio Deus. Que viagem. Daí que o Rife tinha que amar pedras, latas de lixo, postes de concreto e garrafas de cerveja. Mas disso eu também gostava. De cerveja e das mulheres.
A gente saía juntos. Na Lancheria do Parque. Ia andar de skate no Marinha. Ou então dava longas caminhadas pela cidade procurando qualquer lance legal: uma festa, uma briga, umas minas pra beijar. Ou simplesmente gastava uma grana bebendo cerveja e cachaça em algum boteco bem fudido. Às vezes ele tinha que me carregar pra casa. Às vezes ele é que dava trabalho. Uma noite ele tomou um porre fudido e se apaixonou por um tijolo desses de seis ou oito furos. Levantava o tijolo na mão com reverência e me mostrava como o tijolo era lindo. “Eu te amo tijolo.” E começou a fazer carinho no tijolo. Abriu as calças e tirou o pau pra fora. Alisava o pau e o tijolo. Quando o pau ficou duro enfiou o negócio num dos buracos do tijolo e ficou metendo e cantando um mantra seicho-no-ie. O cara ficou engatado na porra do tijolo. O pau trancou lá dentro. Levei ele no Pronto Socorro com tijolo e tudo. Os caras riram de montão. Quebraram o amado tijolo com um martelo. O pau do Rique tava todo esfolado. Sangrando bastante. Depois dessa façanha passou a amar somente as mulheres e outros buracos mais delicados e receptivos e que também são habitados por Deus.

Nessa época foi que comecei a perceber as mulheres. Admirá-las. Antes eu nem as via. Apenas gostava de bater nelas. De espancá-las pra valer no recreio da escola, ver como choravam, desesperadas. De repente, comecei a vê-las de uma maneira diferente. Ficaram encantadoras, a ponto de me fazer acreditar que mulher é a coisa mais bonita que existe no mundo. Comecei a pensar que sobre elas pesa a responsabilidade por um mundo menos hipócrita. Mas isso já é outro papo. E não falo só por causa do lance da trepada, do prazer, sexo, etc... Falo de encanto mesmo. De beleza, saca? Assim como... o mar, uma palmeira balançando no vento, um bauru do Trianon, um Mercedes conversível... Beleza mesmo. Estética. Design. Cheiro, movimento e tesão. Como a garota que passa agora diante da minha janela. De tarde, solzinho dourado e ela parece um sorvete cremoso rebolando e me derretendo. Esfrego instintivamente o pau. O Caetano cantando alguma coisa na cozinha. Alguma coisa que diz: “o melhor lugar é ser feliz, o melhor é ter amor...”. Amor! Essa é a palavra. Eu, cheio de amor pra receber e ela, sobrando pra me dar. E como sobrava... Eu poderia chupá-la inteira durante dias. Deus habitava ela inteirinha. Eu poderia comê-la de mil e trezentas maneiras diferentes. O olho devorando. Uma cabeça imaginando e a outra sacando todas e crescendo, comichando. Inchando pra valer. E o olho já transbordando. A menina rebolando aquela bundona carnuda. Pensei que era muito fácil amar as mulheres. Sobretudo as lindas. Sobretudo aquela ali, na parada ônibus, na frente da janela do meu quarto. Encostada no muro como um passarinho pousado numa goiabeira. Um lacinho vermelho no cabelo. Aquele solzinho incandescendo de leve a pele dela. Vejo ela de biquini na praia. Vejo ela de calcinhas brancas. Vejo ela peladinha na minha cama. Vejo ela como eu quiser. Me convidando. Vejo Deus habitando a boceta dela e me chamando pra entrar no seu templo sagrado. Ela conversa com Deus e diz pra ele: “Vou dar praquele carinha que ta na janela me olhando. Tenho que dar pra ele. Vou foder ele todinho e chupar bem o pau dele.”
O Caetano calou a boca e eu, pra aliviar a tensão, fui até a cozinha mudar de estação. Outro bobalhão começou a cantar outra merda qualquer. Resolvi atacar. Saí à rua determinado e pude ver o ônibus arrancando. Na parada, caída no chão a fita mimosa vermelha com cheiro de champú barato. Cheiro de flor. Fita mimosa, perfume, cabelo de mulher, flor, mulher. Tudo da mesma família feminina. Coisas que se afinam, que guardam a beleza em si. Todas habitadas por Deus.
Voltei para o meu quarto e me converti imediatamente a seicho-no-ie. Cantei o mantra que tocava no rádio: “eu já não penso em mais nada, só consigo pensar em você...”, enrolei a fitinha mimosa vermelha no meu pau e mandei ver. Bati uma bronha bem devagarinho pensando na garota da parada e em todas as mulheres do mundo.

AINDA ORANGOTANGOS DUPLAMENTE PREMIADO NO FESTIVAL DE CINEMA DE LIMA

2008-08-20T08:21:00.000-07:00

O longa Ainda Orangotangos venceu dois prêmios no Festival de Lima, no Peru. Dirigido por Gustavo Spolidoro, o filme recebeu o troféu Spóndylus, para filme de estréia, e Roberto Oliveira venceu na categoria de Melhor Ator. Ainda Orangotangos ganhou o Primer Premio del Jurado a da Mejor Ópera Prima, recebendo o troféu Spóndylus e o valor de US$ 5 mil. Oliveira recebeu o prêmio de Melhor Ator pelo trabalho feito em Ainda Orangotangos e em Cão Sem Dono, de Beto Brant e Renato Ciasca. Ambos são produzidos pela Clube Silêncio em parceria com a produtora Drama Filmes.Faziam parte do júri, presidido pelo escritor peruano Mario Vargas Llosa, a atriz portuguesa Maria de Medeiros, o diretor argentino Marcelo Piñeyro, o jornalista francês e diretor do Festival de Friburgo Edouard Waintrop e o diretor chileno Silvio Caiozzi. Este é o 11º festival que o longa participa. Ainda Orangotangos já foi exibido no Festival de Roterdã (Holanda), Bacifi (Argentina), Toulouse (França) e Munique (Alemanha). Nos próximos meses, o longa será exibido em outros festivais importantes, como Sanfic, em Santiago no Chile; Milano Internacional, na Itália; Latinbeat, em Nova York; Films From the South, em Oslo, Noruega, e em Nouveau Cinema, em Montreal (Canadá).O filme, o primeiro todo rodado em um único plano-seqüência no Brasil, é uma adaptação de seis contos do livro homônimo de Paulo Scott. Gustavo Spolidoro e Gibran Dipp assinam o roteiro, que mostra 14 horas de um dia quente de verão, quando quinze personagens transitam pelas ruas e prédios de Porto Alegre. Ainda Orangotangos estréia dia 29 em Porto Alegre e no dia 5 de setembro nos cinemas de São Paulo e do Rio de Janeiro.

UM POUCO DE POLÍTICA

2008-06-17T19:08:00.000-07:00

Vocês viram o que está acontecendo no desgoverno Ieda? Loucura. A merda está transbordando. O Palácio e o Palacinho tão com os encanamentos completamente entupidos, a ferrugem tomando conta. O Buzatto vermelho na tv. O vice que quer o cargo. A Ieda que não sabe nada. A Cultura atirada as traças com a Mônica Leal lançando projetos na área. Estão todos loucos. E nós aqui embaixo. Continuo achando que deviam fechar a Secretaria de Estado da Cultura. Se é para ficar inativa, causando despesa orçamentária, melhor fechar. Ou manda de volta pra Educação e voltamos aos tempos do DAC-SEC. Ou bota o Busatto na Cultura. Melhor une a Cultura e o Detran. A Cultura entra com a LIC e o Detran com a grana das multas.

UM POUCO DE POLÍTICA

2008-05-05T07:30:00.000-07:00

Em vez de desmentidos oficiais,
O Governo Federal
Passará a divulgar
Rementidos acidentais.

UM POUCO DE POESIA

2008-05-05T07:27:00.000-07:00

SÃO 19 HORAS E 16 MINUTOS.
OS SEGUNDOS, NÃO OLHEI
PORQUE NÃO ADIANTA MESMO.
ELES VÃO PASSANDO.
UNS ATRÁS DOS OUTROS,
DESCONTANDO O MEU TEMPO.
m.f.

UM POUCO DE FILOSOFIA

2008-05-01T12:05:00.000-07:00

"O homem é acendido e apagado como uma luz no meio da noite"

Heráclito

JUNO - UMA BABAQUICE QUE RENDEU OSCAR

2008-04-19T15:53:00.000-07:00

A sinopse divulgada pelos releases de tudo quanto é site e veículo de imprensa diz que a jovem Juno, com apenas 16 anos "engravidou acidentalmente de um grande amigo com quem transou apenas uma vez". Pensando que ela é uma jovem bem informada da classe média americana que estuda numa escola cara e bacana, de cara, desconfiei que ela fosse bastante babaca. Daí pra escapar do aborto ela procura nos classificados um casal a quem possa entregar o bebê assim que ele nascer. E encontra um casal de ricaços que, vejam só, está querendo muito adotar uma criança e se propõe a bancar toda a brincadeira de Juno. A maneira como as coisas são resolvidas no filme não podem ser mais superficiais e rasteiras.

Histórias babacas como essa são absolutamente normais no cinema do mundo inteiro e, mais ainda, na mega indústria cinematográfica americana. Mas daí a entregar o oscar de melhor roteiro para esta melosa historinha escrita por Diablo Cody, que é tida como a roteirista-sensação do momento é, no mínimo, pra avacalhar com o troféu. E ainda tem sites e revistas dizendo que ela "tem um estilo invejável", que "os diálogos são espertíssimos, ácidos, com uma linguagem elaborada e ao mesmo tempo inocente", e que " a relação da personagem com o mundo é o que torna o filme memorável".
Não caiam nessa. É um filmezinho sessão da tarde com um elenco que vai de aceitável (a protagonista), passável (papai e madrasta) a muito fraco (amiguinho nerd comedor que não entende muito bem o que fez). Dinheiro gasto à toa. E preferível esperar que passe no SBT.

25 CENTAVOS

2008-04-08T14:30:00.000-07:00

Remexendo em velhos papéis guardados achei este conto de 1991. na época se chamava vinte e cinco cruzeiros, então atualizei. Aí vai.

O carinha vadiava pela noite chutando as pedras soltas que encontrava na rua. Muito na sua. Vagando pelas calçadas e meios-fios, falando sozinho. Às vezes até cantava bem alto, quase berrando, uns pedaços de músicas que lembrava. Lucy in the sky with diamonds, Lucy in the sky with diamonds... Ria. Imitava John Lennon. Imitava James Dean, James Bond, James Cagney, Jesse James e ria. Lucy in tthe sky with diamonds... Enfiou a mão no bolso e sentiu a pequena moeda sextavada. Pequena merda metálica socada no fundo do bolso direito do jeans surrado. Catou a dita cuja. Vinte e cinco centavos. Não chegava a trinta dinheiros, pensou. O que se pode fazer com vinte e cinco centavos?, perguntou pro primeiro poste de luz. Não dá pra nada, disse o poste. Dá pra tudo. Posso ficar famoso com meus vinte e cinco centavos... O poste riu sonoramente. Tá duvidando? Aceitou o desafio. Let it be... let it be... Entrou no primeiro bar e comprou uma caixa de fósforos beija-flor da companhia fiat lux tendo em média 40 palitos. Lucy in the sky with diamonds... Tocou fogo na mansão de um figurão do governo collorido, que por sorte ou azar estava metido no golpe da previdência. Com paciência, esperou a polícia sentado no cordão da calçada na frente do portão. Demorou de montão pra ouvir as sirenes. A casa estava praticamente destruída pelas chamas quando chegou bombeiro e camburão. Gritaria, sopapo, afobação. Logo depois pintou jornal, rádio e televisão. Pousou pras fotos com o nariz quebrado batendo um samba de breque na caixinha vazia. Deu entrevista pro SBT, pra Manchete e pra Globo assumindo a autoria. No outro dia bem de manhãzinha estaria com a latinha estampada em tudo quanto é jornal e canal de tv. Pra disfarçar a loucura e dar toque político pro assunto, já que o troço ia sair no horário nobre em rede nacional, leu diante das câmeras um manifesto dizendo que aquilo era um protesto contra discriminação racial, a matança no pantanal e a repressão sexual que sofreu desde menino. Que pepino: por ironia do destino, pegou vinte e cinco anos de retiro na Ilha Grande. Tirou de letra, com estilo e pensamento positivo na melhor tradição seishonoiê: Ainda bem que no meu bolso não tinha mais do que vinte e cinco centavos.

ARVOREZINHAS

2008-04-01T19:27:00.000-07:00

BATATAS E OUTROS BICHOS

2008-03-23T19:53:00.000-07:00

Todo dia era eu. Eu já não agüentava mais porque todo dia era eu. Me acordavam todos os dias às quatro e meia da manhã. Caralho! Às quatro e meia da manhã... Eu ficava com vontade de matar as pessoas que cruzavam por mim, mais ou menos, até às dez e meia. Isso quando eu comia alguma merda qualquer. Se tivesse com fome, com a merda da barriga roendo as tripas, só depois do rango é que dava uma diminuída na minha ira, minha gana de foder com os outros só se esvaia quando eu metia alguma coisa na barriga. E nem todos os dias eu comia por causa da úlcera e do enjôo. E isso é o que mais me danava, mais me deixa puto. Todo dia era eu. Tinha uns 50 caras pra escalar, mas todos os dias eu era escalado pra trabalhar na cozinha... Podiam fazer um rodízio, mas não... Eles te fichavam. Pegavam no pé do carinha direto. Vai ver achavam que eu não tinha capacidade pra fazer outra coisa...

E se o trabalho fosse mesmo na cozinha... se ainda fosse na cozinha... nem na cozinha não era... não era na cozinha diretamente... Na real, era numa peça fechada, meio escura, que ficava do lado da cozinha. O cheiro era de matar qualquer um. Não tinha nenhuma janela. Só uma mesona de madeira, velha pra caralho, e um banco comprido de cada lado da mesa. A gente sentava ali antes das cinco e ficava direto até a hora do rango, que começava a ser servido a partir das onze e meia, pontual, nunca atrasava. Às vezes se esqueciam de chamar a gente e a gente ficava trabalhando até dar vontade de mijar ou sentir o cheiro da comida e uma fome do caralho. Todos os dias eu trabalhava na cozinha sem nem entrar na cozinha. Sem que pudesse me beneficiar do poder de trabalhar na cozinha. Quem trabalha na cozinha é rei. Todo mundo quer trabalhar na cozinha. Gente da cozinha não passa fome nunca. Meu trabalho era, das cinco da manhã até as nove, nove e meia, junto com outros cinco caras, descascar batatas e beterrabas e cenouras e chuchu e outros bichos desses. E depenar galinha. E desfolhar espinafre.

Dependendo dava uns seis, sete, dez minutos de intervalo, pra mijar pra cagar e soltar uns peidos que a gente mesmo fez uma lei de não poder peidar dentro da porra do cubículo. Ta certo. Imagina... Quando algum de nós descolava um cigarro a gente fumava no intervalo passando de mão em mão. Era raro, mas de vez em quando rolava da gente fumar um fininho. Fazia a cabeça e voltava pras batatas.

Os mesmos auxiliares que traziam os sacos de batatas, voltavam e recolhiam as merdas dos legumes descascados. Eles se achavam mais do que nós. Acho que era porque tinham uniforme. Mas eles também não trabalhavam direto na cozinha. Só carregavam as coisas pra lá e pra cá. Mas pelo menos tinham acesso à cozinha. Passavam a manhã inteira paleteando peso. Traziam todo tipo de merda pra gente picotar. Lá pelas dez eles apareciam com sacos de feijão e largavam ali dentro pra gente escolher o feijão. A gente fazia questão de que todas as pedras estivessem com certeza dentro do feijão. Eles nunca reclamavam. Pra eles tanto fazia. O trabalho com o feijão era o mais molezinha. A gente simplesmente fazia barulho com eles e jogava pra dentro dos grandes baldes de plástico transparente que os auxiliares uniformizados vinham buscar quando tava tudo escolhido. Depois de tanto tempo trabalhando naquele compartimento fudido eu era ninja na arte milenar de descascar batatas, tirar a pele das cenouras e picar chuchu em cubinho e debulhar milho e todas essas porras dessas merdas. E assim, eu ia levando minha vidinha tranquilamente. Me fingindo de morto, bem quietinho no meu canto pra todo mundo se esquecer de mim. Eu era o homem-invisível.

Quando o negãozinho dos dentes separados que uma vez me deu um cigarro veio buscar dois baldão de feijão escolhido, o cara grandalhão de verde que trabalhava sempre sentado na minha frente já fazia uns dois anos, pulou no pescoço do moreno, e furou o pescoço do cara com a faca de descascar batatas que tinha uma pontinha bem fininha pra gente tirar os olhinhos das batatas e era bem afiadinha e bem que dava pra explodir mesmo a goela dum. Que sangüera. Era sangue pra caralho. Saltou pra tudo quanto é lado. Espalhou feijão pra tudo quanto é canto. O cara gorgolejou e caiu pra cima da mesa ensangüentando metade dos feijões que tavam em cima da mesona de madeira. O cara de verde pulou em cima dele e começou a tirar a roupa do negãozinho que não sabia se segurava a goela pra tapar o furo ou se tentava impedir o grandão de tirar as roupas dele. O cara de verde bufava, tava realmente alucinado. Parou de arrancar as calças do negãozinho dentuço, pegou a faquinha e furou o carinha de novo, desta vez enfiou fundo embaixo do suvaco e continuou um pouco afundando e rodeando a faca na ferida. E daí voltou a tirar as calças e a roupa toda do pobre do carinha que tava fudido na mão do grandão que tava completamente irado. Tirou toda a roupa do carinha. Ficou peladinho. Pegou a faca e furou o negãozinho na bochecha. O crioulo gritou pra caralho. A gente não sabia o que fazer... ficamos todo mundo colado na parede, de cara, quando espirrou o primeiro sangue eu ja tava encostado na parede. Os outros foram levantando cada um na sua, todo mundo apavorado e vieram também se encostar nas paredes. Todo mundo com os olhos estalados, olhando a cena na nossa frente. Macabro pra caralho. O negãozinho deu dois gritos de arrepiar e olhava pra gente pedindo ajuda. O cara ajeitou a boina verde, deu uma olhada pra nós, como quem pergunta se alguém vai querer se meter, agarrou a maior cenoura que achou atirada por ali e virou o cara de bunda pra cima e enfiou a cenoura inteirinha no cu do negão. Juro que fechei os olhos. Não aguentei. A úlcera moeu forte na barriga.

Não demorou pintou o pessoal da segurança. Tudo de terno preto, todos de óculos escuros. Cercaram o grandão, mandaram largar a faca... Ele largou... Desceram o pau nele. Bateram pra caralho. Todo mundo junto. Não é que nem filme de kung-fu que vai um de cada vez. Entrou todo mundo junto, rebentando. Eram uns dez dando porrada. Rebentaram a cara dele pro resto da vida. Chutaram tanto nas costas e por tudo que não sei como o desgraçado não morreu. Se é que não morreu. Acho que morreu. Arrastaram aquele enorme cara como se fosse um trapo e levaram ele pra sala da segurança que ficava lá embaixo junto com a sala das máquinas. Depois, chegaram três carinhas da faxina, de macacão amarelo, bacana, cheios de vassoura e de balde e de esfregão de tudo quanto é jeito, acompanhados por um baita negrão da segurança que eu até conhecia de vista. O negrão da segurança mandou a gente liberar a salinha pro pessoal da limpeza limpar o sangue e lavar os feijões e levou a gente pra cozinha. Caralho, eu me dei conta que nunca tinha entrado na cozinha. Fiquei olhando pra tudo quanto é lado. Aquele monte de panela brilhando. A fumaça fumegando. Um monte de gente trabalhando. Um cheiro forte dum monte de rango diferente. A minha barriga chegou a roncar alto. O negrão da segurança disse pra gente sentar num banco e tirar o resto do tempo de folga e se a gente quisesse podia até antecipar e fazer um rango logo. É claro que a gente quis. O negão falou que o negãozinho, o auxiliar de cozinha tinha violentado a irmãzinha do grandão de verde. Então, mereceu mesmo uma cenoura na bunda. Pena que não foi mais cedo daí a gente podia ta comendo antes ainda.

PESADA LIÇÃO DE VIDA

2008-02-14T17:04:00.000-08:00

Existem determinadas pessoas que nos fariam um enorme favor se ficassem longe da gente. Pessoas que se infiltram em nosso meio para causar dores e prejuízos não precisavam sequer existir. Ou então deveriam nascer baratas. Vermes.

Em agosto de 2004 o Depósito de Teatro, acreditando estar dando um passo em direção a profissionalização dos seus integrantes, chamou uma produtora executiva para tocar a produção do espetáculo "QURIOZAS QOMÉDIAS" que havia conquistado o financiamento do Fumproarte e permitia esta extravagância. Logo em seguida fomos classificados em outros editais e passamos a direção de produção para esta mesma moça que trabalhou no Depósito até o dia 11 de julho de 2006 quando declarou ter desviado uma quantia de aproximadamente 30.000 reais da conta bancária da Associação, sendo que esta soma era o total de vários golpes nos quais o dinheiro era surrupiado de várias formas diferentes e durante todo tempo em que ela trabalhou com a gente. Fomos vítima de estelionato.

Procuramos imediatamente um advogado e no dia 28 de julho de 2006 comparecemos na Terceira Delegacia de Polícia para apresentar queixa crime contra nossa produtora.

Para que se possa compreender a extensão do golpe, a profundidade do problema causado pela ação desta moça desqualificada, basta dizer que ainda hoje, passados mais de 20 meses, ainda estamos nos refazendo dos reflexos financeiros que este "irrisório" roubo de 30.000 reais causou nas finanças do grupo.

Pois, esta semana recebemos com júbilo a notícia que a ré, L.A.P.G. foi condenada a um ano e quatro meses de trabalho social para alguma causa comunitária que será determinada pela Justiça, e a partir de agora deixa de ser ré primária podendo pegar uma cana dura caso venha a cometer o mesmo ou outro delito que venha lesar algum outro incauto.

Tivemos que conviver com o rombo, com suas causas e com nossas omissões, ainda estamos costurando os buracos deixados em nossa confiança irrestrita nos seres humanos e, acima de tudo, estamos ainda tentando aprender a lição que nos trouxe semelhante acontecimento. Esperamos que a referida estelionatária tente aprender também a lição durante sua pena. Se não aprender com esta, vai, com certeza, aprender com a próxima.